Música
Antecedentes
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| Música | |
|---|---|
 Una pintura en un jarrón griego antiguo representa una lección de música (c. 510 aC). | |
| Medio | Sonar |
| Cultura Originarios | vario |
| Era originario | Paleolítico |
| Artes escénicas | |
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Las principales formas | |
Formas menores | |
Habilidades circenses · Magia · Mime · Títeres · Discurso | |
Géneros | |
Teatro · Tragedia · Comedia · Tragicomedia · Romance · Sátira · Epopeya · Lírica | |
La música es un arte cuya forma medio es el sonido y el silencio. Sus elementos comunes son tono (que gobierna melodía y armonía), ritmo (y sus conceptos asociados tempo, metros, y la articulación), la dinámica y las cualidades sonoras de timbre y textura. La palabra deriva del griego μουσική (mousike; "el arte de la Musas ").
La creación, rendimiento, significado, e incluso el definición de la música varían según la cultura y el contexto social. La música varía desde composiciones estrictamente organizadas (y su recreación en el rendimiento), a través de la música de improvisación a formas aleatorias. La música puede ser dividido en géneros y subgéneros, aunque las líneas divisorias y las relaciones entre los géneros de música son a menudo sutil, a veces abierta a la interpretación individual, y en ocasiones controversial. Dentro las artes, la música se pueden clasificar como arte escénico, una bella arte , y el arte auditivo. También se puede dividir entre la música culta y música popular . También hay una fuerte conexión entre la música y las matemáticas. La música puede ser jugado y escuchado en vivo, puede ser parte de un obra dramática o filmar, o puede ser grabado.
Para muchas personas en muchas culturas, la música es una parte importante de su forma de vida. Griego antiguo y Filósofos indios definen la música como tonos ordenados horizontalmente como verticalmente como melodías y armonías. Refranes comunes como "la armonía de las esferas" y "es música para mis oídos" apuntan a la idea de que la música se suelen solicitarse y agradables de escuchar. Sin embargo, el compositor del siglo 20 John Cage cree que cualquier sonido puede ser música, diciendo, por ejemplo, "No hay ruido, sólo el sonido." Musicólogo Jean-Jacques Nattiez resume el relativista, punto de vista posmoderno: "La frontera entre la música y el ruido se define siempre-que culturalmente implica que, incluso dentro de una misma sociedad, esta frontera no siempre pasan por el mismo lugar, en una palabra, no rara vez es un consenso ... Por todas las cuentas no existe un concepto único y universal e intercultural definir lo que podría ser la música ".
Historia
Épocas prehistóricas
Música en la Prehistoria sólo puede ser teorizado basa en los hallazgos de sitios arqueológicos paleolíticos. Flautas se descubren a menudo, tallado de los huesos en los que se han perforado agujeros laterales; estos se cree que han sido volado en un extremo como el japonés shakuhachi. La Divje Bebé flauta, tallada en un oso de las cavernas fémur, se piensa que es al menos 40.000 años de edad. Instrumentos tales como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda se han recuperado de los del valle del Indo Civilización arqueológicos sitios. La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguos en el mundo de las referencias a La música clásica de la India (marga) se encuentran en la Vedas, escrituras antiguas de la Tradición hindú. La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos fue encontrado en China, y se remonta a entre 7000 y 6600 antes de Cristo. La Canción hurrita, encontrar en tablillas de arcilla que datan de aproximadamente el año 1400 aC, es la obra más antigua que sobrevive anotada de música.
Antiguo Egipto
La antigua Egipcios acredita uno de sus dioses, Thoth, con la invención de la música, que Osiris a su vez utiliza como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. El material más antiguo y pruebas de representación de instrumentos musicales egipcias fechas para la Periodo predinástico, pero la evidencia es atestiguado con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando arpas, flautas y se jugaron dobles clarinetes. Los instrumentos de percusión, liras y laúdes se añadieron a orquestas por la Reino Medio. Platillos con frecuencia acompañada de la música y la danza, tanto como lo siguen haciendo en Egipto hoy. Egipcia música popular , incluyendo el tradicional Rituales dhikr sufíes, son los más cercanos contemporánea género de la música para el egipcio antiguo de la música, habiendo conservado muchas de sus características, los ritmos e instrumentos.
Culturas asiáticas
| Gangubai Hangal Durga |
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La música clásica de la India es una de las tradiciones musicales más antiguos del mundo. La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danza y antiguos instrumentos musicales, como la flauta de siete balazos. Diversos tipos de instrumentos de cuerda y tambores se han recuperado de Harrappa y Mohenjo Daro por las excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la actual música de la India, con una notación musical para denotar el metro y el modo de cantar. La música clásica de la India (marga) es monofónico, y se basa en una sola línea de la melodía o raga organizado rítmicamente a través talas. Música indostánica fue influenciado por las prácticas de desempeño persas de los mogoles afganas. Música carnática popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay un montón de canciones que enfatizan el amor y otras cuestiones sociales.
Música asiática abarca las culturas musicales de Arabia, Asia Central, Este De Asia, Asia del Sur y El Sudeste De Asia. La música clásica china, el arte tradicional o tribunal música de China, tiene una historia que se extiende sobre alrededor de tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de la notación musical, así como de sintonía musical y de paso, los instrumentos musicales y estilos o géneros musicales. Música china es pentatónica diatónica, que tiene una escala de doce notas de una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea. Música persa es la música de Persia y los países de lengua persa: musiqi, la ciencia y el arte de la música, y Muzik, el sonido y la interpretación de la música (Sakata 1983).
Antigüedad
Culturas occidentales han tenido una gran influencia en el desarrollo de la música. La historia de la música de las culturas occidentales se remonta a la antigua Grecia veces.
Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia . Músicos y cantantes jugaron un papel destacado en Teatro griego. Mixtos coros realizaron para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales. Instrumentos incluyen la doble lengüeta aulos y un arrancados instrumento de cuerda, la lira, principalmente la clase especial llamada cítara. La música era una parte importante de la educación, y los niños se les enseña música a partir de los seis años. Alfabetización musical griega creó una floración de desarrollo de la música. Griego teoría de la música incluida la griega modos musicales, que con el tiempo se convirtieron en la base para el Western religiosa y música clásica. Más tarde, las influencias del Imperio Romano , Europa del Este , y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. La Seikilos epitafio es el ejemplo más antiguo de una composición musical completa, incluida la notación musical, desde cualquier parte del mundo.
La Edad Media
| Léonin o Pérotin Breves muere hominis |
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La medieval era (476 dC a 1400 dC) se inició con la introducción de cantar en la Iglesia Católica Romana servicios. Western Music entonces comenzó a convertirse en más de una forma de arte con los avances en la notación musical. El único repertorio medieval europeo que sobrevive desde antes de alrededor de 800 es el monofónico litúrgico canto llano de la Iglesia católica romana, la tradición central de los cuales fue llamado canto gregoriano . Junto a estas tradiciones de sagrado y música de la iglesia existía una vibrante tradición de canción secular. Los ejemplos de compositores de este periodo son Léonin, Pérotin y Guillaume de Machaut.
El Renacimiento
| TL de Victoria Meus Amicus |
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Renacimiento música (c. 1400 dC a 1600 dC) estaba más centrada en temas seculares. Alrededor de 1450, el imprenta fue inventada, y que ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente ya través de una área mayor. De este modo, la música podría desempeñar un papel cada vez más importante en la vida diaria. Músicos trabajaban para la Iglesia, los tribunales y las ciudades. Coros de las iglesias crecieron en tamaño, y la iglesia se mantuvo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo 15, compositores escribieron música sacra ricamente polifónico. Compositores destacados de esta época son Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley, y Orlando di Lasso. Sin embargo, la actividad musical pasó a los tribunales. Los reyes y los príncipes competían por los mejores compositores.
Muchos compositores importantes vinieron de Holanda, Bélgica y el norte de Francia y se llaman los compositores franco-flamencos. Ellos ocupaban cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con vibrantes vidas musicales incluyen Alemania, Inglaterra y España.
El Barroco
| JSBach Toccata und Fuge |
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La Época barroca de la música tuvo lugar desde 1600 hasta 1750, ya que el estilo artístico barroco floreció en toda Europa; y durante este tiempo, la música se expandió en su gama y complejidad. Comenzó la música barroca, cuando las primeras óperas fueron escritas y cuando música contrapuntística llegó a ser frecuente. Compositores barrocos alemanes escribieron para los pequeños conjuntos incluyendo cuerdas, latón , y instrumentos de viento, así como coros, órgano de tubos , clavicordio, y clavicordio. Durante este período de varias formas musicales principales se definieron que duró en períodos posteriores cuando se ampliaron y se desarrolló aún más, incluyendo el fuga, el invención, el sonata, y la Concierto. El estilo barroco tardío era polifónica compleja y ornamental y rica en sus melodías. Compositores de la época barroca incluyen Johann Sebastian Bach , Georg Friedrich Händel , y Georg Philipp Telemann.
Clasicismo
| WA Mozart Sinfonía 40 g-moll |
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La música de la Periodo Clásico (1750 dC a 1830 dC) miró hacia el arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma, a los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. Tiene una textura más ligera, más clara y considerablemente más simple, y tendía a ser casi voicelike y cantable. Se descubrieron nuevos géneros. El estilo principal fue el homofonía, donde prominente melodía y acompañamiento son claramente distintas.
Importancia fue dado a música instrumental. Fue dominado por una mayor evolución de las formas musicales definidas inicialmente en el período barroco: la sonata, la concierto, y la sinfonía. Otros tipos principales fueron trío, cuarteto de cuerda, serenata y divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque compositores barrocos también escribió sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinta. Todas las principales formas instrumentales de la época clásica se basaron en la estructura dramática de la sonata.
Uno de los pasos evolutivos más importantes realizadas en el periodo clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia podrá seguir desempeñando un papel importante en el patrocinio de la vida musical, pero ahora es posible para los compositores para sobrevivir sin ser sus empleados permanentes. La creciente popularidad llevó a un crecimiento tanto en el número y la variedad de las orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió grandes espacios públicos. Como resultado de todos estos procesos, la música sinfónica (incluyendo la ópera , el ballet y oratorio) llegó a ser más extrovertido.
Los compositores más conocidos del Clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert . Beethoven y Schubert también se consideran como compositores en evolución hacia el Romanticismo.
Romanticismo
| R. Wagner Die Walküre |
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Música Romántico (c. 1810 dC a 1900 dC) convirtió a los estilos y formas de la era clásica en trozos más apasionadas y expresivas rígidos. Se trató de aumentar la expresión emocional y el poder para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la técnica y la tradición. Compositores románticos crecieron en la idiosincrasia, y fueron más allá en el sincretismo de diferentes formas de arte (como la literatura), la historia (cifras históricas), o la propia naturaleza con la música. El amor romántico era un tema frecuente en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos se han conservado las estructuras formales de la época clásica, pero en muchos otros se han mejorado los géneros, formas y funciones existentes. Además, se han creado nuevas formas que se consideraron más adecuado para la nueva materia. Opera y ballet continuaron evolucionando.
En 1800, la música desarrollado por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo expresivo más dramático. En el caso de Beethoven, motivos, desarrollaron orgánicamente, vinieron a sustituir melodía como la unidad de composición más significativo. Compositores románticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák, y Gustav Mahler utiliza más elaborada acordes y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras complejas ya menudo mucho más tiempo musical. Durante período romántico tonalidad estaba en su apogeo. El final del siglo 19 vio una expansión dramática en el tamaño de la orquesta , y en el papel de conciertos como parte de la sociedad urbana. También vio una nueva diversidad en teatro musical, incluyendo opereta, y comedia musical y otras formas de teatro musical.
