Orquesta
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Una orquesta es una gran conjunto instrumental que contiene secciones de instrumentos de cuerda, latón, madera y percusión. El término orquesta se deriva del griego ορχήστρα, el nombre de la zona en frente de un antiguo escenario griego reservado para el Coro griego. La orquesta creció por acreción lo largo de los siglos 18 y 19, pero cambió muy poco en la composición durante el curso del siglo 20.
Una orquesta de menor tamaño para este período de tiempo (de unos cincuenta músicos o menos) se llama una orquesta de cámara. Una orquesta de tamaño completo (alrededor de 100 músicos) a veces puede ser llamado una "orquesta sinfónica" o "orquesta filarmónica"; estos modificadores no indican necesariamente una diferencia estricta, ya sea en el papel decisivo constitución o papel de la orquesta, pero pueden ser útiles para distinguir diferentes conjuntos basados en la misma ciudad (por ejemplo, la Londres Orquesta Sinfónica y el London Philharmonic Orquesta). Una orquesta sinfónica por lo general tienen más de ochenta músicos en su plantel, en algunos casos, más de cien, pero el número real de músicos empleados en una interpretación particular puede variar de acuerdo con el trabajo que se está reproduciendo y el tamaño del lugar. Una orquesta que lleva cámara podría emplear hasta cincuenta músicos; algunos son mucho más pequeño que eso. Orquestas también se pueden encontrar en las escuelas. La orquesta concierto plazo a veces puede ser utilizado (por ejemplo, BBC Concert Orchestra; RTE Concert Orchestra) -no se hace distinción en el tamaño de la orquesta por el uso de este término, aunque su uso es generalmente distinguido como para el concierto en vivo. Como tales, son comúnmente orquestas de cámara.
Instrumentación
La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de similares instrumentos musicales llamados el instrumentos de madera, latón , percusión, y cuerdas. Otros instrumentos, como el piano de y celesta veces puede ser agrupada en una quinta sección, tales como sección del teclado o puede estar solo, al igual que el concierto de arpa y instrumentos eléctricos y electrónicos. La orquesta, dependiendo del tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar en cada grupo. En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha ampliado con el tiempo, a menudo aceptó haber sido normalizado por la época clásica y la influencia de Beethoven en el modelo clásico.
La influencia de Beethoven
El llamado "complemento estándar" de los vientos dobles y bronce en la orquesta de la primera mitad del siglo 19 se atribuye generalmente a las fuerzas requeridas por Ludwig van Beethoven . Las excepciones a esto son su Sinfonía No. 4, Concierto para violín, y Concierto para piano n.º 4, que cada especifique un solo de flauta . La instrumentación del compositor casi siempre incluye pareadas flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas y trompetas. Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de este particular, "paleta" tímbrico en Symphonies 3, 5, 6, y 9 para un efecto innovador. El tercer cuerno en el "Eroica" Sinfonía llega a proporcionar no sólo una cierta flexibilidad armónica, sino también el efecto de latón "coral" en el trío. Piccolo, contrabassoon y trombones añadir a la final triunfal de su Sinfonía N º 5. Un piccolo y un par de trombones ayudan a entregar la tormenta y el sol en la Sexta . La Novena pide un segundo par de cuernos, por razones similares a la "Eroica" (cuatro cuernos ha convertido desde entonces en estándar); Uso de Beethoven de flautín, contrabassoon, trombones y percusión desafinada-plus coro y solistas vocales en su final, son sus primeras sugerencia de que el límites tímbricos de "sinfonía" podrían ampliarse para siempre. Pero por varias décadas después de su partida, sinfónico instrumentación fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones.
