Música medieval

El término abarca música medieval Música europea escrita durante las Edad Media . Esta época se inicia con la caída del Imperio Romano y termina aproximadamente en la mitad del siglo XV. Establecer el final de la época medieval y el comienzo del Renacimiento es ciertamente arbitraria; 1400 se utiliza aquí.

Visión de conjunto

Estilos y tendencias

La única música medieval que se puede estudiar es lo que se había escrito, y sobrevivió. Desde la creación musical manuscritos era muy caro, debido a los gastos de pergamino, y la enorme cantidad de tiempo necesario para que un escriba que copiar todo abajo, sólo las instituciones ricos fueron capaces de crear manuscritos que han sobrevivido hasta nuestros días. Estas instituciones incluyen generalmente las instituciones de la iglesia y de la iglesia, como los monasterios ; un poco de música secular, así como la música sagrada, también fue preservada por estas instituciones. Estos manuscritos sobrevivientes no reflejan gran parte de la música popular de la época. Al inicio de la época, la música escrita se presume que es monofónico y homorhythmic con lo que parece ser un texto cantado al unísono y sin apoyo instrumental anotada. Notación medieval Anteriormente no tenía forma de especificar el ritmo, aunque notaciones neumáticas dieron ideas claras fraseo, y algo más tarde anotaciones indican modos rítmicos.

La simplicidad de canto, con la voz al unísono y declamación natural, es más común. La notación de polifonía desarrolla, y la suposición es que las prácticas polifónicos formalizados surgió por primera vez en este periodo. Armonía, en intervalos consonantes de quintas perfectas, unísonos, octavas, (y más tarde, cuartas justas) comienza a ser anotada. Notación rítmica permite interacciones complejas entre múltiples líneas vocales de una manera repetible. El uso de múltiples textos y la notación de acompañamiento instrumental desarrollada por el fin de la era.

Instrumentos

Un músico toca la vielle en un siglo 14 medieval manuscrito

Todavía existen instrumentos utilizados para interpretar música medieval, aunque de diferentes formas. La flauta una vez que estaba hecho de madera en lugar de plata u otro metal, y se podría hacer como un instrumento de soplado lateral o extremo-soplado. El grabador , por otro lado, tiene más o menos retuvo su forma pasada. La Gemshorn es similar a la grabadora en tener agujeros para los dedos en su parte frontal, aunque es realmente un miembro de la familia ocarina. Uno de los predecesores de la flauta, el Flauta de pan, era popular en la época medieval, y es posiblemente de Hellenic origen. Tuberías de este instrumento eran de madera, y se graduaron de longitud para producir diferentes tonos.

Música medieval utiliza muchos desplumado instrumentos de cuerda, como laúd, mandora, Gittern y salterio. La dulcimers, similares en estructura a la salterio y cítara, se arrancó originalmente, pero llegó a ser golpeado en el siglo 14, después de la llegada de la nueva tecnología que hizo posible cuerdas de metal. La zanfona era (y sigue siendo) un violín mecánico usando una rueda de madera rosined unido a una manivela para "arco" de sus cadenas. Instrumentos sin cajas de sonido, como el arpa de Judio también fueron populares en el tiempo. Las primeras versiones del órgano , violín (o Vielle), y trombón (llamado del tamboril) existía también.

Géneros

En esta época, la música era a la vez sagrado y secular, aunque casi no hay música secular temprana ha sobrevivido, y desde notación fue un desarrollo relativamente tarde, la reconstrucción de esta música, especialmente antes del siglo 12 , es actualmente objeto de conjeturas.

Teoría y notación

En teoría de la música, este periodo vio a varios avances sobre la práctica anterior, sobre todo en la concepción y la notación del ritmo. Anteriormente, la música fue organizado rítmicamente en " longs "y" breves "(en otras palabras," cortos "), aunque a menudo sin ningún tipo de diferenciación normal clara entre lo que se debe utilizar. El más famoso teórico de la música de la primera mitad del siglo 13 , Juan de Garlandia, fue el autor de la musica mensurabili De (alrededor de 1240), el tratado que define y lo más completamente aclarada la modos rítmicos, un sistema de notación para el ritmo en el que uno de los seis posibles patrones fue designada por una sucesión particular de nota-formas (organizados en lo que se llama " ligaduras "). La línea melódica, una vez que tuvo su modo, en general, se mantendrían en el mismo, a pesar de los ajustes rítmicos pueden ser indicados por los cambios en el patrón esperado de ligaduras, incluso hasta el punto de cambiar a otro modo rítmico. Un alemán teórico de un período un poco más tarde, Franco de Colonia, fue el primero en describir un sistema de notación en la que las notas de diferentes formas tienen completamente diferentes valores rítmicos (en los Ars Cantus mensurabilis de aproximadamente 1260), una innovación que tuvo un enorme impacto en la posterior historia de la música europea. La mayoría de los sobrevivientes música escrita del siglo 13 utiliza los modos rítmicos definidos por Garlandia.

