Mark Rothko

Mark Rothko
Mark Rothko que visiten la Familia de Scott en 1959
Nombre de nacimiento	Marcus Yakovlevich Rothkowitz
Nacido	(25/09/1903) 25 de septiembre 1903 Dvinsk, Vitebsk gobernación, Imperio ruso (ahora Daugavpils, Letonia )
Murió	25 de febrero 1970 (25/02/1970) (66 años) Manhattan, Nueva York, Estados Unidos
Cónyuge	Edith Sachar (1932-?) Mary Ellen "Mell" Beistle (1945-?)
Nacionalidad	Americano
Campo	Pintura
Movimiento	Expresionismo abstracto, Coloración Campo
Patrocinadores	Peggy Guggenheim, John de Menil, Dominique de Menil

Mark Rothko ( ruso : Марк Ротко; nacido Маркус Яковлевич Роткович; Marcus Yakovlevich Rothkowitz; 25 septiembre 1903 hasta 25 febrero 1970) fue un Pintor estadounidense de origen judío letón. Por lo general se identifica como una Expresionista abstracto, aunque él mismo rechazó esta etiqueta e incluso resistió clasificación como un "pintor abstracto." Con Jackson Pollock y Willem de Kooning, que es uno de los más famosos de la posguerra Artistas americanos.

Infancia

Mark Rothko nació en Dvinsk, Provincia de Vitebsk, en el Imperio Ruso . Su padre, Jacob (Yakov) Rothkowitz, era un farmacéutico y un intelectual que inicialmente proporcionó a sus hijos con una secular y político, más que religiosa, la crianza. En un entorno donde Judios fueron a menudo culpados por muchos de los males que asolaron Rusia, la primera infancia de Rothko fue plagado por el miedo.

A pesar de modestos ingresos de Jacob Rothkowitz, la familia fue muy educado ("Éramos una familia de lectura," la hermana de Rothko recordó), y Rothko fue capaz de hablar en ruso, el yiddish y hebreo. Tras el regreso de su padre a la El judaísmo ortodoxo de su propia juventud, Rothko, el más joven de cuatro hermanos, fue enviado a la cheder a la edad de cinco años, donde estudió la Talmud, aunque sus hermanos mayores habían sido educados en el sistema escolar público.

La emigración de Rusia a los EE.UU.

Temiendo que sus hijos estaban a punto de ser reclutado en el Ejército Imperial Ruso, Jacob Rothkowitz emigró de Rusia a los Estados Unidos. Marcus permaneció en Rusia con su madre y hermana mayor Sonia. Se unieron a Jacob y los hermanos mayores en Portland, Oregon después, llegar a Isla Ellis en el invierno de 1913. La muerte de Jacob unos meses más tarde abandonó a la familia sin el apoyo económico. Sonia operaba una caja registradora, mientras que Marcus trabajó en uno de los almacenes de su tío, vendiendo periódicos a los empleados.

Marcus comenzó la escuela en los Estados Unidos en 1913, acelerando rápidamente del tercer al quinto grado, y completó la enseñanza secundaria con honores en Lincoln High School en Portland, en junio de 1921 a la edad de diecisiete años. Aprendió su cuarto idioma, Inglés, y se convirtió en un miembro activo del centro comunitario judío, donde se mostró hábil para las discusiones políticas. Como su padre, Rothko era un apasionado de cuestiones tales como los derechos de los trabajadores y el derecho de las mujeres a la anticoncepción. Oyó activista Emma Goldman hablar en una de sus giras de conferencias de la Costa Oeste.

Rothko recibió una beca para Yale. Al final de su primer año, la beca no fue renovado, y trabajó como camarero y entrega chico para apoyar sus estudios. Encontró a la comunidad de Yale para ser elitista y racista. Rothko y un amigo, Aaron Director, comenzaron una revista satírica El Yale Saturday Evening Pest, que satirizó tapada, tono burgués de la escuela. En cualquier caso, la naturaleza de Rothko fue siempre más que la del hombre autodidacta que el alumno aplicado. "Uno de sus compañeros de estudio recuerda que apenas parecía estudiar, pero que era un lector voraz." Al final de su segundo año, Rothko abandonó y no regresó hasta que se le concedió un doctorado honoris causa cuarenta y seis años más tarde.

Carrera temprana

En el otoño de 1923, Rothko encontró trabajo en distrito de la moda de Nueva York. Durante una visita a un amigo en el Art Students League de Nueva York, vio a los estudiantes bosquejar un modelo. Según Rothko, este fue el comienzo de su vida como artista. Más tarde se matriculó en la Escuela de Diseño, donde uno de sus instructores fue el artista y la clase monitor de Nueva York Arshile Gorky. Esta fue probablemente su primer encuentro con un miembro de la vanguardia norteamericana, aunque los dos hombres nunca llegaron a ser cerca, dada la naturaleza dominante de Gorki. (Rothko se refirió al liderazgo de Gorki en la clase como "carguen de supervisión".) Ese otoño, tomó cursos en la Art Students League impartido por el artista cubista Max Weber, un compañero Judio ruso. A sus estudiantes deseosos de saber sobre el Modernismo, Weber, que había sido parte de la vanguardia francesa, fue visto como "un repositorio viviente de historia del arte moderno." Bajo la tutela de Weber, Rothko comenzó a ver el arte como herramienta de expresión emocional y religioso, y las pinturas de Rothko de esta época revelan la influencia de su instructor. (Años después, cuando Weber asistió una muestra de la obra de su antiguo alumno y expresó su admiración, Rothko fue inmensamente complacido.)

