Música del Renacimiento

Música del Renacimiento es Música europea escrita durante el Renacimiento , aproximadamente 1400-1600. Definir el comienzo de la era es difícil, dada la falta de cambios abruptos en el pensamiento musical durante el siglo 15. El proceso por el cual la música adquirido características "Renacimiento" fue gradual, y musicólogos han situado sus inicios ya desde 1300 hasta fecha tan tardía como la década de 1470. Además, el movimiento humanista italiano, redescubrir y reinterpretar la estética de la antigua Grecia y Roma, influyó en el desarrollo del estilo musical durante el período.

Visión de conjunto

Estilo y tendencias

Renacimiento
Temas
Arquitectura Danza Bellas artes Literatura Música Filosofía Ciencia Tecnología Guerra
Regiones
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La creciente dependencia en el intervalo de la tercera como la consonancia es uno de los rasgos más pronunciados de la música antigua arte del Renacimiento europeo (en las Edad Media , tercios habían sido considerados disonancias: ver intervalo). Polifonía, en uso desde el siglo 12, se convirtió cada vez más elaborado con voces muy independientes en todo el siglo 14: el comienzo del siglo 15 mostró la simplificación, con las voces a menudo lucha por la suavidad. Esto fue posible gracias a un gran aumento de rango vocal en la música - en la Edad Media, el estrecho rango hizo cruzar frecuentemente necesaria de las partes, por lo que requiere un mayor contraste entre ellos.

La modal (en oposición a tonales características) de la música del Renacimiento comenzaron a romper hacia el final del período con el uso creciente de los movimientos fundamentales de los quintos. Esta tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad.

Géneros

Principales formas litúrgicas que soportaron durante todo el período del Renacimiento eran misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, sobre todo porque los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños.

Géneros sagrados comunes fueron la masa, la motete, la spirituale madrigale, y la laude.

Durante el período, la música secular tenía una distribución cada vez más amplia, con una amplia variedad de formas, pero hay que tener cuidado de no asumir una explosión en la variedad: desde impresión hecha música más accesible, mucho más ha sobrevivido de esta época que de la era medieval anterior, y probablemente un rico acervo de la música popular de la Baja Edad Media se perdió irremediablemente. La música secular incluyó canciones para una o muchas voces, formas, tales como la frottola, chanson y madrigal.

Géneros vocales seculares incluyen el madrigal, la frottola, la caccia, la chanson en varias formas ( Rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée), la canzoneta, la villancico, el villanella, la Villotta, y el canción laúd. Formas mixtas, como la También aparecieron motete-chanson y el motete secular.

Puramente música instrumental incluido música consorte de grabadora o viola y otros instrumentos, y bailes de diferentes conjuntos. Géneros más comunes fueron la tocata, la preludio, la ricercar, la canzona, y la inscripción no (intavolatura, intabulierung). Conjuntos instrumentales para bailes podrían desempeñar un basse danse (o bassedanza), un pavana, un Galliard, una allemande, o una courante.

Hacia el final del período, los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal, y la intermedio se ven.

Teoría y notación

Según Margaret Bent (1998), "notación Renacimiento es-bajo prescriptivo por nuestros estándares; cuando se traduce en forma moderna adquiere un peso prescriptivo que overspecifies y distorsiona su apertura original".