20th- y del siglo 21 la música
Con La música del siglo 20, hubo un gran aumento en la escucha de música como el de radio ganó popularidad y fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música. El enfoque de música de arte se caracteriza por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg, y John Cage fueron todos los compositores influyentes en la música el arte del siglo 20o. La invención de la grabación de sonido y la posibilidad de editar la música dieron lugar a nuevo sub-género de la música clásica, incluyendo la acusmático y Escuelas de música concreta de composición electrónica.
Jazz evolucionó y se convirtió en un género importante de la música a lo largo del siglo 20, y durante la segunda mitad de ese siglo, música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical americano que originó en el comienzo del siglo 20 en Comunidades afroamericanas en el sur de los Estados Unidos a partir de la confluencia de Africanos y europeos tradiciones musicales. Del estilo de África Occidental pedigrí es evidente en su uso de notas azules, improvisación, polirritmia, síncopa, y la nota balanceada. Desde su desarrollo inicial hasta la actualidad, el jazz también ha incorporado música de 19 y del siglo 20 la música popular americana . Jazz ha, desde sus inicios del siglo 20 temprano, dio lugar a una variedad de subgéneros, que van desde Nueva Orleáns Dixieland (década de 1910) para 1970 y 1980 de la era la fusión del jazz-rock.
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir de 1950 rock and roll, rockabilly, el blues y la música country . El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza una fuerte ritmo de nuevo establecido por un sección rítmica de la eléctrica guitarra, bajo tambores y otros instrumentos de teclado como el órgano , el piano , o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos y los digitales y los ordenadores desde la década de 1990. Junto con la guitarra o los teclados, saxofón y el blues al estilo de la armónica se utilizan como instrumentos soloing. En su "estado puro", que "tiene tres acordes, un ritmo de nuevo fuerte, insistente, y una melodía pegadiza." A finales de 1960 y principios de 1970, se diversificó en diferentes subgéneros, que van desde blues rock y fusión jazz-rock a metales pesados y punk rock, así como el género influido más clásico de rock progresivo y varios tipos de géneros de rock experimental.
Rendimiento
El rendimiento es la expresión física de la música. A menudo, una obra musical que se realiza una vez que su estructura e instrumentación son satisfactorios a sus creadores; sin embargo, ya que se lleva a cabo, puede evolucionar y cambiar. Un espectáculo bien puede ser practicado y otro improvisado. La improvisación es una idea musical creada sin premeditación, mientras que el ensayo es la repetición vigorosa de una idea hasta que se haya logrado la cohesión. Los músicos a veces añadir la improvisación a una idea bien ensayado para crear un espectáculo único.
Muchas culturas incluyen fuertes tradiciones de en solitario y el rendimiento, como en la música clásica de la India, y en la tradición del arte-música occidental. Otras culturas, como en Bali, incluye una fuerte tradición de rendimiento del grupo. Todas las culturas son una mezcla de ambos, y el rendimiento pueden variar desde solo improvisado jugar para el disfrute de uno de los rituales de rendimiento altamente planificadas y organizadas, como el concierto de música clásica moderna, procesiones religiosas, festivales de música o concursos de música. La música de cámara, que es música para un pequeño conjunto con sólo unos pocos de cada tipo de instrumento, es a menudo visto como algo más íntimo que obras sinfónicas.
Tradición de Aural
Existen muchos tipos de música, como el tradicional el blues y la música folk se conservaron inicialmente en la memoria de los artistas y las canciones fueron transmitidas oralmente , o auditivamente (de oído). Cuando el compositor de la música ya no se sabe, esta música se clasifica a menudo como "tradicional". Diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes hacia cómo y dónde realizar cambios en el material original, de bastante estricto, a los que exigen la improvisación o la modificación de la música. La historia de una cultura también puede transmitirse por el oído a través del canto.
Ornamentación
El detalle incluye explícitamente en la notación musical varía entre los géneros y periodos históricos. En general, la notación de la música culta del 17 a través de los artistas del siglo 19o requerida para tener una gran cantidad de conocimiento contextual sobre la realización de estilos. Por ejemplo, en el siglo 17 y 18, música anotada para solistas típicamente indica una melodía sencilla, sin adornos. Sin embargo, se esperaba que los artistas saber cómo añadir adornos estilísticamente apropiados, tales como trinos y vueltas. En el siglo 19, la música de arte para los artistas en solitario puede dar una instrucción general, como para llevar a cabo la música expresiva, sin describir en detalle cómo el artista debe hacer esto. Se esperaba que el intérprete para saber cómo utilizar los cambios de tempo, acentuación, y pausas (entre otros dispositivos) para obtener este estilo de actuación "expresiva". En el siglo 20, la notación de la música de arte a menudo se hizo más explícita y utiliza una amplia gama de marcas y anotaciones para indicar a los artistas cómo deben tocar o cantar la pieza.
En la música popular y el jazz, la notación musical casi siempre indica sólo el marco básico de la melodía, la armonía, o enfoque de ejecución; Se espera que los músicos y cantantes para conocer los convenios de desempeño y estilos relacionados con los géneros y piezas específicas. Por ejemplo, el " planchas de plomo "para una melodía de jazz sólo puede indicar la melodía y los cambios de acordes. Los intérpretes de la Se espera conjunto de jazz que saber "carne a cabo" esta estructura de base, añadiendo adornos, música improvisada y acompañamiento de acordes.