Instrumentación Ampliado
Aparte del complemento orquestal núcleo, otros instrumentos son llamados para de vez en cuando. Estos incluyen la guitarra clásica, heckelphone, fliscorno, corneta , clavecín y órgano . saxofones , por ejemplo, aparece en una gama limitada de las puntuaciones siglos 19 y 20. Mientras que sólo aparecen como aparece instrumentos solistas en algunas obras, por ejemplo, La orquestación de Maurice Ravel de Modest Mussorgsky Cuadros de una exposición y Sergei Rachmaninoff Danzas sinfónicas, el saxofón está incluido en otras obras, como Ravel Bolero, Prokofiev Romeo y Julieta Suites 1 y 2, Vaughan Williams Sinfonía N º 6 y Sinfonía No.9 y William Walton El festín de Baltasar, y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. La bombardino se ofrece en algunos finales Romántica y Obras del siglo 20, las partes generalmente juegan marcados "tuba tenor", incluyendo Gustav Holst 's Los Planetas , y Richard Strauss 's Una vida de héroe. La Tuba Wagner, miembro modificada del cuerno familia, aparece en Richard Wagner ciclo 's Der Ring des Nibelungen y varias otras obras de Richard Strauss , Béla Bartók, y otros; que tiene un papel destacado en Anton Bruckner Sinfonía No. 7 en Mi mayor. Cucuruchos aparecen en Pyotr Ilyich Tchaikovsky ballet 's Lago De Los Cisnes, Claude Debussy La Mer, y varias obras orquestales de Hector Berlioz. A menos que estos instrumentos son interpretados por los miembros de duplicación en otro instrumento (por ejemplo, un trombonista de cambiar a bombardino durante un determinado pasaje), orquestas utilizará músicos independientes para aumentar sus planteles regulares.
La orquesta del siglo 20 era mucho más flexible que sus predecesores. Durante compositores Beethoven y Felix Mendelssohn tiempo 's, la orquesta se compone de un núcleo bastante estándar de instrumentos que fue muy rara vez modificado. Como pasaba el tiempo, ya medida que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz, seguido de Johannes Brahms y, finalmente, Gustav Mahler, el siglo 20 vio que la instrumentación prácticamente podía ser recogido a mano por el compositor. Hoy, sin embargo, la orquesta moderna ha sido generalmente considerado estandarizada con la instrumentación moderna se enumeran a continuación.
Con esta historia en mente, la orquesta se ve que tiene una evolución general como se describe a continuación. La primera es una orquesta clásica típica (es decir, Beethoven / Haydn ), el segundo es típico de un temprano / medio-romántico (es decir, Brahms / Dvořák / Tchaikovsky ), tarde romántica / principios del siglo 20 (es decir, Wagner / Mahler / Stravinsky ), con el complemento común de un presente día orquestas modernas (es decir, Adams / Peluquería / Copland / Glass).
Orquesta Clásica
| Orquesta romántica temprana
| Orquesta romántica tardía
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Orquesta moderna
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Organización
Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, existe una jerarquía generalmente aceptado. Cada grupo instrumental (o sección) tiene un director que es generalmente responsable de liderar el grupo y jugar solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos, el primer violín y violín segundo, cada uno con su director. El director primer violín se llama concertino (o "líder" en el Reino Unido) y se considera el líder no sólo de la sección de cuerdas, sino de toda la orquesta, subordinada únicamente a la conductor.
El trombón es considerado el líder de la sección de latón bajo, mientras que la trompeta solista generalmente se considera el líder de toda la sección de metales. Del mismo modo, el oboe es considerado el líder de la sección de viento, y es el jugador a quien todos los demás melodía. El cuerno , mientras que técnicamente es un instrumento de cobre, a menudo actúa en el papel de ambos madera y metal. La mayoría de las secciones tienen también un asistente del director (o co-director o director adjunto), o en el caso de los primeros violines, un asistente de concertino, que a menudo desempeña un parte tutti además de la sustitución del director en su ausencia.
Un jugador sección de cuerdas juegos al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de las divididas (divisi) partes, en las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a los jugadores "fuera" (más cerca de la audiencia) y "dentro" sentado. Cuando una parte solista se llama en una sección de cuerdas, el jefe de la sección juega invariablemente esa parte. Tutti jugadores de viento y metal en general, juegan un papel único, pero no en solitario. Sección percusionistas juegan partes asignadas a ellos por el percusionista director.
En los tiempos modernos, los músicos suelen ser dirigidas por un conductor, aunque los primeros orquestas no tienen uno, dando a esta función en lugar de la concertino o la clavecinista jugar el bajo continuo. Algunas orquestas modernas también hacen sin conductores, orquestas especialmente las más pequeñas y las que se especializan en históricamente exacto (denominado "período") actuaciones de música barroca y anteriores.