Ockeghem, Kyrie "Au suis travail", extracto

Composiciones renacentistas fueron anotadas sólo en partes individuales; puntajes eran extremadamente raros, y No se utilizaron barras de compás. Valores de las notas eran generalmente más grandes que están en uso hoy en día; la unidad primaria de latido era el semibreve, o nota entera. Tal como había sido el caso desde el Ars Nova (ver música medieval ), no podría ser de dos o tres de estos para cada breve (una nota de doble conjunto), que puede estar mirando cómo el equivalente a la moderna "medida", aunque era en sí un valor de nota y una medida que no es. La situación se puede considerar de esta manera: es la misma que la regla por la cual en la música moderna de un cuarto de nota puede ser igual o bien dos corcheas o tres, que se escribe como un "triplete". Por el mismo ajuste de cuentas, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeño, el "minim" (equivalente a la moderna "blanca") para cada una de redonda. Estas diferentes permutaciones fueron llamados "/ tempus imperfecto perfecto" en el nivel de la relación breve de redonda, "/ prolación imperfecto perfecto" en el nivel de la semibreve-minim, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. De tres a uno se llamaba "perfecto", y de dos a uno "imperfecta". Existían reglas también que los billetes individuales podrían reducirse a la mitad o se duplicaron en valor ("imperfected" o "alterado", respectivamente) cuando es precedido o seguido por otras ciertas notas. Observa con cabezas de nota negra (como negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de notación mensural blanco puede ser el resultado de una mayor utilización de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rascado requerido para llenar las cabezas de nota sólidos; notación de tiempos anteriores, escrito en pergamino, había sido negro. Otros colores, y más tarde, lleno-en las notas, se usan de forma rutinaria, así, sobre todo para hacer cumplir las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para llamar a otros cambios rítmicos temporales.

Las alteraciones no siempre se especificaron, algo que en ciertas anotaciones de digitación ( tablaturas) hoy. Sin embargo, los músicos renacentistas habrían sido altamente capacitado en diádica contrapunto tanto, dotados esta y otra información necesaria para leer una partitura, "lo que la notación moderna requiere [accidentales] habría sido entonces perfectamente aparente sin anotación para un cantante versado en contrapunto." Ver ficta musica. Un cantante interpretaría su parte calculando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos músicos evitarían octavas y quintas paralelas o alterar sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos (Bent, 1998).

Es a través de tablaturas contemporáneos para varios instrumentos de cuerda pulsada que hemos obtenido mucha información sobre lo que las alteraciones se llevaron a cabo por los profesionales de originales.

Para obtener información sobre los teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchino Gaffurio, Glareanus, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius, y Pietro Cerone.

Compositores del Renacimiento

Música del Renacimiento Temprano (1400 - 1467)

Este grupo se redujo gradualmente dispositivos complejos de la época medieval tardía de Isorritmia y extrema síncopa, resultando en un estilo más límpida y fluida. Lo que su música "perdió" en la complejidad rítmica, sin embargo, ganó en vitalidad rítmica, como "conducir a la cadencia" se convirtió en una característica prominente alrededor de mediados de siglo.

Música del Renacimiento Medio (1467 - 1534)

A principios de la década de 1470, la música comienza a imprimir utilizando una imprenta. Impresión música tenía un efecto importante en la forma en la propagación de la música ya que no sólo una pieza impresa de la música llegue a un público más grande que cualquier manuscrito nunca pudo, se hizo mucho más barato también. También durante este siglo, una tradición de fabricantes famosos comenzó para muchos instrumentos. Estos fabricantes eran maestros de su oficio. Algunos ejemplos son Stradivarius para violines o Meuschel para trompetas.

Hacia el final del siglo 15, la música sacra polifónica (como se ejemplifica en las masas de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht) había vuelto a ser más complejo, de manera que tal vez puede ser visto como la correlación de la impresionante detalle en la pintura de la época. Ockeghem, sobre todo, era aficionado a la canon, tanto contrapuntística y mensural. Él compuso una misa en la que todas las partes se derivan canónicamente de una línea musical.

Fue en las primeras décadas del próximo siglo que la música se siente en un tactus (piense en el tipo de compás moderno) de dos semibreves-a-un-breve comenzó a ser tan comunes como los que con tres semibreves-a-un-breve, como habían prevalecido antes de ese tiempo.