Producción
La música está compuesta e interpretada para muchos propósitos, que van desde el placer estético, con fines religiosos o ceremoniales, o como producto de entretenimiento para el mercado. Músicos aficionados componen e interpretan música para su propio placer, y no derivan sus ingresos de la música. Los músicos profesionales son empleados por una serie de instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas, iglesias y sinagogas, orquestas sinfónicas, la radiodifusión o productoras de cine, y escuelas de música. Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos, en busca de contratos y compromisos en una variedad de entornos.
A menudo hay muchos vínculos entre músicos aficionados y profesionales. Empezando músicos aficionados toman clases con músicos profesionales. En entornos comunitarios, músicos aficionados avanzados realizan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos y orquestas. En algunos casos, los músicos aficionados alcanzan un nivel profesional de la competencia, y que son capaces de realizar en la configuración de rendimiento profesional. A menudo se distingue entre la música realizada en beneficio de una audiencia en vivo y la música que se realiza con el propósito de ser grabado y distribuido a través del sistema de venta de música o el sistema de radiodifusión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que una actuación en directo en frente de una audiencia se graba y distribuye (o emisión).
Composición
"Composición" a menudo se clasifica como la creación y grabación de música a través de un medio por el cual otros pueden interpretarlo (es decir, papel o sonido). Muchas culturas utilizan al menos una parte del concepto de preconceiving material musical, o la composición, como sostuvo en el oeste música clásica. Incluso cuando la música está anotado precisamente, todavía hay muchas decisiones que un artista tiene que hacer. El proceso de un ejecutante de decidir cómo realizar la música que ha sido compuesta y anotada que se denomina interpretación previamente. Interpretaciones de la misma música Diferentes artistas intérpretes o ejecutantes pueden variar ampliamente. Los compositores y escritores de canciones que presentan su propia música están interpretando, tanto como los que realizan la música de los demás o la música popular. El cuerpo estándar de opciones y técnicas presentes en un momento dado y un lugar dado se conoce como práctica interpretativa, mientras que la interpretación se utiliza generalmente para significar que existen opciones individuales de un artista, o un aspecto de la música que no está claro, y por lo tanto tiene una interpretación "estándar".
En algunos géneros musicales, como el jazz y el blues, incluso se otorga mayor libertad al intérprete para participar en la improvisación sobre un marco melódico, armónico o rítmico básico. El mayor latitud se da al ejecutante en un estilo de realizar llamadas la improvisación libre, que es el material que es espontáneamente "pensamiento de" (imaginaria), mientras que se realiza, no preconcebida. Música improvisada generalmente sigue las convenciones estilísticas o de género e incluso "plenamente integrado" incluye algunos elegido libremente material. Composición no siempre significa que el uso de la notación, o el único autor conocido de una persona. La música también se puede determinar mediante la descripción de un "proceso" que crea sonidos musicales. Ejemplos de esta gama de campanas de viento, a través de los programas de ordenador que seleccionan sonidos. Música de elementos aleatorios se llama Aleatoria de la música, y se asocia con compositores como John Cage, Morton Feldman, y Witold Lutoslawski.
La música puede ser compuesta para el desempeño repetido o puede ser improvisado: compuesta en el acto. La música puede ser realizado enteramente de memoria, de un sistema escrito de notación musical, o alguna combinación de ambos. Estudio de la composición tradicionalmente ha sido dominada por el examen de los métodos y práctica de la música clásica occidental, pero la definición de la composición es lo suficientemente amplia como para incluir obras espontáneamente improvisados como los de intérpretes de jazz gratuitos y percusionistas africanos, como el Bateristas oveja.
Notación
La notación es la expresión escrita de las notas musicales y ritmos en papel utilizando símbolos. Cuando la música se reduce, los tonos y ritmo de la música se anotadas, junto con instrucciones sobre cómo realizar la música. El estudio de cómo leer la notación implica solfeo, armonía, el estudio de la práctica del performance, y en algunos casos, una comprensión de los métodos históricos de rendimiento. Notación escrita varía con estilo y la época de la música. En la música el arte occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las puntuaciones, que incluyen todas las piezas musicales de una obra de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los artistas o cantantes individuales. En música popular, jazz y blues, la notación musical estándar es la hoja de plomo, que notates la melodía, los acordes, letras (si se trata de una pieza vocal), y la estructura de la música. Partituras y piezas también se utilizan en la música popular y el jazz, especialmente en las grandes formaciones como jazz "big bands".
En música popular, guitarristas y eléctrica bajistas suelen leer música anotada en tablatura (a menudo abreviado como "ficha"), que indica la ubicación de las notas que se jugará en el instrumento utilizando un esquema de la guitarra o el bajo diapasón. Tabulature también se utilizó en la época barroca para anotar música para el laúd, un instrumento de cuerda con trastes. Música escrita se produce como partitura. Para realizar la música de notación requiere una comprensión tanto de los elementos rítmicos y de paso incorporados en los símbolos y la práctica interpretativa que se asocia con una pieza de música o un género. En la improvisación, el artista juega a menudo de música donde se escriben sólo los cambios de acordes, que requiere una gran comprensión de la estructura de la música y progresiones de acordes.
Improvisación
Improvisación musical es la creación de música espontánea. La improvisación es a menudo considerado un acto de composición instantánea por artistas, donde las técnicas de composición se emplean con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como blues, jazz , y jazz fusión, en la que los artistas instrumentales improvisar solos y líneas melódicas. En la tradición de la música occidental, la improvisación era una habilidad importante durante la época barroca y durante la era clásica; solistas y cantantes improvisados cadencias virtuosos durante los conciertos. Sin embargo, en el siglo 20 y 21, la improvisación juega un papel menor en Música Arte Occidental.