El más frecuentemente realizada repertorio para una orquesta sinfónica es occidental la música clásica o la ópera . Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en música popular, ampliamente en la música de cine, y cada vez más a menudo en música de videojuegos. El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz, por ejemplo en el rendimiento de música de big band.
Historia de la orquesta
Historia temprana
La orquesta moderna tiene sus raíces históricas en el antiguo Egipto . Las primeras orquestas se componen de pequeños grupos de músicos que se reunieron para festivales, las vacaciones o los funerales. No fue sino hasta el siglo 11 que las familias de instrumentos comenzaron a aparecer con las diferencias en los tonos y octavas. Los verdaderos orquestas modernas comenzaron a finales del siglo 16, cuando los compositores comenzaron a escribir música para grupos instrumentales. En los siglos 15 y 16 en Italia las casas de los nobles tenían músicos para ofrecer música para el baile y la tribunal, sin embargo, con la aparición del teatro, especialmente la ópera, a principios del siglo 17, la música fue escrita cada vez más a los grupos de jugadores en combinación, que es el origen de tocar en una orquesta. Opera se originó en Italia y Alemania con entusiasmo siguió. Dresde, Múnich y Hamburgo construyeron sucesivamente teatros de ópera. Al final de la ópera del siglo 17 floreció en Inglaterra bajo Henry Purcell , y en Francia bajo Lully, que con la colaboración de Molière también elevó considerablemente el estado de los entretenimientos conocido como ballets , intercaladas con música instrumental y vocal.
A principios del siglo 18 y siglo 17, grupos instrumentales fueron tomadas de todo el talento disponible. Un compositor como Johann Sebastian Bach tenía el control de casi todos los recursos musicales de una ciudad, mientras que Handel contrataría a los mejores músicos disponibles. Esto coloca una prima en ser capaz de volver a escribir la música para cualquier cantantes o músicos eran los más adecuados para un rendimiento-Handel producido diferentes versiones de la Mesías oratorio casi todos los años.
Como nobleza comenzó a construir refugios lejos de las ciudades, empezaron a contratar músicos para formar conjuntos permanentes. Compositores como el joven Joseph Haydn tendrían entonces un cuerpo fijo de instrumentistas para trabajar. Al mismo tiempo, viajando intérpretes virtuosos como el joven Wolfgang Amadeus Mozart escribía conciertos que probar sus habilidades, y que viajaría de pueblo en pueblo, la organización de conciertos a lo largo del camino. Las orquestas aristocráticas trabajaron juntos durante mucho tiempo, por lo que es posible para conjunto jugando a mejorar con la práctica.
Escuela de Mannheim
Este cambio, a partir de la toma de la música ciudadana donde el compositor tenía algún grado de tiempo o control, más pequeño corte haciendo música y de una sola vez el rendimiento, colocó una prima sobre la música que era fácil de aprender, a menudo con poco o ningún ensayo. Los resultados fueron los cambios en el estilo musical y el énfasis en las nuevas técnicas. Mannheim tenía una de las más famosas orquestas de la época, donde notated dinámica y fraseo, previamente bastante raro, se convirtió en estándar (ver Escuela de Mannheim). También asistió a un cambio en el estilo musical del complejo contrapunto del barroco período, a un énfasis en claro melodía, texturas homófonas, frases cortas y frecuentes cadencias: un estilo que más tarde se define como clásica.
A lo largo de finales de los compositores del siglo 18 continuarían a tener que montar músicos para una actuación, a menudo llamado una "Academia", que sería, naturalmente, cuentan con sus propias composiciones. En 1781, sin embargo, la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig fue organizado por la sociedad comerciantes concierto, y comenzó una tendencia hacia la formación de orquestas cívicos que acelerarían en el siglo 19. En 1815, Boston Handel and Haydn Society fue fundada, en 1842 el Filarmónica de Nueva York y el Filarmónica de Viena se formaron, y en 1858, el Hallé Orquesta se formó en Manchester. No había sido durante mucho tiempo los cuerpos de músicos de todo óperas de pie, pero no para la música de concierto, esta situación cambió en el siglo 19 como parte de la cada vez más énfasis en la composición de sinfonías y otras formas puramente instrumentales. Esto fue alentado por los críticos como compositor ETA Hoffmann, quien declaró que la música instrumental fue el "puro" de la música. La creación de orquestas de pie también resultó en un marco profesional donde los músicos puedan ensayar y realizar las mismas obras en varias ocasiones, lo que lleva al concepto de un repertorio en la música instrumental.