Círculo de Rothko

Movimiento de Rothko a Nueva York lo establecido en un ambiente artístico fértil. Pintores modernistas estaban teniendo más conciertos en Nueva York galerías de todo el tiempo, y museos de la ciudad eran un recurso muy valioso para fomentar el conocimiento y las habilidades de un artista en ciernes. Entre las influencias tempranas importantes sobre Rothko eran las obras de los expresionistas alemanes, el arte surrealista de Paul Klee, y las pinturas de Georges Rouault. En 1928, Rothko exhibió obras con un grupo de otros jóvenes artistas en la Galería Oportunidad apropiado nombre. Sus pinturas incluyen oscuro, de mal humor, los interiores expresionistas, así como escenas urbanas, y en general fueron bien aceptadas entre los críticos y compañeros. A pesar del éxito modesto, Rothko todavía necesitaba para complementar sus ingresos, y en 1929 comenzó a dar clases de pintura y escultura de arcilla en la Academia Centre, donde permaneció como profesor hasta 1952. Durante este tiempo, conoció Adolph Gottlieb, quien, junto con Barnett Newman, Joseph Solman, Louis Schanker, y John Graham, fue parte de un grupo de jóvenes artistas que rodea al pintor Milton Avery, quince años Rothko de alto nivel. De acuerdo a Elaine de Kooning, fue Avery quien "dio Rothko la idea de que [la vida de un artista profesional] era una posibilidad. Pinturas de la naturaleza estilizada de Avery, utilizando un rico conocimiento de la forma y el color, sería una tremenda influencia sobre Rothko. Pronto, pinturas de Rothko asumieron materia y color similar al de Avery, como se ve en Bañistas, o escena de la playa de 1933-1934.

Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham, y su mentor, Avery, dedicó mucho tiempo juntos, de vacaciones en Lake George y Gloucester, Massachusetts, el gasto de su pintura días y sus noches discutiendo arte. Durante una visita de 1932 a Lake George, Rothko conoció a Edith Sachar, un diseñador de joyas, con quien se casó ese otoño. El verano siguiente, su primera exposición individual se celebró en el Museo de Arte de Portland, que consiste principalmente de dibujos y acuarelas ; para esta exposición, Rothko tomó la medida inusual de mostrar el trabajo realizado por sus alumnos pre-adolescentes de la Academia Centro junto a la suya. Su familia era incapaz de entender la decisión de Rothko que ser un artista, sobre todo teniendo en cuenta la difícil situación económica de la depresión . Tener problemas financieros graves sufridas, los Rothkowitzes desconcertaron a la aparente indiferencia de Rothko a la necesidad financiera; que sentían que estaba haciendo su madre un flaco favor al no encontrar una carrera más lucrativa y realista.

Primera exposición individual en Nueva York

Al regresar a Nueva York, Rothko tuvo su primera costa este espectáculo unipersonal en la Galería de Arte Contemporáneo. Mostró quince pinturas al óleo, sobre todo retratos, junto con algunas acuarelas y dibujos. Fueron los aceites que capturarían los ojos de los críticos; Uso de Rothko de ricos campos de colores fue más allá de la influencia de Avery. A finales de 1935, se unió a Rothko Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Louis Schanker y Joseph Solman para formar " El Diez "(Whitney Diez disidentes), cuya misión (de acuerdo con un catálogo de una exposición 1937 Mercurio Galería) era" para protestar contra la equivalencia reputado de la pintura americana y la pintura literal. "El estilo de Rothko ya estaba evolucionando en la dirección de su renombre obras posteriores, sin embargo, a pesar de esta exploración recién descubierta de color, Rothko volvieron su atención a otra innovación formal y estilística, inaugurando un período de pinturas surrealistas influenciados por las fábulas y símbolos mitológicos.

Rothko estaba ganando una creciente reputación entre sus colegas, particularmente entre el grupo que se formó el Sindicato de Artistas. Iniciado en 1937, y que incluye Gottlieb y Soloman, Sindicato de Artistas esperaba crear una galería de arte municipal para mostrar exposiciones colectivas autogestionadas. En 1936, el grupo mostró en la Galerie Bonaparte en Francia, lo que dio lugar a algunos avisos críticos positivos. (Pinturas de Rothko, un crítico comentó, "visualización auténticos valores coloristas.") Luego, en 1938, un espectáculo se llevó a cabo en la galería de Mercurio en Nueva York, que pretende ser una protesta contra el Museo Whitney de Arte Americano, que el grupo considera como tener una agenda provincial, regionalista. Fue también durante este período que Rothko, como Avery, Gorki, Pollock, de Kooning, y tantos otros, encontró empleo en la Works Progress Administration.

Desarrollo de estilo

En 1936, Rothko comenzó a escribir un libro, nunca se completó, sobre las similitudes en el arte de los niños y el trabajo de los pintores modernos. Según Rothko, el trabajo de los modernistas, influenciado por el arte primitivo, podría compararse a la de los niños en que "el arte niño se transforma en el primitivismo, que es sólo la producción de una imitación de sí mismo hijo." En este manuscrito, observó que "el hecho de que uno por lo general comienza con el dibujo ya es académica. Comenzamos con el color." Rothko utilizaba campos de color en sus acuarelas y escenas de la ciudad.

La obra de Rothko maduró de representación y los temas mitológicos en campos rectangulares de color y la luz, que luego culminaron en sus trabajos finales para la Capilla Rothko. Sin embargo, entre las escenas primitivistas y lúdicos urbanos y acuarelas de los primeros tiempos, y finales de los campos, trascendentes de color, era un largo período de transición, marcado por dos acontecimientos importantes en la vida de Rothko: el inicio de la Segunda Guerra Mundial y su lectura de Friedrich Nietzsche .

Madurez

Rothko separado de Edith en el verano de 1937. Se reconciliaron varios meses más tarde, sin embargo, su relación se mantuvo tensa. El 21 de febrero de 1938, Rothko, finalmente, se convirtió en un ciudadano de los Estados Unidos, impulsado por los temores de que la creciente influencia nazi en Europa podría provocar la deportación repentina de Judios de América. Preocupado por el antisemitismo en América y Europa, Rothko en 1940 su nombre abreviado de "Marcus Rothkowitz" a "Mark Rothko." El nombre "Roth", una abreviatura común, seguía siendo identificable judía, así que se decidió por "Rothko".