Teoría
Teoría de la música abarca la naturaleza y la mecánica de la música. A menudo implica la identificación de patrones que rigen las técnicas de compositores y examinar la lengua y notación de la música. En un gran sentido, la teoría de la música destila y analiza la parámetros o elementos de la música - ritmo, armonía ( función armónica), melodía, estructura, forma, y textura. En términos generales, la teoría de la música puede incluir cualquier declaración, creencia o concepción de o sobre la música. Las personas que estudian estas propiedades se conocen como teóricos de la música. Algunos han aplicado acústica, fisiología humana y la psicología a la explicación de cómo y por qué la música es percibida. La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Estos son, pero no se limitan a: el tono, golpear o el pulso, el ritmo, la melodía, la armonía, la textura, la asignación de voces, timbre o color, cualidades expresivas (dinámica y articulación), y la forma o estructura.
Pitch es una sensación subjetiva, que refleja generalmente la bajeza o alteza de un sonido. El ritmo es el arreglo de sonidos y silencios en el tiempo . Meter anima vez en agrupaciones pulso regular, llamado medidas o bares. Una melodía es una serie de notas que suenan en la sucesión. Las notas de una melodía se crean normalmente con respecto a lanzar sistemas como escalas o modos. La armonía es el estudio de sonoridades verticales en la música. Sonoridad vertical se refiere a la consideración de las relaciones entre los lanzamientos que ocurren juntos; Normalmente esto significa al mismo tiempo, aunque la armonía también puede inferirse de una melodía que describe una estructura armónica. Las notas pueden ser ordenados en diferentes escalas y modos. Teoría de la música occidental en general divide la octava en una serie de 12 notas que podrían incluirse en una pieza musical. En la música escrita utilizando el sistema de mayor-menor tonalidad, la clave de una pieza determina la escala utilizada. Textura musical es el sonido global de una pieza de música describe comúnmente de acuerdo con el número de y la relación entre las partes o líneas de la música: monofonía, heterofonía, polifonía, homofonía, o monodia.
Timbre, a veces llamado "Color" o "Color Tono" es la calidad o el sonido de una voz o instrumento. Cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean el cambio en la música que no están relacionados a tono, el ritmo o el timbre. Incluyen la Dinámica y la Articulación. La forma es una faceta de la teoría de la música que explora el concepto de la sintaxis musical, a nivel local y global. Los ejemplos de las formas comunes de la música occidental incluyen la fuga, el invención, sonata-allegro, canon, estrófica, tema y variaciones, y rondo. Música Popular menudo hace uso de forma estrófica menudo en combinación con Blues de doce compases. El análisis es el esfuerzo para describir y explicar la música.
Filosofía y estética
Filosofía de la música es el estudio de las cuestiones fundamentales de la música. El estudio filosófico de la música tiene muchas conexiones con cuestiones filosóficas en metafísica y estética . Algunas de las preguntas básicas de la filosofía de la música son:
- ¿Cuál es la definición de la música? (Cuales son los condiciones necesarias y suficientes para clasificar algo como la música?)
- ¿Cuál es la relación entre la música y la mente?
- ¿Qué historia musical nos revelan sobre el mundo?
- ¿Cuál es la conexión entre la música y las emociones?
- ¿Cuál es el significado en relación con la música?
Tradicionalmente, la estética de la música exploraron las dimensiones matemáticas y cosmológicas de organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, atención se centró en la experiencia de escuchar música, y por lo tanto a las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y goce) de música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Baumgarten en el siglo 18, seguido por Kant . A través de su escritura, el antiguo término "estética", es decir, la percepción sensorial, recibió su actual connotación. En las últimas décadas los filósofos han tendido a enfatizar cuestiones, además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, la capacidad de la música para expresar la emoción ha sido un tema central.
En el siglo 20, las contribuciones importantes fueron hechas por Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton, y Stephen Davies. Sin embargo, muchos músicos, los críticos de música, y otros no-filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo 19, un importante debate surgió entre Eduard Hanslick, crítico musical y musicólogo y compositor Richard Wagner . Harry Partch y algunos otros musicólogos, como Kyle Gann, han estudiado y tratado de popularizar música microtonal y el uso de alternativa escalas musicales. También muchos compositores modernos como Lamonte Young, Rhys Chatham y Glenn Branca prestó mucha atención a una escala llamada entonación justa.
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar a nuestras emociones , intelecto y la psicología ; puede aliviar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en la República que la música tiene un efecto directo en el alma. Por lo tanto, propone que en el ideal de la música régimen estaría estrechamente regulada por el Estado. (Libro VII)
Ha habido una fuerte tendencia en la estética de la música para enfatizar la importancia primordial de la estructura compositiva; sin embargo, otras cuestiones relacionadas con la estética de la música incluyen lirismo, armonía, hipnotismo, emotividad , dinámica temporal, resonancia, la alegría, y de color (véase también desarrollo musical).
Cognición y psicología
Cognición Música
El campo de la cognición musical implica el estudio de muchos aspectos de la música, incluyendo la forma en que se procesa por los oyentes. En lugar de aceptar las prácticas estándar de analizar, componer y tocar música como un hecho, mucha investigación en la cognición musical busca lugar para descubrir los procesos mentales que subyacen a estas prácticas. Además, la investigación en el campo trata de descubrir puntos comunes entre las tradiciones musicales de culturas dispares y posibles "limitaciones" cognitivas que limitan estos sistemas musicales. Las preguntas relacionadas con innatismo musical, y las respuestas emocionales a la música son también las principales áreas de investigación en el campo.
Sordos gente puede disfrutar de la música al sentir las vibraciones en su cuerpo, un proceso que puede ser reforzada si el individuo tiene un objeto resonante, hueco. Un músico sordo bien conocido es el compositor Ludwig van Beethoven , quien compuso muchas obras famosas, incluso después de que había perdido por completo su audiencia. Ejemplos recientes de músicos sordos incluyen Evelyn Glennie, una aclamada percusionista que ha estado sordo desde los doce años, y Chris Buck, un virtuoso violinista que ha perdido la audición. Esto es relevante porque indica que la música es un proceso cognitivo más profundo que las frases no examinados como "agradable al oído", sugiere.Mucha investigación en cognición musical trata de descubrir estos procesos mentales complejos que intervienen en la escucha de la música, que puede parecer intuitivamente simple, pero son sumamente intrincada y compleja.