Normas de funcionamiento
En la década de 1830, director de orquesta François Antoine Habeneck, comenzó a ensayar un selecto grupo de músicos con el fin de realizar las sinfonías de Beethoven, que no se había oído hablar en su totalidad en París. Desarrolló técnicas de ensayar las cuerdas por separado, notating específicos de rendimiento, y otras técnicas de entradas Cuing que se propagan a través de Europa. Su rival y amigo Hector Berlioz adoptaría muchas de estas innovaciones en su gira europea.
Artesanía Instrumental
La invención del pistón y válvula rotativa por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel, tanto Silesians, en 1815, fue el primero de una serie de innovaciones, incluyendo el desarrollo de keywork moderna para la flauta por Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento. Estos avances conducirían Hector Berlioz a escribir un libro histórico sobre instrumentación, que fue el primer tratado sistemático sobre el uso de sonido instrumental como elemento expresivo de la música.
El efecto de la invención de válvulas para el latón se hizo sentir casi de inmediato: fabricantes de instrumentos en toda Europa se esforzaron juntos para fomentar el uso de estos nuevos instrumentos refinados y continuando su perfección; y la orquesta fue en poco tiempo enriquece con una nueva familia de instrumentos con válvula, conocido indistintamente como tubas , o eufonios y bombardons , que tienen una escala cromática y un tono sonoro lleno de gran belleza e inmenso volumen, forman un magnífico bajo. Esta posible un juego más uniforme también de notas o entonación, lo que llevaría a un sonido orquestal más y más "suave" que su punto máximo en la década de 1950 con Eugene Ormandy y la Orquesta de Filadelfia y la realización de Herbert von Karajan con la Filarmónica de Berlín.
Durante este período de transición, lo que alivió gradualmente el desempeño de más exigente escritura latón "natural", muchos compositores (especialmente Wagner y Berlioz) todavía anotadas piezas de latón para los instrumentos más antiguos "naturales". Esta práctica ha hecho posible para los jugadores que todavía utilizan cuernos naturales, por ejemplo, para llevar a cabo desde las mismas partes que esos instrumentos Reproducción en curso con válvula. Sin embargo, con el tiempo, el uso de los instrumentos con válvula se convirtió en estándar, de hecho universales, hasta el renacimiento de los instrumentos más antiguos en el movimiento contemporáneo hacia rendimiento auténtico (a veces conocido como "el rendimiento históricamente informado").
En el momento de la invención de la latón con válvula, la foso de la orquesta de la mayoría de los compositores de opereta parece haber sido modesto. Un ejemplo es Sullivan uso 's de dos flautas, un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, dos cornetas (un pistón), dos trombones, tambores y cuerdas.
Durante este tiempo de invención, vientos y latón se expandió, y tuvimos un tiempo cada vez más fácil jugar en sintonía con los demás: en particular la capacidad de los compositores para anotar para las grandes masas de viento y bronce que previamente habían sido poco práctico. Obras como la Requiem de Hector Berlioz habría sido imposible de realizar sólo unas décadas antes, con su exigente escribir durante veinte instrumentos de viento, así como cuatro conjuntos de latón gigantescos que incluyen cada uno alrededor de cuatro trompetas, cuatro trombones, tubas y dos.