La inspiración de la mitología

Ante el temor de que la pintura moderna de Estados Unidos había llegado a un callejón sin salida conceptual, Rothko estaba decidido a explorar temas distintos escenarios urbanos y naturales. Buscó temas que complementarían su creciente preocupación por la forma, el espacio y el color. La crisis mundial de la guerra prestó esta búsqueda una inmediatez porque él insistió en que el nuevo objeto tiene un impacto social, sin embargo, ser capaz de trascender los confines de símbolos y valores políticos actuales. En su ensayo, "Los románticos fueron motivadas ", publicado en 1949, Rothko argumentó que el" artista arcaico ... vio en la necesidad de crear un grupo de intermediarios, los monstruos, los híbridos, dioses y semidioses ", de la misma manera que moderno hombre encontró intermediarios en el fascismo y el Partido Comunista . Para Rothko, "sin monstruos y dioses, el arte no puede promulgar un drama."

Uso de Rothko de la mitología como un comentario sobre la historia actual no era novedoso. Rothko, Gottlieb, y Newman leyó y discutió las obras de Freud y Jung , en particular, sus teorías sobre los sueños y los arquetipos del inconsciente colectivo, y ellos entendieron símbolos mitológicos como imágenes que operan en un espacio de la conciencia humana que trasciende la historia específica y cultura. Rothko más tarde dijo que su enfoque artístico fue "reformado" por su estudio de los "temas dramáticos de mito." Al parecer dejó de pintar por completo en 1940 para sumergirse en Sir James Frazer La rama dorada y Sigmund Freud La interpretación de los sueños.

La influencia de Nietzsche

Nueva visión de Rothko intentaría abordar requisitos mitológicas espirituales y creativas del hombre moderno. La influencia filosófica más crucial sobre Rothko en este período fue de Friedrich Nietzsche 's El nacimiento de la tragedia. Nietzsche afirma que la tragedia griega sirvió para redimir al hombre de los terrores de la vida mortal. La exploración de nuevos temas en el arte moderno ha dejado de ser el objetivo de Rothko. A partir de entonces, su arte tenía el objetivo de aliviar el vacío espiritual del hombre moderno. Creía que este vacío resultó en parte por la falta de una mitología, que, según Nietzsche, podría abordar "el crecimiento de la mente de un niño, y - a un hombre maduro de su vida y las luchas". Rothko creía que su arte podía liberar energías inconscientes previamente liberados por imágenes mitológicas, símbolos y rituales. Él se consideraba un "hacedor de mitos" y proclamó que "la trágica experiencia de júbilo para mí es la única fuente del arte".

Muchas de sus pinturas en este periodo contrastar escenas bárbaras de la violencia con la pasividad civilizada, utilizando imágenes sacadas principalmente de Esquilo de Orestíada trilogía. En su pintura 1942 La profecía del Águila, las imágenes arquetípicas de "hombre pájaro, bestia y el árbol ... se funden en una sola idea trágica". Una lista de las pinturas de Rothko de este período ilustrar su uso del mito: Antígona, Edipo, El Sacrificio de Ifigenia, Leda, Las Furias, Altar de Orfeo. Rothko evoca imágenes judeo-cristiana en Getsemaní, La Última Cena , y Ritos de Lilith. También invoca egipcia (Habitación en Karnak) y Siria (El Toro) mito sirio. Poco después de la Segunda Guerra Mundial , Rothko creía que sus títulos limitan los más grandes, los objetivos trascendentes de sus pinturas, por lo que dejó la titulación de sus pinturas.

Abstraccionismo "Mythomorphic"

En la raíz de la presentación de Rothko y Gottlieb de formas arcaicas y símbolos como materia que iluminan la existencia moderna había sido la influencia de Surrealismo, Cubismo y arte abstracto . En 1936, Rothko asistió a dos exposiciones en el Museo de Arte Moderno ", el cubismo y el arte abstracto" y "Fantastic Art, Dada y el Surrealismo." Ambas experiencias influyeron mucho en su célebre 1938 Escena de metro.

En 1942, tras el éxito de los espectáculos por Ernst, Miró, Tanguy, y Salvador Dalí, que había emigrado a los Estados Unidos a causa de la guerra, El surrealismo tomó Nueva York por la tormenta. Rothko y sus compañeros, Gottlieb y Newman, se reunió y discutió el arte y las ideas de estos pioneros europeos, así como los de Mondrian. Comenzaron a verse a sí mismos como herederos de la vanguardia europea.

Con forma mítica como catalizador, que se fusionarían los dos estilos europeos del surrealismo y la abstracción. Como resultado, la obra de Rothko se convirtió cada vez más abstracto; tal vez irónicamente, el mismo Rothko describió el proceso como uno hacia la "claridad".

Nuevas pinturas se dieron a conocer en un show de 1942 en Tienda por departamentos de Macy en la ciudad de Nueva York. En respuesta a un comentario negativo por el New York Times, Rothko y Gottlieb emitieron un manifiesto (escrito principalmente por Rothko), que declaró, en respuesta a la auto-proclamado "desconcierto" del crítico del Times sobre el nuevo trabajo, "Estamos a favor de la simple expresión del pensamiento complejo. Estamos a favor de la gran forma porque tiene el impacto de la inequívoca. Deseamos reafirmar el plano del cuadro. Estamos a favor de formas planas, ya que destruyen la ilusión y revelan la verdad ". En una nota más estridente, tomaron un potshot a los que querían vivir rodeado de arte menos desafiante, y señaló que su trabajo necesariamente "debe insultar a cualquier persona que está espiritualmente a tono con la decoración de interiores."

La visión de Rothko de mito como un recurso de reposición para una era de vacío espiritual se había puesto en movimiento décadas antes, por la lectura de Carl Jung , TS Eliot , James Joyce y Thomas Mann, entre otros. A diferencia de sus predecesores, Rothko sería, en su período posterior, desarrollar su filosofía del ideal trágico en el reino de la abstracción pura.