A principios del siglo 16, hay otra tendencia hacia la simplificación, como puede verse en cierta medida en el trabajo de Josquin des Prez y sus contemporáneos en la Franco-Flamenco School, y más tarde en la de GP Palestrina, que estaba reaccionando en parte a las restricciones de la Concilio de Trento, que desalentó la polifonía excesivamente compleja como la inhibición de la comprensión del texto. A principios del siglo 16 franco-flamencos se alejó de los complejos sistemas de juego mensural canónica y otra de generación de Ockeghem, tendiendo hacia los puntos de imitación y dúo o trío secciones dentro de una textura general que creció hasta cinco y seis voces. También comenzaron, incluso antes de las reformas Tridentino, para insertar pasajes cada vez más larga de homofonía, para subrayar el texto o puntos de articulación importante. Palestrina, por su parte, llegó a cultivar un estilo que fluye libremente de contrapunto en una gruesa textura rica, dentro de la cual consonancia siguió disonancia sobre una base casi latido a latido, y suspensiones gobernó el día (ver contrapunto). Por ahora, tactus era generalmente dos semibreves por breve con tres por breve utilizada para los efectos especiales y secciones climáticas; esto era una inversión de casi exacta de la técnica prevalece un siglo antes.

Música del Renacimiento tardío (1534 - 1600)

En Venecia, desde alrededor de 1534 hasta alrededor de 1600, un impresionante estilo polychoral desarrollado, lo que dio a Europa algo de la música más sonora grandioso compuesto hasta ese momento, con varios coros de cantantes, latón y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales en la Basílica San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples revoluciones repartidas en Europa en las próximas décadas, comenzando en Alemania y luego de trasladarse a España, Francia e Inglaterra algo más tarde, demarcar el comienzo de lo que hoy conocemos como la Era musical barroco.

La Escuela Romana era un grupo de compositores de música de la iglesia predominantemente, en Roma, que abarca el Renacimiento tardío en el Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, a pesar de que trabajaron en varias iglesias; estilísticamente a menudo se contraponen con la escuela veneciana de compositores, un movimiento simultáneo, que era mucho más progresista. Con mucho, el más famoso compositor de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo nombre ha sido asociado durante cuatrocientos años con clara, la perfección lisa, polifónico.

La breve pero intensa floración del madrigal musical en Inglaterra, sobre todo desde 1588 hasta 1627, junto con los compositores que las produjeron, se conoce como el Escuela Madrigal Inglés. Los madrigales ingleses estaban a cappella, predominantemente luz en el estilo, y en general comenzaron como copias o traducciones directas de los modelos italianos. La mayoría eran de tres a seis voces.

Musica reservata es o bien un estilo o una práctica interpretativa en acappella música vocal de este último, sobre todo en Italia y el sur de Alemania, que implica el refinamiento, la exclusividad y la intensa expresión emocional del texto cantado.

Además, muchos compositores observaron una división en sus propias obras entre un prima practica (la música en el estilo polifónico renacentista) y una practica seconda (música en el nuevo estilo), durante la primera parte del siglo 17.

Manierismo

A finales del siglo 16, como se cierra la época del Renacimiento, un estilo extremadamente manierista desarrolla. En la música secular, especialmente en el madrigal, hubo una tendencia hacia la complejidad e incluso cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y Gesualdo). El término "manierismo" deriva de la historia del arte.

La transición al barroco

A partir de Florencia, hubo un intento de revivir las formas dramáticas y musicales de la antigua Grecia, a través de los medios de monodia, una forma de música declamado sobre un acompañamiento sencillo; un contraste más extremo con el estilo polifónico anterior sería difícil de encontrar; este fue también, al menos al principio, una tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como los Camerata Florentina.

Ya hemos señalado algunos de los acontecimientos musicales que ayudó a marcar el comienzo de la Barroco, pero para una explicación más detallada de esta transición, consulte antífona, concertato, monodia, madrigal, y la ópera , así como las obras que figuran en "Fuentes y otras lecturas."

Para una discusión más a fondo de la transición al barroco específicamente relacionadas con la música del instrumento, consulte La transición del Renacimiento al Barroco en la música instrumental.

Instrumentos del Renacimiento

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones de o mejora en los instrumentos, que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, sólo para ser recreado con el fin de interpretar música de la época en los documentos públicos. Al igual que en los tiempos modernos, los instrumentos pueden ser clasificados como latón, cuerdas, percusión y de viento de madera.