Montreal Neurological Institute investigador Valorie Salimpoor y sus colegas han demostrado ahora que las sensaciones placenteras asociadas con la música emocional son el resultado dela liberación de dopamina en elcuerpo estriado - las mismas áreas anatómicas que sustentan los aspectos anticipatorias y gratificantes de la droga adicción.
Neurociencia cognitiva de la música
Neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos basados en el cerebro involucradas en los procesos cognitivos subyacentes música. Estos comportamientos incluyen la escucha de música, ejecución, composición, lectura, escritura y actividades auxiliares. También es cada vez más preocupados con las bases cerebrales de la estética musical y la emoción musical. Los científicos que trabajan en este campo pueden tener formación en neurociencia cognitiva, la neurología, la neuroanatomía, psicología, teoría de la música, la informática, y otros campos afines.
Neurociencia cognitiva de la música se distingue de campos relacionados, comola psicología de la música,la cognición musical ymusicología cognitiva en su dependencia de las observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas comoimagen funcional por resonancia magnética (fMRI),la estimulación magnética transcraneal (TMS),magnetoencefalografía ( MEG),electroencefalografía (EEG), y La tomografía por emisión de positrones (PET).
La psicología de la música
La psicología de la música, o la psicología de la música, pueden ser considerados como una rama de la psicología o de una rama de la musicología. Su objetivo es explicar y comprender el comportamiento musical y experiencia musical. La psicología de la música moderna es principalmente empírica: el conocimiento de la música psicológica tiende a avanzar principalmente sobre la base de la interpretación de los datos sobre el comportamiento y la experiencia musical, que se recogen por la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos. La psicología de la música es un campo de investigación con relevancia práctica para la interpretación musical, composición musical, educación musical, la medicina de la música, y musicoterapia.
Musicología cognitiva
Musicología cognitiva es una rama dela ciencia cognitiva de que se trate conel modelado computacional conocimientos musicales con el objetivo de entender la música y la cognición.
Musicología cognitiva puede diferenciarse de los campos de la cognición musical, la psicología de la música y la neurociencia cognitiva de la música por una diferencia de énfasis metodológico. Musicología cognitiva utiliza modelos de computadora para estudiar relacionada con la música de representación del conocimiento y tiene sus raíces en inteligencia artificial y ciencia cognitiva. el uso de modelos de computadora proporciona una exigente, medio interactivo en el que para formular y probar teorías.
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. Modelos de inspiración biológica de cálculo se incluyen a menudo en la investigación, tales como las redes neuronales y los programas evolutivos. Este campo busca modelar cómo el conocimiento musical se representa, almacena, percibe, realiza y genera. Mediante el uso de un entorno de equipo bien estructurado, las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos pueden ser investigados.
Psicoacústica
Psicoacústica es el estudio científico de sonido percepción. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las psicológicas y las respuestas fisiológicas asociadas con sonido (incluyendo el habla y la música ). Puede ser categorizado como una rama de la psicofísica.
Biomusicology
Biomusicology es el estudio de la música desde un punto de vista biológico. El término fue acuñado por Nils L. Wallin en 1991. La música es un aspecto del comportamiento de la especie humana y posiblemente otros. Como los seres humanos son organismos vivos, el estudio científico de la música, por lo tanto es parte de la biología , de ahí el "bio" en "biomusicology."
Se espera Biomusicologists haber completado estudios formales, tanto en biología u otras ciencias experimentales y la musicología, incluyendo teoría de la música. Las tres ramas principales de biomusicology son musicología evolutivo, neuromusicology y musicología comparada. Musicología Evolutiva estudia los "orígenes de la música, la cuestión de la canción de los animales, las presiones de selección subyacentes evolución de la música", y "la evolución de la música y la evolución humana". Neuromusicology estudia las "áreas del cerebro implicadas en el procesamiento de la música, los procesos neurales y cognitivos de procesamiento musical", y "la ontogenia de la capacidad musical y habilidad musical". Musicología comparada estudia las "funciones y usos de la música, las ventajas y los costes de fabricación de la música" y "características universales de los sistemas musicales y el comportamiento musical."
Sociología
Música es experimentado por los individuos en una variedad de entornos sociales que van desde la soledad de asistir a un gran concierto. Actuaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos. En Europa y América del Norte, a menudo hay una brecha entre lo que los tipos de música son vistos como una " alta cultura "y" baja cultura ". "Alta cultura" tipos de música suelen incluir la música culta occidental como barroca, clásica, romántica, y las sinfonías de la era moderna, conciertos y obras en solitario, y se escuchan normalmente en conciertos formales en las salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio en los asientos.
Otros tipos de música, incluyendo, pero no limitado a, el jazz, el blues, el soul, y país -son realizan a menudo en bares, clubes nocturnos y teatros, donde el público puede ser capaz de beber, bailar y expresarse por aplaudir. Hasta finales del siglo 20, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" fue ampliamente aceptada como una distinción válida que separa de mejor calidad, más avanzado "música culta" de los estilos populares de la música se escuchan en bares y salones de baile.
Sin embargo, en los años 1980 y 1990, los musicólogos que estudian esta división que se percibe entre "altos" y "bajos" géneros musicales argumentaron que esta distinción no se basa en el valor musical o la calidad de los diferentes tipos de música. Más bien, ellos argumentaron que esta distinción se basa en gran medida en la socioeconomía de pie o la clase social de los intérpretes o audiencia de los diferentes tipos de música. Por ejemplo, mientras que el público de los conciertos sinfónicos clásicos suelen tener ingresos superiores a la media, el público de un concierto de rap en una zona del centro de la ciudad puede tener ingresos inferiores a la media. A pesar de que la artistas, audiencia, o el lugar donde se realiza sin "arte" de la música puede tener un menor nivel socioeconómico, la música que se lleva a cabo, como el blues, rap, punky, el funk o el ska puede ser muy complejo y sofisticado.