Ruptura con el surrealismo

El 13 de junio de 1943, Rothko y Sachar separan de nuevo. Rothko sufrió una larga depresión después de su divorcio. Pensar que un cambio de escenario podría ayudar, Rothko regresó a Portland. Desde allí viajó a Berkeley, donde se reunió con el artista Clyfford Still, y los dos comenzaron una estrecha amistad. Still profundamente pinturas abstractas serían de considerable influencia en las últimas obras de Rothko. En el otoño de 1943, Rothko regresó a Nueva York, donde conoció a señalar coleccionista y marchante de arte Peggy Guggenheim, que era inicialmente reacio a asumir su trabajo. Espectáculo unipersonal de Rothko en el Guggenheim de La galería Art of This Century en finales de 1945 dio lugar a pocas ventas (precios que van desde $ 150 a $ 750) y en menos-que-favorable opiniones. Durante este período, Rothko había sido estimulado por Still paisajes abstractos de color, y su estilo alejado de surrealismo. Experimentos de Rothko en la interpretación del simbolismo inconsciente de formas cotidianas habían seguido su curso. Su futuro estaba con la abstracción:

1945 obra maestra, Remolino lenta de Rothko en la orilla del mar, ilustra su propensión recién descubierta hacia la abstracción. Se ha interpretado como una meditación sobre el noviazgo de Rothko de su segunda esposa, Mary Ellen "Mell" Beistle, a quien conoció en 1944 y se casó en la primavera de 1945. Otras lecturas han señalado ecos de Botticelli El nacimiento de Venus, que Rothko vio en una exposición préstamo "Italian Masters" en el Museo de Arte Moderno en 1940. El cuadro presenta, de sutiles grises y marrones, dos formas de apariencia humana se abrazaron en un remolino, un ambiente de formas y colores flotante. El fondo rectangular rígido prefigura posteriores experimentos de Rothko en el color puro. Se completó la pintura, no por casualidad, en el año de la Segunda Guerra Mundial terminó.

A pesar del abandono de su "Mythomorphic abstraccionismo" (tal como se describe por ARTnews), Rothko todavía sería reconocido por el público, principalmente por sus obras surrealistas, para el resto de la década de 1940. La Museo Whitney los incluyó en su exposición anual de arte contemporáneo 1943-1950.

"Multiforme" de Rothko

El año 1946 vio la creación de transición pinturas "multiformes" de Rothko. El término "multiforme" ha sido aplicada por los críticos de arte; esta palabra nunca fue utilizado por el propio Rothko, sin embargo, es una descripción precisa de estas pinturas. Varios de ellos, incluyendo No. 18 y Untitled (ambos 1948), son menos de transición que realiza plenamente. Mismo Rothko describió estas pinturas como poseedores de una estructura más orgánica y como unidades autónomas de la expresión humana. Para él, estos bloques borrosas de varios colores, carentes de paisaje o de la figura humana, y mucho mito sola y símbolo, poseían su propia fuerza vital. Contenían un "aliento de vida" que encontró carente de más pintura figurativa de la época. Llenaron con posibilidad, mientras que su experimentación con el simbolismo mitológico se había convertido en una fórmula cansado. Los "multiforme" trajeron Rothko a la realización de su madura, estilo de la firma, el único estilo Rothko nunca abandonaría totalmente.

En medio de este período crucial de transición, Rothko había impresionado Clyfford Still campos abstractos de color, que fueron influenciados en parte por los paisajes de Still del nativo de Dakota del Norte. En 1947, durante una enseñanza semestre de verano en la Escuela de Bellas Artes, Rothko y Still California coqueteado con la idea de fundar su propio plan de estudios, y se dieron cuenta de la idea en Nueva York en el año siguiente. Llamado "Los Motivos de la Escuela Artistas", que emplearon David Hare y Robert Motherwell, entre otros. Aunque el grupo se separó más tarde en el mismo año, la escuela fue el centro de una intensa actividad en el arte contemporáneo. Además de su experiencia en la enseñanza, Rothko comenzó a contribuir con artículos de dos nuevas publicaciones de arte, "el ojo del tigre" y "Posibilidades". El uso de los foros como una oportunidad para evaluar el panorama artístico actual, Rothko también discutido en detalle su propia obra y filosofía del arte. Estos artículos reflejan la eliminación de los elementos figurativos de su pintura. Describió su nuevo método como "aventuras desconocidos en un espacio desconocido," libre de "asociación directa con cualquier particular, y la pasión del organismo."

En 1949, Rothko quedó fascinado por Matisse 's Red de estudio, adquirido por el Museo de Arte Moderno de ese año. Más tarde se le atribuye como otra fuente clave de inspiración para sus pinturas abstractas posteriores.

Período Tardío

No. 14 en SF MoMA

Pronto, los "multiforme" desarrollados en el estilo de la firma; a principios de 1949 Rothko exhibió estas nuevas obras en el Betty Parsons Gallery. Para el crítico Harold Rosenberg, las pinturas eran nada menos que una revelación. Después de pintar su primer "multiforme", Rothko había aislado a sí mismo a su casa en East Hampton, en Long Island. Invitó a sólo unos pocos de selección, incluyendo Rosenberg, para ver los nuevos cuadros. El descubrimiento de su forma definitiva se produjo en un período de gran angustia al artista; su madre Kate había muerto en octubre de 1948. Fue durante ese invierno que Rothko se encontró con el uso de bloques rectangulares simétricos entre dos y tres de oposición o contraste, aunque complementarios, colores, en la que, por ejemplo, "los rectángulos veces parecen apenas a coalescencia de la tierra, las concentraciones de su sustancia. La barra verde en Magenta, Negro, Verde sobre Orange, por otro lado, aparece a vibrar contra la naranja alrededor de él, creando un parpadeo óptica ". Además, para los próximos siete años, Rothko pintó en aceite sólo en grandes lienzos con formatos verticales. Muy diseños a gran escala se utilizaron con el fin de abrumar al espectador, o, en palabras de Rothko, para que el espectador se sienta "envuelto dentro" de la pintura. Para algunos críticos, el gran tamaño fue un intento de compensar la falta de sustancia. En represalia, Rothko declaró:

Incluso fue tan lejos como para recomendar que los espectadores se posicionan tan sólo dieciocho pulgadas de distancia de la lona para que pudieran experimentar una sensación de intimidad, así como el temor, la trascendencia de la persona humana y el sentido de lo desconocido.