Instrumentos de Viento Metal Brass en el Renacimiento fueron tradicionalmente interpretados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que fueron jugados:

• Trompeta Slide: Similar a la trombón de hoy excepto que en lugar de una sección del cuerpo deslizante, sólo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la propia boquilla es estacionaria. También el cuerpo era una forma de S así que era algo difícil de manejar, pero era adecuado para la música de baile lento fue más comúnmente utilizado para.

• Cornetto: Hecho de madera y se jugó como la grabadora (se menciona con mayor detalle más adelante), pero sopla como una trompeta. Se hizo común en varios tamaños, la mayor se llamaba la serpiente. La serpiente se convirtió prácticamente en la única cornetto utilizado a principios del siglo XVII, mientras que otras gamas fueron reemplazados por el violín. Se dice que es el instrumento más cercano a la voz humana con la capacidad de utilizar la dinámica y la expresión.

• Trompeta : Las primeras trompetas no tenían válvulas, y se limitaron a los tonos presentes en el serie de armónicos. También se hicieron en diferentes tamaños. Aunque comúnmente representado siendo utilizado por los ángeles, su uso en las iglesias era limitado, una excepción destacable es la música de la Escuela veneciana. Ellos fueron los más comúnmente utilizados en el ejército y para el anuncio de la realeza. Se han encontrado trompetas Periodo tener dos anillos soldados a ellos, uno cerca de la boquilla y otro cerca de la campana.

• Sackbut: un nombre diferente para el trombón, que sustituyó a la trompeta de diapositivas a finales del siglo XV.

Cuerdas como un cuerdas familiares fueron utilizados en muchas circunstancias, tanto sagradas y seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:

Organillo

Laúd

• Viol: Este instrumento, desarrollado en la década de 1400, comúnmente tiene seis cuerdas. Se juega generalmente con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la española vihuela; su principal característica de separación es su tamaño más grande. Esto cambió la postura del músico con el fin de descansar contra el suelo o entre las piernas de una manera similar al violonchelo. Sus similitudes con la vihuela eran cintura cortes afilados, trastes similares, la espalda plana, costillas finas y afinación idéntica.

• Lira: Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser arrancado, se tocaba con una púa. Sus cuerdas variaban en cantidad de cuatro, siete, diez, dependiendo de la época. Se jugó con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenció las notas que no fueron deseados. Liras más nuevos fueron modificados para ser jugado con un arco.

• Violín : La palabra violín viene del medio Vitula palabra latina que significa "instrumento de cuerdas". Los rasgos distintivos del violín son su forma de "reloj de arena", y el arqueo de su parte superior y posterior. Su producción de sonido depende de su forma, tipo de madera, el grosor y tipo de barniz. La forma más común de tocar el violín es con un arco. Tiene cuatro cuerdas, y es el miembro más pequeño y más agudo de la familia del violín (que incluye la viola y violonchelo).

• Irish Harp: También llamado el Clàrsach en gaélico escocés, o la Cláirseach en irlandés, durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda se ve incluso en el Guinness etiqueta, y es el símbolo nacional de Irlanda hasta hoy. Se jugará por lo general es arrancado. Su tamaño puede variar mucho de un arpa que se pueden reproducir en el regazo de uno a un arpa de tamaño completo que se coloca en el suelo

• Zanfona: (También conocido como el violín rueda), en el que las cuerdas suenan por una rueda que las cuerdas pasan por encima. Su funcionalidad puede ser comparada a la de un violín mecánico, en que su proa (rueda) es girado por una manivela. Su sonido distintivo es principalmente debido a sus "cadenas de aviones no tripulados", que proporcionan un paso constante similar en su sonido con el de las gaitas.

• Ver artículo principal: Cittern.

• Ver artículo principal: Laúd.

• Ver artículo principal: Clavecín.

• Ver artículo principal: Virginal.

Percusión Algunos instrumentos de percusión del Renacimiento incluyen el triángulo, los Judios arpa, la pandereta, las campanas, la olla de estruendo, y diversos tipos de tambores.