Philippe de Vitry es el más famoso en la historia de la música para la redacción del Ars Nova (1322), un tratado sobre la música que dio su nombre a la música de toda la era. Sus contribuciones a la notación, en particular, la notación del ritmo, eran particularmente importantes, e hicieron posible la música libre y bastante complejo de los próximos cien años. En cierto modo, el moderno sistema de notación rítmica comenzó con Vitry, que se liberó de la idea antigua de los modos rítmicos, patrones rítmicos cortos que se repetían sin ser individual diferenciado. Los predecesores de notación de metros en tiempo modernos también se originan en el Ars Nova; de Franco, breve (para una breve explicación de la notación mensural en general, vea el artículo de la música del Renacimiento ) había igualado tres semibreves (es decir, breves medio) (en ocasiones, dos, a nivel local y con cierto contexto; casi siempre, sin embargo, estos dos semibreves fueron una de longitud normal y una de doble longitud, teniendo así el mismo espacio de tiempo), y el misma división ternaria mantenido para todos los valores de las notas más grandes y más pequeñas. En el momento de Ars Nova, el breve podría ser pre-dividido, para una composición entera o sección de una, en grupos de dos o tres más pequeños semibreves mediante el uso de un "signo medición", equivalente a nuestro moderno "compás". De esta manera, el "tempus" (que denota la división de la breve, lo que finalmente logró el mismo primado sobre la estructura rítmica como nuestra "medida" moderna) podría ser "perfecto", con subdivisión ternaria, o "imperfecto", con subdivisión binaria . Tempus perfectus se indica mediante un círculo, mientras Imperfectus tempus se denota por un semicírculo (nuestro actual "C" como un sustituto para el compás de 4/4 en realidad es un vestigio de esta práctica, no una abreviatura de " tiempo común ", como se cree popularmente). De manera similar, la redonda podría a su vez dividirse en tres "mínimos" o " mínimas "( prolatio perfectus o importante prolación) o dos (Imperfectus prolatio o menor prolación) y, en el nivel superior, el anhela en dos o tres breves ( perfectus operandi o el modo perfecto, o Imperfectus operandi o modo imperfecto, respectivamente).

Durante la duración de la época medieval, la mayor parte de la música se compone sobre todo en tempus perfecto, con efectos especiales creados por secciones del tempus imperfecta; hay una gran controversia actual entre los musicólogos de si esas secciones se realizaron con un breve de igual longitud o si ha cambiado, y si es así, en qué proporción. En los trabajos altamente sincopados del Ars subtilior, diferentes voces de la misma composición a veces se escribiría en diferentes firmas tempus simultáneamente.

Muchos estudiosos, citando la falta de pruebas attributory positivo, ahora consideran tratado "de Vitry" ser anónimo, pero esto no disminuye su importancia para la historia de la notación rítmica. El primer estudioso definitivamente identificable para aceptar y explicar el sistema mensural era Johannes de Muris ( Jehan des Marte), que se puede decir que han hecho para que lo Garlandia hizo por los modos rítmicos.

Para los teóricos específicos de música medieval, véase también: Isidoro de Sevilla, Aureliano de Reome, Odón de Cluny, Guido de Arezzo, Hermannus Contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco de Colonia, Juan de Garlandia (Johannes Gallicus), Anónimo IV, Marchetto da Padova (Marchettus de Padua), Jacques de Lieja, Johannes de Grocheo, Petrus de Cruce (Pierre de la Croix), y Philippe de Vitry.

Música medieval temprano (antes de 1150)

Tradiciones canto primeros

Chant (o canto llano) es un forma sagrada monofónico que representa la música más temprana conocida de la iglesia cristiana. El judío tradición Sinagoga de cantar salmos fue una fuerte influencia en canto cristiano.