Como Rothko logró un éxito, se convirtió cada vez más protectora de sus obras, rechazando varias oportunidades de ventas y exposición potencialmente importantes.

Objetivos de Rothko, en la estimación de algunos críticos y espectadores, superaron sus métodos. Muchos de los Expresionistas abstractos discutieron su arte como apuntando hacia una experiencia espiritual, o al menos una experiencia que supera los límites de lo puramente estético. En años posteriores, Rothko destacó con mayor énfasis el aspecto espiritual de su obra, un sentimiento que culminaría en la construcción de la Capilla Rothko.

Muchos de los "multiforme" y pinturas de firmas primeros se componen de colores brillantes y vibrantes, especialmente los rojos y amarillos, que expresan la energía y el éxtasis. A mediados de la década de 1950, sin embargo, cerca de una década después de la finalización de los primeros "multiforme", Rothko comenzó a emplear azules oscuros y verdes; para muchos críticos de su obra este cambio de colores era representante de una oscuridad creciente dentro de la vida personal de Rothko.

El método de Rothko fue aplicar una capa delgada de aglutinante se mezcla con el pigmento directamente sobre el lienzo sin recubrir y sin tratar y pintar aceites adelgazadas significativamente directamente sobre esta capa, creando una mezcla densa de los colores superpuestos y formas. Sus pinceladas eran rápido y ligero, un método que él seguiría utilizando hasta su muerte. Su creciente destreza en este método es evidente en las pinturas terminadas para la capilla. Con una ausencia de representación figurativa, lo que el drama no se encuentra en un Rothko tarde está en el contraste de colores, irradiando uno contra el otro. Sus pinturas se pueden comparar a una especie de acuerdo de fuga como: cada variación contrapuestos uno contra el otro, pero todos los existentes dentro de una estructura arquitectónica.

Rothko utiliza varias técnicas originales que trató de mantener en secreto incluso de sus ayudantes. La microscopía electrónica y ultravioleta análisis realizado por el MOLAB mostraron que empleó sustancias naturales como el huevo y el pegamento, así como materiales artificiales incluidos resinas acrílicas, fenol formaldehído, modificado alquídica, y otros. Uno de sus objetivos era hacer que las diferentes capas de la pintura se secan rápidamente, sin mezcla de colores, por lo que que pronto podría crear nuevas capas en la parte superior de los anteriores.

Viajes por Europa: el aumento de la fama

Rothko y su esposa visitaron Europa durante cinco meses a principios de 1950. La última vez que había estado en Europa fue durante su infancia en Letonia, en aquel momento parte de Rusia. Sin embargo, no regresó a su tierra natal, y prefieren visitar las colecciones de pintura importantes en los principales museos de Inglaterra, Francia e Italia. La frescos de Fra Angelico en el monasterio de San Marco en Florencia más lo impresionó. La espiritualidad de Fra Angelico y la concentración de la luz apelaron a la sensibilidad de Rothko, al igual que las adversidades económicas que el artista enfrenta, que Rothko vio como similar a la suya. Todo lo que estaba a punto de cambiar, sin embargo.

Rothko tuvo exposiciones individuales en el Betty Parsons Gallery en 1950 y 1951 y en otras galerías de todo el mundo, incluso en Japón, São Paulo y Amsterdam . El 1952 "Quince estadounidenses" espectáculo comisariada por Dorothy Canning Miller en el Museo de Arte Moderno anunció formalmente los artistas abstractos e incluyó obras de Jackson Pollock y William Baziotes. También creó un conflicto entre Rothko y Barnett Newman, después de Newman acusó Rothko de haber tratado de excluirlo de la serie. La creciente éxito como grupo estaba dando lugar a luchas internas y reclama a la supremacía y liderazgo. Cuando la revista "Fortune" nombró una pintura de Rothko como una buena inversión, Newman y todavía le marca un sell-out con aspiraciones burguesas. Clyfford Still escribió a Rothko para pedir que las pinturas que le había dado en los últimos años se devolverán. Rothko estaba profundamente deprimido por los celos de sus antiguos amigos.

Durante el viaje de 1950 Europa, la esposa de Rothko se quedó embarazada. El 30 de diciembre, cuando estaban de vuelta en Nueva York, dio a luz a una hija, Kathy Lynn, llamado "Kate" en honor a la madre de Rothko.

Las reacciones a su propio éxito

Poco tiempo después, debido a la clavija de la revista Fortune y nuevas compras de los clientes, la situación financiera de Rothko comenzó a mejorar. Además de las ventas de pinturas, él también tenía el dinero de su puesto de profesor en Brooklyn College. En 1954, expuso en una muestra individual en la Instituto de Arte de Chicago, donde conoció a comerciante de arte Sidney Janis, quien representó a Pollock y Franz Kline. Su relación resultó ser mutuamente beneficiosa.