Influencia de Wagner
La próxima gran expansión de la práctica sinfónica vino de Richard Wagner 's Orquesta de Bayreuth, fundado para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para la etapa fueron anotados con alcance y complejidad sin precedentes: de hecho, su puntuación a Das Rheingold pide seis arpas. Así, Wagner prevé un papel cada vez más exigente para el director de la orquesta del teatro, ya que él elaboró en su influyente obra sobre la realización. Esto provocó una revolución en la orquesta composición y cambiar el estilo de interpretación orquestal para los ochenta años siguientes. Teorías de Wagner volvieron a examinar la importancia de tempo, dinámica, arqueamiento de instrumentos de cuerda y el papel de los directores de la orquesta. Conductores que estudiaron sus métodos pasaría a ser influyente sí mismos.
Orquesta del siglo 20
A medida que el siglo 20 amaneció, orquestas sinfónicas eran más grandes, mejor financiados y mejor entrenados que nunca; en consecuencia, los compositores podrían componer obras más grandes y ambiciosos. La influencia de Gustav Mahler fue particularmente innovational; en sus sinfonías posteriores, como el mamut Sinfonía No. 8, empuja Mahler los límites más lejanos del tamaño de orquesta, el empleo de ingentes fuerzas. Por los años de apogeo de Shostakovich, orquestas podría apoyar las más grandes formas de expresión sinfónica. Con el comienzo era la grabación, el nivel de rendimiento alcanzado un pináculo. En las grabaciones, pequeños errores en una actuación podría ser "fijos", pero muchos conductores de más edad y compositores podían recordar un momento en que simplemente "conseguir a través de" la música de la mejor manera posible era la norma. Combinado con el público más amplio posible gracias a la grabación, lo que condujo a un enfoque renovado en los conductores particulares y en un alto nivel de ejecución orquestal. Como se añadió sonido para cine mudo, la orquesta virtuoso se convirtió en un componente clave de la creación de películas como entretenimiento para el mercado masivo.
La contrarrevolución
En los años 1920 y 1930, las consideraciones económicas y artísticas llevaron a la formación de las sociedades de conciertos más pequeños, sobre todo los dedicados a la interpretación de la música de vanguardia, incluyendo Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg. Esta tendencia a iniciar orquestas del festival o grupos dedicados también se llevaría a cabo en la creación de festivales musicales de verano, y orquestas para la realización de obras menores. Entre los más influyentes de estos fue el Academia de St. Martin in the Fields, bajo la batuta de Sir Neville Marriner.
Con el advenimiento del movimiento de la música antigua, orquestas más pequeñas donde los jugadores trabajaron en la ejecución de obras en los estilos derivados del estudio de los tratados más antiguos en la reproducción se hicieron comunes. Estos incluyen la Orquesta del Siglo de las Luces, el London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academia de música antigua bajo Christopher Hogwood, entre otros.
Las tendencias recientes en los Estados Unidos
En los Estados Unidos, a finales del siglo 20 vio una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el costo de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de la base de seguidores, se convirtió en un tema que golpeó en el núcleo de la institución. Pocas orquestas podrían llenar auditorios, y el sistema de la temporada de la suscripción de larga tradición se convirtió cada vez más anacrónica, ya que cada vez más oyentes comprarían billetes sobre una base ad hoc para los eventos individuales. Dotaciones de orquestas y más centralmente a la operación diaria de donantes estadounidenses orquestas-orquestales han visto carteras de inversión se reducen o producen rendimientos más bajos, lo que reduce la capacidad de los donantes a que aporten contribuciones; además, ha habido una tendencia hacia la búsqueda de donantes de otras causas sociales más convincente. Asimismo, si bien la financiación del gobierno es menos central para América de orquestas europeas, los recortes en este tipo de financiación siguen siendo importantes para los conjuntos americanos. Por último, la drástica caída-off de los ingresos de la grabación, atado a no poca medida a los cambios en la propia industria de la grabación, se inició un período de cambio que todavía tiene que llegar a su conclusión.
Orquestas estadounidenses que han entrado en el capítulo 11 de bancarrota incluye la Orquesta de Filadelfia (en abril de 2011), y el Orquesta de Louisville, en diciembre de 2010; orquestas que han entrado en el capítulo 7 de bancarrota y operaciones han cesado incluyen la Orquesta de Cámara del Noroeste en 2006, el Orquesta Honolulu en marzo de 2011 el Nuevo México Sinfonía en abril de 2011 y el Syracuse Sinfonía en junio de 2011. El Festival de Orquestas en Orlando, Florida dejó de operar a finales de marzo de 2011.