Chant desarrollado por separado en varios centros europeos. Las más importantes fueron Roma , España , Galia, Milán , y Irlanda . Estos cantos fueron desarrollados para apoyar las liturgias regionales utilizados cuando se celebra la misa. Cada área ha desarrollado sus propios cantos y las reglas para la celebración. En España, Canto mozárabe fue utilizado y muestra la influencia de Música del norte de África. La liturgia mozárabe incluso sobrevivió a través de El dominio musulmán, aunque se trataba de una cadena aislada y esta música fue posteriormente suprimida en un intento de reforzar la conformidad en toda la liturgia. En Milán, Canto ambrosiano, el nombre de San Ambrosio, era la norma, mientras que Canto beneventano desarrolló alrededor Benevento, otro centro litúrgico italiano. Canto galicano se utilizó en la Galia, y Canto celta en Irlanda y Gran Bretaña.

Alrededor 1011 dC, la Iglesia Católica Romana quería normalizar la Misa y canto. En este momento, Roma era el centro religioso de la Europa occidental, y París fue el centro político. El esfuerzo de normalización consistió principalmente en la combinación de estos dos ( Romano y Galicana) liturgias regionales. Este cuerpo de canto se hizo conocido como el canto gregoriano. Por los 12 y 13 siglos , el canto gregoriano había superado todas las otras tradiciones de canto occidentales, con la excepción del canto ambrosiano en Milán, y el canto mozárabe en pocas capillas españolas especialmente designados.

Canto gregoriano

Polifonía temprana: organum

Alrededor de finales del siglo IX, cantantes en monasterios como San Gall en Suiza comenzó a experimentar con la adición de otra parte para el canto, generalmente un voz en movimiento paralelo, cantando en su mayoría perfecta cuartas partes o quintos con la melodía original (ver intervalo). Este desarrollo se llama organum, y representa el inicio de armonía y, en última instancia, contrapunto. Durante los siguientes siglos organum desarrollado de varias maneras.

El más importante fue la creación de "organum florido" alrededor 1100, a veces conocido como el la escuela de San Marcial (el nombre de un monasterio en el centro-sur de Francia, que contiene el manuscrito mejor conservado de este repertorio). En "organum florido" la melodía original se cantaría en notas largas, mientras una voz que acompaña cantaría muchas notas a cada uno de los originales, a menudo de forma muy elaborada, todo el tiempo que subraya la perfecta consonancias (cuartos, quintos y octavas) como en el Organa anterior. Los últimos desarrollos de organum ocurrieron en Inglaterra, donde el intervalo de la tercero fue particularmente favorecidos, y donde Organa fueron probablemente improvisados contra una melodía del canto existente, y en Notre Dame en París, que iba a ser el centro de la actividad creativa musical a lo largo del siglo XIII.

Gran parte de la música de la época medieval temprana es anónimo. Algunos de los nombres puede haber habido poetas y letristas, y las melodías para los que escribieron palabras pueden haber sido compuestas por otros. Reconocimiento de la música monofónica de la época medieval no siempre es confiable. Sobrevivir a los manuscritos de este período incluyen la Musica Enchiriadis, Codex Calixtinus de Santiago de Compostela, y la Tropario de Winchester.

Para obtener información acerca de los compositores específicos o poetas que escriben en el período medieval temprano, ver Papa Gregorio I, San Godric, Hildegarda de Bingen, Hucbald, Notker Balbulus, Odo de Arezzo, Odón de Cluny, y Tutilo.

Drama litúrgico

Otra tradición musical de Europa originario durante la Alta Edad Media fue la drama litúrgico. En su forma original, puede representar una supervivencia de Romano drama con historias cristianas - principalmente la Evangelio, la Pasión, y la vida de los santos - injertados sobre. Cada parte de Europa tenía una especie de tradición de drama musical o semi-musical en la Edad Media, que implica actuar, hablar, cantar y acompañamiento instrumental en alguna combinación. Probablemente estos dramas se realizaron viajando actores y músicos. Muchos se han conservado lo suficiente para permitir la reconstrucción moderna y el rendimiento (por ejemplo, el Juega de Daniel, que ha sido grabado recientemente).