A pesar de su fama, Rothko sintió un creciente aislamiento personal y un sentimiento de no ser comprendido como artista. Temía que las personas compran sus pinturas simplemente fuera de la moda, y que el verdadero propósito de su trabajo no estaba siendo captado por los coleccionistas, críticos, o audiencias. Quería que sus pinturas a ir más allá de la abstracción, así como más allá del arte clásico. Para Rothko, las pinturas eran objetos que poseían su propia forma y potencial, y por lo tanto, debe encontrarse como tal. Intuyendo la inutilidad de las palabras para describir este aspecto decididamente no verbal de su trabajo, Rothko abandonó todo intento de responder a los que preguntó por su significado y propósito, declarando finalmente que el silencio es "tan preciso." "Mis pinturas superficies 'son expansivas y empujan hacia fuera en todas las direcciones, o su contrato de superficies y se precipitan hacia el interior en todas las direcciones. Entre estos dos polos, se puede encontrar todo lo que quiero decir."

Rothko comenzó a insistir en que él no era un artista abstracto y que tal descripción era tan inexacto como etiquetarlo un gran colorista. Su interés era

Para Rothko, el color es "más que un instrumento." Las multiformes y las pinturas de la firma son, en esencia, la misma expresión de las emociones humanas básicas como sus pinturas mitológicas surrealistas, aunque de una forma más pura. Lo que es común entre estas innovaciones estilísticas es una preocupación por "la tragedia, el éxtasis y la perdición." Fue el comentario de Rothko en los espectadores de romper a llorar delante de sus pinturas que pueden haber convencido a la de Menil para construir la Capilla Rothko. Cualquiera que sea el sentimiento de Rothko sobre interpretaciones de su obra, es evidente que, para 1958, la expresión espiritual que pretendía retratar sobre lienzo fue creciendo cada vez más oscuro. Sus brillantes rojos, amarillos y naranjas se transformaron sutilmente en azules oscuros, verdes, grises y negros.

Amigo de Rothko, el crítico de arte Dore Ashton, apunta a tener conocidos del artista con el poeta Stanley Kunitz como un vínculo importante en este punto ("las conversaciones entre el pintor y poeta introducen en la empresa de Rothko"). Kunitz vio Rothko como "una primitiva, un chamán que encuentra la fórmula mágica y lleva a la gente a la misma." La gran poesía y la pintura, Kunitz cree, ambos tenían "raíces en la magia, encantamiento, y de lanzamiento de hechizos" y eran, en el fondo, ética y espiritual. Kunitz entiende por instinto el propósito de la búsqueda de Rothko.

En noviembre de 1958, Rothko dio un discurso ante el Instituto Pratt. En un tenor inusual para él, se discutió el arte como un oficio y se ofreció "receta [la] de una obra de arte - sus ingredientes - la manera de hacerlo - la fórmula.

1. Debe haber una clara preocupación con la muerte - insinuaciones de la mortalidad ... el arte trágico, el arte romántico, etc., se ocupa del conocimiento de la muerte. 2. La sensualidad. Nuestra base de ser concreto sobre el mundo. Es una relación lujuriosa de las cosas que existen. 3. Tensión. De cualquier conflicto o deseo Curbed. 4. La ironía, este es un ingrediente moderna - la modestia y el examen por el cual un hombre por un instante se puede pasar a otra cosa. 5. El ingenio y jugar ... para el elemento humano. 6. El efímero y oportunidad ... para el elemento humano. 7. Esperanza. 10% para hacer el concepto trágico más soportable.

Mido estos ingredientes con mucho cuidado cuando pinto un cuadro. Siempre es la forma que sigue a estos elementos y los resultados de imagen de las proporciones de estos elementos ".

Murales Seagram / ​​Four Seasons Restaurant comisión

En 1958, Rothko fue galardonado con la primera de las dos principales comisiones murales que resultó gratificante y frustrante. La empresa de bebidas Joseph Seagram & Sons había completado recientemente su nuevo edificio en Park Avenue, diseñado por los arquitectos Mies Van der Rohe y Philip Johnson. Rothko acordó proporcionar pinturas para el nuevo restaurante de lujo del edificio, el Four Seasons. Este fue, como historiador del arte Simon Schama puso, "traer [ing] sus dramas monumentales a la derecha en el vientre de la bestia."

Para Rothko, esta comisión presentó un nuevo desafío porque era la primera vez que se requiere no sólo de diseñar una serie coordinada de pinturas, pero para producir un concepto de espacio para una gran obra de arte, interior específico. Durante los siguientes tres meses, Rothko completó cuarenta pinturas, tres series completo en rojo oscuro y marrón. Él cambió su formato de horizontal a vertical para complementar características verticales del restaurante: columnas, paredes, puertas y ventanas.

Mientras que en Europa, los Rothkos viajaron a Roma , Florencia, Venecia y Pompeya . En Florencia, visitó Michelangelo 's Laurentian Library, para ver de primera mano el vestíbulo de la biblioteca, de la que sacó más inspiración para los murales. Él comentó que la "habitación tenía exactamente la sensación que quería .... le da al visitante la sensación de estar atrapado en una habitación con las puertas y ventanas amurallado en cerrada." Además recibió la influencia de los colores sombríos de los murales en el Pompeiian Villa de los Misterios. Tras el viaje a Italia, los Rothkos viajado a París, Bruselas , Amberes y Amsterdam , antes de regresar a los Estados Unidos.

Una vez de vuelta en Nueva York, Rothko y mujer Mell visitó el restaurante casi completado Four Seasons. Malestar con ambiente de comedor del restaurante, que él consideraba pretencioso y apropiado para la exhibición de sus obras, Rothko se negó a continuar con el proyecto y le devolvió el adelanto de efectivo a la Seagram & Sons Company. Seagram tenía la intención de honrar surgimiento de Rothko a la fama a través de su selección, y su incumplimiento de contrato y expresión pública de indignación fueron inesperados.