Cuando compositores introducen estilos de música que rompen con la convención, no puede haber una fuerte resistencia por parte de expertos en música académica y la cultura popular. Late-período cuartetos de cuerda de Beethoven, Stravinsky ballet Partituras, serialismo, jazz bebop-era, hip hop, punk rock y electronica han sido considerados no-música por algunos críticos cuando se introdujeron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música. El estudio sociológico de la música, a veces llamado sociomusicology, a menudo se persigue en los departamentos de sociología, estudios de medios, o la música, y está estrechamente relacionado con el campo de la etnomusicología.
Negocios
La industria de la música se refiere a la industria del negocio relacionado con la creación y venta de música. Se compone de las compañías discográficas, las etiquetas y los editores que distribuyen registran productos musicales a nivel internacional y que a menudo controlan los derechos a esos productos. Algunos sellos discográficos son " independiente ", mientras que otros son filiales de entidades corporativas más grandes o internacionales grupos de medios. En la década de 2000, la creciente popularidad de escuchar música como archivos digitales de música en reproductores MP3, iPods o computadoras, y de la música de la negociación en los sitios de intercambio de archivos o comprarlo en línea en forma de archivos digitales tuvieron un gran impacto en la música tradicional negocio. Muchas tiendas de CD independientes más pequeños se fue a la quiebra ya que los compradores de música disminuyeron sus compras de CDs, y muchas etiquetas tenido las ventas de CD inferiores. Algunas compañías hicieron bien con el cambio a un formato digital, aunque, como Apple iTunes, una tienda online que vende archivos digitales de canciones a través de Internet.
Educación
No profesional
La incorporación de la formación musical desde preescolar hasta publicar la educación secundaria es común en América del Norte y Europa. Participación en la música se piensa para enseñar habilidades básicas como la concentración, contar, escuchar, y la cooperación y al mismo tiempo promover la comprensión de la lengua , la mejora de la capacidad para recordar información, y crear un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas. En escuelas primarias, los niños a menudo aprender a tocar instrumentos como la grabadora , cantar en pequeños coros, y aprender sobre la historia de la música occidental. En las escuelas secundarias los estudiantes pueden tener la oportunidad de realizar algún tipo de conjuntos musicales, tales como coros, bandas de música, bandas de conciertos, bandas de jazz o orquestas, y en algunos sistemas escolares, clases de música pueden estar disponibles. Algunos estudiantes también toman privadas clases de música con un profesor. Músicos aficionados suelen tomar lecciones que aprender rudimentos musicales y principiante- a las técnicas musicales de nivel intermedio.
En la universidad de nivel, los estudiantes en la mayoría de las artes y las humanidades programas pueden recibir crédito por tomar cursos de música, que típicamente toman la forma de un curso general sobre la historia de la música , o un curso de apreciación musical que se centra en escuchar música y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de universidades de América y Europa del Norte tienen algún tipo de conjuntos musicales que los estudiantes no-musicales son capaces de participar en, como coros, bandas de música, u orquestas. El estudio de la música del arte occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, tales como el Instituto Indonesio de las Artes en Yogyakarta, Indonesia , o los programas de música clásica que se encuentran disponibles en los países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y colegios occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música de culturas no occidentales, como la música de África o de Bali (por ejemplo, la música gamelan).
Academia
Musicología es el estudio de la materia de la música. Las primeras definiciones definen tres sub-disciplinas: musicología sistemática, musicología histórica y de musicología comparativa o etnomusicología. En la erudición contemporánea, uno es más probable que encuentre una división de la disciplina en la teoría de la música, la historia de la música, y la etnomusicología. La investigación en musicología menudo se ha enriquecido con el trabajo interdisciplinario, por ejemplo en el campo de la psicoacústica. El estudio de la música de las culturas no occidentales, y el estudio cultural de la música, se llama etnomusicología. Los estudiantes pueden perseguir el estudio de pregrado de la musicología, etnomusicología, historia de la música, y la teoría de la música a través de varios tipos diferentes de grados, incluyendo una B.Mus, una licenciatura con la concentración en la música, una licenciatura con honores en la música, o una licenciatura en Historia de la Música y Literatura. Los graduados de programas de música de grado pueden pasar a un mayor estudio en los programas de posgrado de música.
Títulos de postgrado incluyen el Master of Music, el Maestro de las Artes, el Doctor en Filosofía (PhD) (por ejemplo, en musicología o teoría de la música), y más recientemente, el Doctor en Artes Musicales, o DMA. El Maestro de Música de grado, que tiene uno a dos años en completarse, es típicamente otorgado a los estudiantes que estudian el comportamiento de un instrumento, la educación, la voz o la composición. La Maestría en Artes, que tiene uno a dos años para completar y, a menudo requiere una tesis, es típicamente otorgado a los estudiantes que estudian la musicología, historia de la música, o la teoría de la música. De licenciatura títulos universitarios en la música, incluyendo la Licenciatura en Música, la Licenciatura en Música Educación y el Bachillerato en Artes (con especialización en música) suelen tardar tres a cinco años en completarse. Estos grados proporcionan a los estudiantes con una sólida base en la teoría de la música y la historia de la música, y muchos estudiantes también estudian un instrumento o cantar aprenden la técnica como parte de su programa.