Goliards

La Goliards eran itinerantes poetas-músicos de Europa a partir de la décima a la mitad del siglo XIII. La mayoría eran eruditos o eclesiásticos, y que escribió y cantó en latín. Aunque muchos de los poemas han sobrevivido, muy poco de la música tiene. Eran posiblemente influyente - incluso con decisión así - en el trovador Trouvere tradición que iba a seguir. La mayor parte de su poesía es secular y, mientras que algunas de las canciones celebran los ideales religiosos, otros son francamente profano, que trata de la embriaguez, el libertinaje y lujuria.

Alta música medieval (1150-1300)

Ars Antiqua

El florecimiento de la La escuela de Notre Dame de la polifonía de todo 1150 a 1.250 correspondieron a las igualmente impresionantes logros en La arquitectura gótica: de hecho, el centro de la actividad fue en la catedral de Sí Notre Dame. A veces la música de este período se llama la escuela parisina, o organum parisino, y representa el comienzo de lo que se conoce convencionalmente como Ars Antiqua. Este fue el período en el que notación rítmica apareció por primera vez en la música occidental, sobre todo un método basado en el contexto de la notación rítmica conocida como la modos rítmicos.

Este fue también el período en que los conceptos de estructura formal desarrollado que estaban atentos a la proporción, textura, y el efecto arquitectónico. Compositores de la época alternan organum florido y discant (más nota-contra-nota, en oposición a la sucesión de melismas muchos de nota contra nota de larga data que se encuentran en el tipo florido), y crearon varias nuevas formas musicales: clausulae, que eran secciones melismáticos de Organa extraído y equipado con nuevas palabras y una mayor elaboración musical; conductus, que era una canción para una o más voces para cantar rítmicamente, muy probablemente en una procesión de algún tipo; y tropos, que eran reordenamientos de cantos mayores con nuevas palabras y en ocasiones música nueva. Todos estos géneros excepto uno se basaron en el canto; es decir, una de las voces, (generalmente tres, aunque a veces cuatro) casi siempre el más bajo (el tenor en este punto) cantado una melodía del canto, aunque con la nota del largo libremente compuestas, sobre los que las otras voces cantaban organum. La excepción a este método fue el conductus, una composición de dos voz que se compone libremente en su totalidad.

La motete, una de las más importantes formas musicales de la alta Edad Media y el Renacimiento, desarrollado inicialmente durante el período de Notre Dame de la clausula, especialmente la forma utilizando múltiples voces elaborado por Pérotin, que allanó el camino para este particular mediante la sustitución de muchos de su predecesor (como canónigo de la catedral) Larga clausulae florido de Léonin con sustitutos en un estilo discant. Poco a poco, llegó a haber libros enteros de estos sustitutos, disponibles para ser instalados dentro y fuera de los diversos cánticos. Dado que, de hecho, había más de lo que puede, posiblemente, se han utilizado en su contexto, es probable que la clausulae llegó a ser realizado de forma independiente, ya sea en otras partes de la masa, o en las devociones privadas. El clausulae, así practicada, se convirtió en el motete cuando troped con palabras no litúrgicas, y fue desarrollado aún más en una forma de gran elaboración, sofisticación y sutileza en el siglo XIV, el período de Ars nova.

Sobrevivir a los manuscritos de esta época incluyen la Codex Montpellier, Codex Bamberg, y Musical El Codex de Las Huelgas.

Los compositores de esta época incluyen Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de San Víctor, y Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus se acredita con la innovación de escribir más de tres semibreves para adaptarse a la longitud de un breve. Viniendo ante la innovación de tempus imperfectos, esta práctica innagurated la era de lo que ahora se llaman "motetes Petronian". Estas obras de finales del siglo 13 están en tres, a veces cuatro, piezas y han cantado varios textos simultáneamente. Estos textos pueden ser sagrado o secular en tema, y con América y el francés mixto. El motete Petronian es un género muy complejo, dada su mezcla de varios breves semibreve con modos rítmicos y, a veces (cada vez con mayor frecuencia) sustitución de canciones seculares de canto en el tenor. De hecho, cada vez mayor complejidad rítmica sería una característica fundamental del siglo 14, aunque la música en Francia, Italia e Inglaterra tomaría bastante diferentes caminos durante ese tiempo.