Rothko mantuvo las pinturas encargadas en el almacenamiento hasta 1968. Dado que Rothko había sabido de antemano sobre la decoración de lujo del restaurante y la clase social de sus futuros clientes, los motivos de su rechazo abrupto siguen siendo un misterio. Una personalidad temperamental, Rothko nunca explicó plenamente sus emociones en conflicto por el incidente. Una lectura es ofrecido por su biógrafo, James EB Breslin: el proyecto Seagram podría ser visto como un acting-out de un familiar, en este caso, de creación propia "drama de la confianza y la traición, de avanzar en el mundo, después de retirar, con rabia , de ella .... Era un Isaac que en el último momento se negó a ceder a Abraham ". La serie final de Seagram Murals se dispersó y ahora cuelga en tres lugares: Londres Tate Modern, de Japón Kawamura Memorial Museum y el National Gallery of Art de Washington, DC

En octubre de 2012, el Negro Castaño , una de las pinturas de la serie Seagram, fue desfigurado con la escritura en tinta negro, mientras que en la exhibición en la Tate Modern, por Wlodzimierz Umaniec. Se estimó que la restauración de la pintura podría tomar hasta dieciocho meses. La BBC 's Artes editor Will Gompertz explicó que la tinta de rotulador de Umaniec había sangrado hasta el final a través de la tela, causando "una profunda herida no un rasguño superficial" y que el vándalo había causado "daños significativos".

El aumento de la prominencia en los Estados Unidos

En la Torre: Mark Rothko, una exposición que ofrece 1.964 pinturas negras sobre negro de Rothko desde Capilla Rothko.La exposición está dentro de laGalería Nacional de East Building de Arte, Torre Gallery,(torre principal, en la foto)enWashington, DC

Espacio primero completado de Rothko fue creado en la Phillips Collection de Washington, DC, a raíz de la compra de cuatro pinturas de colector Duncan Phillips. La fama y la riqueza de Rothko habían aumentado considerablemente; sus pinturas comenzaron a vender a coleccionistas notables, entre ellos los Rockefeller. En enero de 1961, Rothko se sentó junto a Joseph Kennedy en John F. Kennedy baile inaugural 's. Más tarde ese mismo año, se realizó una retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno, con un considerable éxito comercial y crítico. A pesar de esta nueva notoriedad, el mundo del arte ya se había vuelto su atención de los expresionistas abstractos ahora passé a la "próxima gran cosa", Pop Art, en particular el trabajo de Warhol , Lichtenstein y Rosenquist.

Rothko etiquetado artistas Pop-Art "charlatanes y oportunistas jóvenes", y se preguntó en voz alta durante una exposición de 1962 del Pop Art, "¿Están los jóvenes artistas conspirando para matarnos a todos?" Al ver las banderas de Jasper Johns, dijo Rothko, "Hemos trabajado durante años para deshacerse de todo eso." No era que Rothko no podía aceptar de ser reemplazado, pero que no podía aceptar lo que le estaba reemplazando: encontró Pop Art insípida.

Rothko recibió un segundo proyecto comisión mural, esta vez por una pared de pinturas para el ático de la Universidad de Harvard Holyoke Centro. Hizo veintidós bocetos, de los cuales se completaron seis murales y sólo cinco fueron instalados. Presidente de Harvard Nathan Pusey, tras una explicación de la simbología religiosa del tríptico, tenía las pinturas colgadas en enero de 1963, y más tarde aparece en la parte Guggenheim. Durante la instalación, Rothko encontró las pinturas al verse comprometidas por la iluminación de la habitación. A pesar de la instalación de cortinas de fibra de vidrio, las pinturas se eliminaron a finales de 1970 y, debido a la naturaleza fugitiva de algunos de los pigmentos rojos, se colocaron en almacenamiento en la oscuridad y se muestran sólo periódicamente.

El 31 de agosto de 1963, Mell dio a luz a su segundo hijo, Christopher. Ese otoño, Rothko firmó con la Galería Marlborough de las ventas de su trabajo fuera de los Estados Unidos. En Nueva York, continuó a vender la obra directamente de su estudio. Bernard Reis, asesor financiero de Rothko, fue también, sin el conocimiento del artista, el contable de la Galería y, junto con sus compañeros de trabajo, más tarde fue responsable de uno de la historia del arte de más grandes escándalos.

La Capilla Rothko

La Rothko Chapel se encuentra adyacente a la Colección Menil y de la Universidad de St. Thomas en Houston, Texas . El edificio es pequeño y sin ventanas. Se trata de una estructura geométrica "posmoderno", ubicado en un barrio de clase media de finales de siglo Houston. La capilla, la Colección Menil, y la cercana galería de Cy Twombly fueron financiados por millonarios del petróleo de Texas John y Dominique de Menil.

En 1964, Rothko se trasladó a su último estudio de Nueva York en el 157 Este de la calle 69, equipar el estudio con poleas que llevan grandes paredes de material de lona para regular la luz de una cúpula central, para simular la iluminación que planeaba para la Capilla Rothko. A pesar de las advertencias sobre la diferencia de luz entre Nueva York y Texas, Rothko persistió con el experimento, poniendo a trabajar en los lienzos. Rothko dijo a sus amigos que pretendía la capilla para ser su única manifestación artística más importante. Él se involucró mucho en el diseño del edificio, insistiendo en que cuentan con una cúpula central como la de su estudio. Arquitecto Philip Johnson, incapaz de comprometerse con la visión de Rothko sobre el tipo de luz que quería en el espacio, abandonó el proyecto en 1967, y fue reemplazado por Howard Barnstone y Eugene Aubry. Los arquitectos frecuencia volaron a Nueva York para consultar y en una ocasión trajeron consigo una miniatura del edificio para la aprobación de Rothko.

Para Rothko, la Capilla era ser un destino, un lugar de peregrinación muy lejos del centro de arte (en este caso, Nueva York), donde los buscadores de la nueva obra "religiosa" de Rothko pudo viaje. Inicialmente, la Capilla, ahora no confesional, iba a ser específicamente católica romana , y durante los tres primeros años del proyecto (1964-1967) Rothko creía que iba a seguir siéndolo. Por lo tanto, el diseño de Rothko del edificio y las implicaciones religiosas de las pinturas fueron inspirados por el arte Católica Romana y la arquitectura. Su forma octogonal se basa en la bizantina iglesia de St. María de la Asunción, y el formato de los trípticos se basa en pinturas del Crucifixión. La de Menil creían que el aspecto universal "espiritual" de la obra de Rothko complementaría los elementos del catolicismo romano.