• Tambourine: En los primeros tiempos de la pandereta era originalmente un tambor de marco sin los jingles adjuntos a un lado. Este instrumento pronto evolucionó y tomó el nombre del pandero durante las cruzadas medievales, momento en el que adquirió los jingles. La pandereta se encuentra a menudo con una sola piel, ya que lo hizo fácil para un bailarín para jugar. La piel que rodea marco se llama la vitela, y produce el ritmo al golpear la superficie con la nudillos, yemas de los dedos o la mano. También se podría jugar al agitar el instrumento, lo que permite jingles de la pandereta a "clank" y "tintineo".

• Arpa Judio : Un instrumento a menudo conocida por su propósito histórico para los hombres "serenata" sus novias, Incluso llegó al extremo de ser prohibido en varias ocasiones por su "puesta en peligro en virtud femenina", también se cree que fue prohibido debido a su construcción de plata, y debido a la gran demanda de plata en el siglo 19 Austria esta era otra de las razones para su ilegalización. Un instrumento de acero que produce el sonido usando formas de la boca y de intentar pronunciar vocales diferentes con los boca. El bucle en el extremo doblado de la lengua del instrumento es arrancado en diferentes escalas de vibración crear tonos diferentes.

Instrumentos de viento (aerófonos) Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) utilizan una columna de aire de vibración dentro de una tubería que tiene pequeños agujeros lo largo de ella para generar vibración con el flujo de aire a través del tubo y controlar la longitud de las ondas de sonido producidas por el aire de vibración. Un jugador podría crear esta columna de aire mediante el uso de algunos métodos diferentes. El primero está soplando a través de un agujero de la boca (como se haría con flautas). El segundo está soplando en una boquilla con una sola caña (como se encontraría con el clarinete o el saxofón) o una caña doble (que se utiliza con oboes y fagotes).

Los instrumentos de viento de madera de la Edad Media no son los mismos que instrumentos de viento de hoy en día. Eran más excéntrico y exótico. Por ejemplo, se verá que instrumentos de viento modernos se ajustan a la posición natural de la mano. Instrumentos de viento en el Renacimiento utilizaron simples agujeros perforados en el instrumento.

• Shawm: Una chirimía típica oriental es sin llave y se trata de un pie de largo con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar. Los tubos fueron también más comúnmente hecha de madera y muchos de ellos tenían tallas y decoraciones en ellos. Fue el más popular instrumento de doble lengüeta de la época del Renacimiento se utiliza comúnmente en las calles con tambores y trompetas, debido a su brillante, penetrante, y el sonido a menudo ensordecedor. Para reproducir la chirimía una persona pone toda la caña en su boca, sopla hacia fuera sus mejillas, y golpes en el tubo mientras se respira a través de su nariz.

• Reed tubo: Hecho de una sola longitud corta de la caña con una boquilla, cuatro o cinco agujeros para los dedos, y la caña formado de ella. La caña se hace cortando una pequeña lengua, pero dejando la base unida. Es el predecesor del saxofón y el clarinete.

• Hornpipe: Igual que la flauta de caña, pero con una campana en el extremo.

• Gaita / Bladderpipe: Creer que fue inventado por los pastores que pensaban utilizar una bolsa hecha de piel de oveja o de cabra y proporcionaría aire comprimido para que cuando su jugador toma un respiro, el jugador sólo tiene que apretar la bolsa escondido debajo de su brazo para continuar con el tono. El tubo de la boca tiene un trozo redondo simple de cuero con bisagras en el extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de no retorno.

• Panpipe: Diseñado para tener dieciséis tubos de madera con un tapón en un extremo y abierto por el otro. Cada tubo tiene un tamaño diferente para un tono diferente para darle un rango de una octava y media. El jugador puede colocar sus labios contra el tubo deseado y volar a través de ella.

• Flauta transversal: La flauta transversal es similar a la flauta moderna con un agujero de la boca cerca de los orificios extremos de los dedos y con tapón a lo largo del cuerpo. Utiliza los mismos principios básicos que la Panpipes.

• Grabadora : La grabadora es instrumento común que todavía se utiliza hoy en día (a menudo se enseña a los niños en las escuelas primarias). En lugar de una caña que utiliza una boquilla marmota, que es una pieza de la boca en forma de pico, que es su principal fuente de producción de sonido. Por lo general se hace con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.