Trovadores y trouvères

La música de la trovadores y trouvères era una tradición vernácula de la canción profana monofónico, probablemente acompañado por instrumentos, cantada por músicos profesionales, de vez en cuando itinerantes, que eran tan hábiles como los poetas como eran cantantes e instrumentistas. La lengua de los trovadores era Occitano (también conocido como el langue d'oc, o Provenzal); la lengua de los trovadores era francés antiguo (también conocido como langue d'aceite). El período de los trovadores correspondió al florecimiento de la vida cultural en Provenza, que duró hasta el siglo XII y en la primera década de la decimotercera. Temas típicos de la canción trovadoresca eran la guerra , caballerosidad y amor cortés. El período de los trovadores herida después de la cruzada albigense , la campaña feroz por El Papa Inocencio III para eliminar la Herejía cátara (y deseo barones del norte 'apropiarse de la riqueza del sur). Trovadores supervivientes fueron bien a España, el norte de Italia o el norte de Francia (donde la tradición trovador vivió), donde sus habilidades y técnicas contribuyeron a los desarrollos posteriores de la cultura musical secular en esos lugares.

La música de los trovadores era similar a la de los trovadores, pero fue capaz de sobrevivir en afectados por la cruzada albigense del siglo XIII. La mayoría de los más de dos mil supervivientes canciones Trouvere incluyen música, y muestran una sofisticación tan grande como la de la poesía que acompaña.

La Tradición Minnesinger fue el germano contrapartida de la actividad de los trovadores y troveros al oeste. Desafortunadamente, pocas fuentes sobreviven de la época; las fuentes de Minnesang son en su mayoría a partir de dos o tres siglos después de la cumbre del movimiento, lo que lleva a una cierta controversia sobre su exactitud. Entre los Minnesingers con sobrevivir música son Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide y Niedhart von Reuenthal.

Trovadores con melodías sobrevivientes

Los compositores de la época medieval alta y tardía

Música medieval tardío (1300-1400)

Francia: Ars nova

El comienzo de la Ars Nova es una de las pocas divisiones cronológicas limpias en la música medieval, ya que corresponde a la publicación de la Roman de Fauvel, una gran recopilación de la poesía y la música, en 1310 y 1314. El Roman de Fauvel es una sátira sobre los abusos en la iglesia medieval, y está lleno de motetes medievales, lais, rondeaux y otras formas seculares nuevos. Aunque la mayor parte de la música es anónima, que contiene varias piezas de Philippe de Vitry, uno de los primeros compositores de la motete isorrítmico, un desarrollo que distingue al siglo XIV. El motete isorrítmico fue perfeccionado por Guillaume de Machaut, el mejor compositor de la época.

Durante la era de Ars nova, la música secular adquirió una sofisticación polifónica antiguamente se encuentra sólo en la música sacra, un desarrollo no es sorprendente teniendo en cuenta el carácter laico del primer Renacimiento (y cabe señalar que, si bien esta música es generalmente considerado como "medieval", las fuerzas sociales que produjo fuera responsable por el inicio del Renacimiento literario y artístico en Italia-la distinción entre la Edad Media y el Renacimiento es una borrosa, especialmente teniendo en cuenta artes tan diferentes como la música y la pintura). El término "Ars Nova" (arte nuevo, o una nueva técnica) fue acuñado por Philippe de Vitry en su tratado de ese nombre (probablemente escrito en 1322), con el fin de distinguir la práctica de la música de la época inmediatamente anterior.

El género secular dominante del Ars Nova fue el chanson, ya que seguiría siendo en Francia desde hace dos siglos. Estos chansons fueron compuestos en formas musicales correspondientes a la poesía que se impuso, que estaban en la llamada formes correcciones de Rondeau, balada, y virelai. Estas formas afectadas significativamente el desarrollo de la estructura musical de una manera que se sienten aún hoy en día; por ejemplo, la rima-esquema-ouvert clos compartida por los tres exigió una realización musical que contribuyó directamente a la noción moderna de frases antecedente y consecuente. Fue en este período, también, en el que comenzó la larga tradición de ajuste de las masas común. Esta tradición comenzó alrededor de mediados de siglo con ajustes aisladas o pareadas de Kyries, Glorias, etc., pero Machaut compone lo que se cree que es la primera misa completa concebida como una composición. El mundo sonoro de la música Ars Nova es mucho uno de primacía lineales y complejidad rítmica. Intervalos de "reposo" son la quinta y octava, con terceras y sextas considerados disonancias. Los saltos de más de un sexto de las voces individuales no son poco comunes, lo que lleva a la especulación de la participación de al menos un papel decisivo en el rendimiento secular.