Críticos como Norman Lebrecht eran vocal en su diagnóstico del problema como el "conjunto conductor jet" (cuyos sueldos presumiblemente sangraban las orquestas seco); y varios conductores de alto perfil han tenido recortes salariales en los últimos años; pero las cantidades de ingresos afectada son demasiado pequeños para dar cuenta de la crisis. Administradores de música tales como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentó que la nueva música, nuevos medios de presentarlo, y una relación renovada con la comunidad podría revitalizar la orquesta sinfónica. El influyente crítico Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque a la música, la performance, la experiencia de un concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria, y la presentación para que estén en línea con las expectativas de un público del siglo 21 inmersa en la cultura popular.
No es raro que los compositores contemporáneos para utilizar instrumentos convencionales, incluyendo varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Muchos, sin embargo, encontrar la configuración de orquesta más convencional para ofrecer mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams a menudo emplean orquestas de tamaño romántica, como en la ópera de Adams Nixon en China; Philip Glass y otros pueden ser más libres, y aún así identificar talla límites. Glass en particular, ha pasado recientemente a orquestas convencionales en obras como la Concierto para violonchelo y orquesta y la Concierto para violín n.º 2.
Orquestas Conductorless
El post-revolucionaria orquesta sinfónica Persimfans se formó en la Unión Soviética en 1922. El aspecto inusual de la orquesta era que, en la creencia de que en el ideal marxista del Estado todas las personas son iguales, sus miembros consideraron que no había necesidad de ser dirigido por la batuta dictatorial de un conductor; sino que fueron dirigidos por un comité. Aunque fue un éxito parcial, la principal dificultad con el concepto fue en el cambio tempo. La orquesta sobrevivió durante diez años antes de Stalin política cultural efectiva forzados en disolución mediante el drenaje de distancia de su financiación.
Algunos conjuntos, tales como la Orpheus Chamber Orchestra, con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito, aunque las decisiones es probable que se posterga hasta un sentido de liderazgo dentro del conjunto (por ejemplo, el viento principal e instrumentistas de cuerda).
Otros han regresado a la tradición de un actor principal, por lo general un violinista, siendo el director artístico y correr ensayos (como el Orquesta de Cámara de Australia, Amsterdam_Sinfonietta y Candida Thompson y el Nuevo Siglo Orquesta de Cámara).
Conductores múltiples
Las técnicas de Poliestilismo y música polytempo han llevado recientemente a pocos compositores a escribir música donde múltiples orquestas realizan simultáneamente. Estas tendencias han provocado el fenómeno de la música polyconductor, en sub-conductores separados realizan cada grupo de músicos. Por lo general, un conductor directora lleva a cabo las sub-conductores, configurando así el rendimiento general. Algunas piezas son enormemente complejo en este sentido, tales como Evgeni Kostitsyn Tercera Sinfonía, que pide nueve conductores.
Charles Ives menudo utiliza dos conductores, uno por ejemplo para simular una banda de música que viene a través de su obra. Realizaciones para Banda Sinfónica incluye un ejemplo de Ives. Benjamin Britten 's War Requiem es también un ejemplo importante de la repertorio para más de un conductor.
Uno de los mejores ejemplos de la música orquestal de finales del siglo es Karlheinz Stockhausen Gruppen, para tres orquestas colocados alrededor de la audiencia. De esta manera, las masas sonoras podría spacialized, como en una obra electroacústica. Gruppen fue estrenada en Colonia, en 1958, llevada a cabo por Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez. Recientemente, se ha realizado por Simon Rattle , John Carewe y Daniel Harding.
Otros significados de orquesta
En la antigua Grecia , la orquesta era el espacio entre el auditorio y la proscenio (o etapa ), en la que se estacionado el coro y la instrumentistas. La palabra orquesta literalmente significa "un lugar de baile".
En algunos teatros, la orquesta es el área de asientos directamente en frente de la etapa (llamada Primafila o platea); el término se aplica más propiamente al lugar en un teatro, o sala de conciertos reservado para los músicos.