Los estudios de doctorado, que se requiere para estudiantes que quieran trabajar como profesores universitarios en la musicología, historia de la música, o teoría de la música, toma tres a cinco años de estudio después de la Maestría, tiempo durante el cual el estudiante completar cursos avanzados y llevar a cabo la investigación para una disertación. La DMA es relativamente un nuevo grado que se ha creado para proporcionar una credencial para artistas profesionales o compositores que quieran trabajar como profesores universitarios en la interpretación musical o la composición. La DMA toma de tres a cinco años después de una maestría, e incluye cursos avanzados, proyectos y actuaciones. En la Edad Media, el estudio de la música fue una de las Quadrivium de las siete artes liberales y considerado vital para la educación superior. Dentro del Quadrivium cuantitativa, la música, o más exactamente armónicos, fue el estudio de las proporciones racionales.
Zoomusicology es el estudio de la música de los animales no humanos, o los aspectos musicales de sonidos producidos por los animales no humanos. Como George Herzog (1941) preguntó: "¿Qué animales tienen música?" , de François-Bernard Mâche Musique, mythe, naturaleza, ou les Dauphins d'Arion (1983), un estudio de "Ornitho-musicología" usando una técnica de Nicolas Ruwet Langage, musique, poésie (1972) análisis de segmentación paradigmática, muestra que las canciones de aves se organizan de acuerdo con un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990), sostiene que "en última instancia, es un ser humano que decide lo que es y no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no se organiza y conceptualizado (es decir, hecho para formar la música) simplemente por su productor, sino por la mente que lo percibe, entonces la música es exclusivamente humana. "
Teoría de la música es el estudio de la música, en general, de una manera muy técnica fuera de otras disciplinas. En términos más generales, se refiere a cualquier estudio de la música, por lo general relacionados de alguna forma con las preocupaciones de composición, y puede incluir las matemáticas , la física y la antropología . Lo que se enseña con mayor frecuencia en el inicio de las clases de teoría de la música son las pautas para escribir en el estilo del período de la práctica común, o la música tonal. Teoría, incluso de la música del período de la práctica común, puede tomar muchas otras formas. la teoría de conjuntos musicales es la aplicación de matemática teoría de conjuntos de música, primero aplicado a la música atonal . solfeo especulativa , en contraste con la teoría musical analítica , se dedica a la análisis y síntesis de materiales musicales, por ejemplo sistemas de afinación, generalmente como preparación para la composición.
Etnomusicología
Etnomusicología
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña se ocupa de la música de arte de la civilización occidental. La historia de la música en otras culturas (" música del mundo "o el campo de la" etnomusicología ") también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentados de los países de Asia fuera de la influencia de Europa Occidental, así como la música tradicional o indígena de varias otras culturas. Los estilos populares de la música variaban ampliamente de una cultura a otra, y de período a período. Las diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos o técnicas, o utiliza para la música. La música ha sido utilizada no sólo para el entretenimiento, para las ceremonias, y para la comunicación práctica y artística, sino también para la propaganda .
Hay una serie de clasificaciones de la música, muchos de los cuales se encuentran atrapados en la discusión sobre la definición de la música. Entre la más grande de ellas es la división entre la música clásica (o la música "arte"), y la música popular (o música comercial - incluyendo la música rock, la música country y la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas dos "grandes" clasificaciones, (como la música popular, música del mundo, o la música de jazz).
Como las culturas del mundo han entrado en un mayor contacto , sus estilos musicales indígenas a menudo han fusionado en nuevos estilos. Por ejemplo, los Estados Unidos estilo bluegrass contiene elementos de Anglo- Irlandesa, escoceses, irlandeses, tradiciones instrumentales y vocales alemanes y africanos, que eran capaces de fusionarse en la sociedad multiétnica de los Estados Unidos. Géneros de la música están determinadas tanto por la tradición y la presentación como por la música real. Algunos trabajos, como George Gershwin Rhapsody in Blue , son reclamados por el jazz y la música clásica, mientras que de Gershwin Porgy and Bess y Leonard Bernstein West Side Story se reclamado tanto por la ópera y la tradición musical de Broadway. Muchos festivales de música actuales celebran un género musical en particular.
Música de la India , por ejemplo, es uno de los tipos de vida más grandes y antiguos de la música, y sigue siendo ampliamente escuchada y lleva a cabo en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). Música de la India tiene principalmente tres formas de la música clásica, indostaní, Carnatic y estilos Dhrupad. También cuenta con un amplio repertorio de estilos, que implican sólo la música de percusión, como las actuaciones talavadya famosos India del Sur.
Terapia musical
La musicoterapia es un proceso interpersonal en la que el terapeuta utiliza la música y todas sus facetas-físicas, emocionales, mentales, sociales, estéticos y espirituales para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se dirigen directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se utiliza con personas de todas las edades y con una variedad de condiciones, incluyendo: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, deficiencias sensoriales, discapacidades del desarrollo, abuso de sustancias, trastornos de la comunicación, problemas interpersonales, y el envejecimiento. También se utiliza para: mejorar el aprendizaje, fomentar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico, y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud.
Una de las primeras menciones de la musicoterapia estaba en Al-Farabi (c 872 -. 950) tratadistas significados del intelecto , que describe los efectos terapéuticos de la música en la alma. música ha sido utilizado para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo 17, el erudito Robert Burton Anatomía de la melancolía argumentó que la música y la danza fueron críticos en el tratamiento de las enfermedades mentales, especialmente la melancolía. Señaló que la música tiene un "excelente poder ... para expulsar a muchas otras enfermedades", y lo llamó "un remedio soberano contra la desesperación y melancolía." Señaló que en la Antigüedad, Cano, un violinista de Rodas, utiliza la música para "hacer un hombre alegre melancolía, ... un amante más enamorado, un hombre religioso más devotos." En noviembre de 2006, el Dr. Michael J. Crawford y sus colegas también encontraron que la musicoterapia ayudó esquizofrénicos pacientes. En el Imperio Otomano , las enfermedades mentales eran tratados con la música.