Sobrevivir a los manuscritos franceses incluyen la Ivrea Codex y la Codex Apt.

Para obtener información acerca de los compositores franceses específicos que escriben en época bajomedieval, consulte Jehan de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Solage, y François Andrieu.

Italia: Trecento

La mayor parte de la música de Ars nova era de origen francés; Sin embargo, el término se aplica a menudo vagamente a toda la música del siglo XIV, especialmente para incluir la música secular en Italia. Hay este período se refiere a menudo como Trecento.

Música italiana tiene siempre, al parecer, ha conocido por su carácter lírico o melódico, y esto se remonta al siglo 14 en muchos aspectos. Música secular italiana de este tiempo (lo poco que sobrevive la música litúrgica existe, es similar a los franceses a excepción de algo diferente notación) presentó lo que se ha llamado el estilo cantalina, con una voz superior florido con el apoyo de dos (o aun uno; una feria importe de la música italiana del Trecento es sólo para dos voces) que son más regulares y de movimiento más lento. Este tipo de textura mantuvo una característica de la música italiana en los géneros seculares populares del siglo 15 y 16, así, y era una influencia importante en el desarrollo final de la textura trío que revolucionó la música a los 17.

Había tres formas principales para obras seculares en el Trecento. Uno era el madrigal, no el mismo que el de 150 a 250 años más tarde, pero con un verso / abstengan-como forma. Tres línea estrofas, cada una con diferentes palabras, se alternaban con una de dos líneas ritornello, con el mismo texto en cada aparición. Tal vez podemos ver las semillas de la posterior de finales del Renacimiento y el Barroco ritornello en este dispositivo; también vuelve una y otra vez, reconocible cada vez, en contraste con sus secciones dispares circundantes. Otra forma, la caccia ("persecución") fue escrita para dos voces en un canon al unísono. A veces, esta forma también contó con un ritornello, que era en ocasiones también en un estilo canónico. Por lo general, el nombre de este género siempre un doble sentido, ya que los textos de caccia fueron principalmente sobre caza y actividades al aire libre relacionadas, o escenas al menos llenas de acción. La tercera forma principal fue la ballata, que era aproximadamente equivalente a la virelai francés.

Sobrevivir manuscritos italianos incluyen la Squarcialupi Codex y la Rossi Codex.

Para obtener información acerca de los compositores italianos específicas que escriben en la Baja Edad Media, consulte Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo Tenorista), Giovanni da Firenze (también conocido como Giovanni da Cascia), Bartolino de Padua, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia, y Maestro Piero.

Alemania: Geisslerlieder

La Geisslerlieder eran las canciones de bandas nómadas de flagelantes, que trataron de apaciguar la ira de un Dios enojado por la música penitencial acompañada por la mortificación de sus cuerpos. Hubo dos períodos separados de la actividad de Geisslerlied: una alrededor de la mitad del siglo XIII, de la que, por desgracia, no hay música sobrevive (aunque numerosas letras hacen); y otro de 1349, para el que las palabras y la música sobrevive intacta debido a la atención de un solo sacerdote que escribió sobre el movimiento y grabó su música. Este segundo período corresponde a la propagación de la Muerte Negro en Europa, y los documentos de uno de los acontecimientos más terribles de la historia europea. Ambos períodos de actividad Geisslerlied eran principalmente en Alemania.

También hubo polifonía de influencia francesa escrita en zonas alemanas en este momento, pero era algo menos sofisticado que sus modelos. Para ser justos con los compositores en su mayoría anónimos de este repertorio, sin embargo, la mayoría de los manuscritos conservados parecen haber sido copiado de incompetencia extrema, y están llenos de errores que hacen que una verdadera evaluación exhaustiva de la calidad de la música imposible.