Técnica de la pintura de Rothko requiere una considerable resistencia física que el artista enfermo ya no era capaz de reunir. Para crear las pinturas que previó, Rothko se vio obligado a contratar a dos asistentes para aplicar la pintura castaño en trazos rápidos de varias capas: "rojos de ladrillo, rojos profundos, malvas negros." En medio de las obras, Rothko nada de la pintura aplicada a sí mismo y era por el contenido mayor parte para supervisar el lento y arduo proceso. Sintió la finalización de las obras a ser "tormento" y el resultado inevitable fue crear "algo que no quiere ver."

La capilla es la culminación de seis años de vida de Rothko y representa su gradualmente creciente preocupación por el trascendente. Para algunos, ser testigo de estas pinturas es someterse uno mismo a una experiencia espiritual, que, a través de su trascendencia de la materia, se aproxima a la de la conciencia misma. Se obliga a acercarse a los límites de la experiencia y despierta una a la conciencia de la propia existencia de uno. Para otros, las casas de la capilla catorce grandes pinturas cuya oscura, superficies casi impenetrables representan el hermetismo y la contemplación.

Las pinturas de la capilla se componen de un tríptico monocromo en marrón suave en la pared central (tres paneles 5-por-15-pie), y un par de trípticos a la izquierda y derecha hecha de rectángulos negros opacos. Entre los trípticos son cuatro cuadros individuales (11 por 15 pies cada uno), y una pintura persona adicional se enfrenta el tríptico central desde la pared opuesta. El efecto es rodear al espectador con masiva, la imposición de visiones de oscuridad. A pesar de su base en el simbolismo religioso (el tríptico) y menos de lo sutil imágenes (la crucifixión), las pinturas son difíciles de unir específicamente al simbolismo cristiano tradicional, y pueden actuar en los espectadores de manera subliminal. Indagación espiritual o estético activo puede ser obtenido desde el visor de la misma manera un icono religioso de simbolismo específico hace. De esta manera, el borrado de Rothko de símbolos tanto elimina y crea barreras para el trabajo.

Al final resultó que, estas obras serían su declaración artística final para el mundo. Finalmente fueron revelados en la inauguración de la capilla en 1971. Rothko nunca vio la Capilla completado y nunca instalado las pinturas. El 28 de febrero de 1971, en ​​la inauguración, dijo Dominique de Menil, "Estamos lleno de imágenes y sólo el arte abstracto nos puede llevar al umbral de lo divino", señalando el valor de Rothko en la pintura de lo que podría llamarse "fortalezas impenetrables" de color. El drama para muchos críticos de la obra de Rothko es la posición incómoda de las pinturas entre, mientras Chase señala, "la nada o insipidez" y "'iconos' mudos ofrenda digna 'el único tipo de belleza que encontramos aceptable de hoy."

Legado

Las obras completas sobre lienzo de Rothko, 836 pinturas, han sido catalogados por el historiador del arte David Anfam en su libro de 1998de Mark Rothko: The Works on Canvas: Catálogo Razonado, publicado porYale University Press en 1998.

La liquidación de su finca se convirtió en el tema de lacaja de Rothko.

Un manuscrito inédito de Rothko sobre su filosofía sobre el arte,la realidad del artista, fue editado por su hijo, Christopher Rothko, y fue publicado porYale University Press en 2006.

Rojo , una obra basada en Rothko, escrita por John Logan, abrió en el Donmar Warehouse en Londres el 3 de diciembre de 2009. El solo acto, jugar noventa minutos, protagonizada por Alfred Molina, centrada en el período de los murales Seagram. Recibió excelentes críticas y jugó a las casas con entradas agotadas. En 2010, Red estrenó en Broadway, donde ganó seis premios Tony, incluyendo "Mejor Juego". Molina jugó Rothko en Londres y Nueva York.

La colección de la familia de las obras de Mark Rothko propiedad de Mark Rothko Estate ha estado representada por laGalería Pace en Nueva York desde 1978.

La ciudad letona deDaugavpils, el lugar de nacimiento del fallecido artista, dio a conocer un monumento al artista en la orilla del río Daugava en 2003. En 2013, el Centro de Arte Mark Rothko se abrió en Daugavpils después de la familia Rothko había donado una pequeña colección de obras originales de Rothko.

Mercado del arte

A principios de noviembre 2005 1953 la pintura de RothkoHomenaje a Matisserompió el récord para cualquier pintura de posguerra en una subasta pública, la venta de 22,5 millones de dólares.

En mayo de 2007, de Rothko 1950 pintura Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda en Rose) rompió este récord de nuevo, la venta en Sotheby en Nueva York por 72,8 millones de dólares. La pintura fue vendida por el banquero David Rockefeller, quien asistió a la subasta.

En mayo de 2011, Subastas de Christie vendió una pintura de Rothko hasta ahora desconocido, lo que representa el trabajo como # 836. El trabajo fue añadido al catálogo existente Rothko de 835 obras después de la autenticación de expertos. La pintura recién descubierto, sin título, # 17 , creada en 1961, salió a la luz cuando un coleccionista privado puso a la venta, alegando que la compró directamente del artista. Un aceite de siete pies de altura sobre tela en rojo y rosa sobre un fondo ocre, la pintura se abrió con una oferta de casa de 13 millones de dólares y se vendió por 30 millones de dólares.

En mayo de 2012, de Rothko 1961 pintura Naranja, Rojo, Amarillo(# 693 en la Anfamcatálogo razonado) fue vendido por Christie en Nueva York por 86,9 millones de dólares, estableciendo un nuevonominal valorrécord para una pintura de posguerra en una subasta pública.