Manierismo y Ars subtilior

La chanson Belle, bonne, sage por Baude Cordier, una pieza subtilior Ars incluido en el Chantilly Codex

Como se ve a menudo al final de cualquier época musical, al final de la época medieval se caracteriza por un estilo muy manierista conocido como Subtilior Ars. En cierto modo, esto era un intento de fusionar los estilos francés e italiano. Esta música era muy estilizado, con una complejidad rítmica que no fue igualada hasta el siglo 20. De hecho, no sólo fue la complejidad rítmica de este repertorio en gran medida sin precedentes para cinco siglos y medio, con síncopas extremas, engaños mensural, e incluso los ejemplos de augenmusik (como una chanson por Baude Cordier en escrito en manuscrito en la forma de un corazón), sino también su material melódico era bastante complejo, así, en particular en su interacción con las estructuras rítmicas. Ya discutido en Ars Nova ha sido la práctica de Isorritmia, que siguió desarrollando a través de finales del siglo y de hecho no alcanzó su más alto grado de sofisticación hasta principios del siglo 15. En lugar de utilizar técnicas isorrítmicos en una o dos voces, o el comercio de ellos entre las voces, algunas obras llegaron a ofrecer una textura isorrítmico omnipresente que rivaliza con el serialismo integral del siglo 20 en su ordenamiento sistemático de los elementos rítmicos y tonales. El término "manierismo" fue aplicado por los estudiosos posteriores, ya que suele ser, en respuesta a una impresión de sofisticación se practica por sí misma, una enfermedad que se han sentido algunos autores infectado el Ars subtilior.

Una de las fuentes existentes más importantes de chansons Ars Subtilior es el Chantilly Codex.

La transición al Renacimiento

Delimitar el final de la época medieval y el comienzo del Renacimiento, con respecto a la composición de la música, es problemático. Mientras que la música del siglo XIV es bastante obvio medieval en la concepción, la música de principios del siglo XV a menudo se concibe como perteneciente a un período de transición, no sólo conserva algo de los ideales de la final de la Edad Media (tal como un tipo de la escritura polifónica en la que las partes difieren ampliamente entre sí en carácter, como cada uno tiene su función específica de textura), sino que también muestra algunos de los rasgos característicos del Renacimiento (como el estilo internacional en desarrollo a través de la difusión de los músicos franco-flamencos en toda Europa, y en términos de textura una igualdad cada vez mayor de partes). El Renacimiento comenzó temprano en Italia, pero la innovación musical no estaba muy por detrás de la de Francia e Inglaterra; el Renacimiento llegó tarde a Inglaterra, pero la innovación musical que había delante de Europa continental.

Historiadores de la música no están de acuerdo sobre cuándo comenzó la época del Renacimiento, pero la mayoría de los historiadores coinciden en que Inglaterra era todavía una sociedad medieval a principios del siglo XV (véase la discusión de cuestiones de periodización de la Edad Media). Si bien no hay consenso, 1400 es un marcador útil, porque fue en esa época que el Renacimiento entró en pleno apogeo en Italia .

La creciente dependencia en el intervalo de la tercera como la consonancia es una de las características más pronunciadas de la transición en el Renacimiento. Polifonía, en uso desde el siglo 12, se convirtió cada vez más elaborado con voces muy independientes en todo el siglo 14. Con John Dunstable y otros compositores ingleses, en parte a través de la técnica local faburden (un proceso de improvisación en el que una melodía del canto y una parte escrita predominantemente en sextas paralelas por encima de ella están ornamentados por uno cantado en cuartas justas debajo de este último, y que más tarde se apoderó en el continente como "fauxbordon"), el intervalo de la tercero emerge como un importante desarrollo musical; debido a esto Contenance Angloise ("rostro Inglés"), la música de compositores ingleses es a menudo considerado como el primero en sonar menos verdaderamente extraño, el público no escolarizados modernas. Tendencias estilísticas de inglés en este sentido habían llegado a buen puerto y comenzó a influir compositores continentales ya en la década de 1420, como se puede ver en las obras de los jóvenes Dufay, entre otros. Mientras las Guerra de los Cien Años , continuó Inglés nobles, los ejércitos, sus capillas y séquitos, y por lo tanto algunos de sus compositores, viajó en Francia y realizó su música allí; debe también, por supuesto, tener en cuenta que el Inglés controla porciones del norte de Francia en este momento.

Manuscritos en inglés incluyen la Worcester Fragmentos, el Old St. Andrews Música Libro, el Old Hall Manuscrito, y Egerton Manuscrito.

Estudio y formación profesional

La Schola Cantorum Basiliensis, universidad de la música antigua en Basilea , Suiza , ofrece el único curso de estudio práctico de tiempo completo para la música de la Edad Media. Una formación profesional de dos años para los músicos se ofrece en la academia Burg Fürsteneck en Alemania .