La Liberté guidant le peuple

La Liberté guidant le peuple

La Liberté guidant le peuple.

Artiste	Eugène Delacroix
Date	1830
Technique	Peinture à l'huile
Lieu de création	Paris +
Dimensions (H × L)	260 × 325 cm
Mouvement	romantisme +
Localisation	Musée du Louvre, département des peintures, Paris (France)
Propriétaire	État français +
Numéro d’inventaire	RF 129

La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d'Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses qui s'est passée en 1830. Présentée au public au Salon de Paris de 1831 sous le titre Scènes de barricades^{[note 1]}, l'œuvre est ensuite exposée au musée du Luxembourg à partir de 1863 puis transférée au musée du Louvre en 1874 où elle fut l'une des œuvres les plus fréquentées^[1]. L'œuvre a été présentée dans l'exposition La Galerie du temps au Louvre-Lens.

Par son aspect allégorique et sa portée politique, elle a été fréquemment choisie comme symbole de la République française ou de la démocratie.

Description de l'œuvre

L'œuvre assez imposante (260 cm × 325 cm) fut réalisée entre les mois d'octobre et de décembre 1830. La scène se passe à Paris, comme l'indiquent les tours de la cathédrale Notre-Dame qui émergent des fumées du dernier plan. Une foule d'émeutiers franchit une barricade. Au premier plan, associés aux matériaux–- pavés et poutres – que forment cette barricade, les corps de soldats morts apparaissent tordus et comme désarticulés. L'un gît nu. Un ouvrier ou un paysan blessé, foulard noué sur la tête, émerge des décombres, le corps et le regard tendus vers une femme du peuple, coiffée d'un bonnet phrygien dont s'échappent des boucles. Celle-ci est représentée en pied et occupe de fait la place principale. Elle brandit par la hampe un drapeau tricolore qui occupe l'axe médian de la toile. Sa poitrine est en partie découverte. On distingue quatre autres personnages aux abords de la barricade : deux enfants des rues – l'un coiffé d'un béret brandissant des pistolets de cavalerie, la bouche ouverte sur un cri, l'autre coiffé d'un bonnet de police s'agrippant au pavé – un homme coiffé d'un haut-de-forme (qui laisse penser que c'est un bourgeois) mais portant le pantalon et la ceinture des ouvriers, les genoux sur la barricade, et un ouvrier portant un béret, un sabre briquet à la main et sa banderole sur l'épaule. Derrière, on peut voir un élève de l'Ecole polytechnique portant le traditionnel bicorne. Les principaux protagonistes s'inscrivent dans un triangle dont le sommet est le drapeau. Les couleurs dominantes sont les bleu, blanc et rouge qui émergent des teintes grises et marron. La lumière semble provenir de l'arrière-plan et la femme s'avance vers nous en contre-jour.

Les couleurs chaudes dominent les corps des émeutiers.

Situation historique

Hippolyte Lecomte, Combat de la rue de Rohan le 29 juillet 1830, musée Carnavalet.

Le peintre a fait connaître sa toile comme une allégorie inspirée par l'actualité la plus brûlante^[2]. Elle a pour cadre les trois journées du soulèvement populaire parisien contre Charles X, les 27, 28 et 29 juillet 1830, connues sous le nom des Trois Glorieuses.

Le 25 juillet, Charles X publie quatre ordonnances dans le but d'écraser l'opposition libérale. Ces mesures comprenaient la suspension de la liberté de la presse périodique, la dissolution de la Chambre des députés des départements, la réforme du suffrage censitaire favorable à l'aristocratie et convocation des collèges électoraux pour le mois de septembre. L'opposition appelle à la désobéissance. Les classes moyennes et le peuple de Paris se révoltent. La capitale se couvre de drapeaux tricolores et de barricades. Le peintre a nommé sa toile 28 juillet, date cruciale de la prise de l'hôtel de ville par les émeutiers. À la faveur de trois jours d'émeutes, Charles X abdique. Louis-Philippe prête fidélité à la Charte révisée le 9 août, inaugurant la « Monarchie de juillet ».

Contexte de la réalisation et genèse de l'œuvre

Quand Delacroix livre la Liberté guidant le peuple, il est reconnu comme le chef de file de l'école romantique française. Il rejette l'idéal classique et les canons de l'art académique de son temps.

Réalisée à partir d'esquisses tracées par l'auteur dès septembre 1830, l'œuvre n'est plus une « peinture d'histoire ». Eugène Delacroix en fait part à son frère le 18 octobre 1830 : « J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et si je n’ai pas vaincu pour la patrie, au moins peindrai-je pour elle »^[3]. L'artiste témoigne ici de la ferveur romantique qui lui fait traduire les événements révolutionnaires dont il est contemporain. Car si Delacroix appartient à une longue lignée de grands révolutionnaires qu'a produite le « pays des révolutions », il n'est pas un révolutionnaire convaincu^[4] à l'image de son ami Adolphe Thiers. Comme pour la cause grecque, sa bataille est avant tout d'atelier^[5]. De son propre aveu, il a traversé les événements de juillet 1830 comme « un simple promeneur »^[6]. Difficile pour le peintre de prendre parti contre le pouvoir qui a été l'un de ses principaux commanditaires. Cependant, la violence de la rue et le patriotisme réinventé enflamment son imagination picturale. Ces scènes de combat font aussi écho chez Delacroix à celle de la geste de 1789. Au moment de la réalisation de la toile, il travaille parallèlement à deux tableaux inspirés de la Révolution française pour décorer la nouvelle Chambre des Députés. Mais la « vraisemblance poétique devait l'emporter sur la véracité d'un simple reportage^[7]» et l'œuvre dépasse la seule évocation d'une scène d'émeute.

Sa Liberté a sans doute été inspirée d'une lecture des poèmes La Curée d'Auguste Barbier et de Casimir Delavigne Une semaine à Paris, publié en 1830 dans La Revue de Paris qui décrit la foule des émeutiers guidée par une femme du peuple, allégorie de la Liberté^[8]. Au-delà, l'œuvre multiplie les références picturales notamment au Radeau de la Méduse.

Signification et portée de l'œuvre

Amazone blessée du type de Sôsiklès. Copie romaine d'après un original grec du V^e siècle av. J.-C.

Le personnage central féminin attire tous les regards. La Liberté emprunte autant à la statuaire antique – drapé, pieds nus, poitrine offerte – qu'aux représentations de la femme du peuple à la lourde musculature et à la peau hâlée^{[note 2]}. Elle emprunte de même aux allégories sereines et hiératiques de la Liberté et de la République qui voient le jour après 1789, comme celles d'Antoine-Jean Gros ou de Nanine Vallain. Elle est ici tant une idée qu'une personne réelle, à mi-chemin entre le tangible et l'idée. C'est cette superposition de références et cette incertitude qui marque Heinrich Heine qui donne un long commentaire littéraire de l’œuvre : « une douleur impudente se lit dans ses traits, au total bizarre mélange de Phryné, de poissarde et de déesse de la liberté ^[9]». Curieusement, cette figure allégorique se mêle aux hommes et participe directement aux combats. Elle rassemble le peuple, les faubourgs et la bourgeoisie déclassée dans un même lyrisme révolutionnaire, portée par la construction pyramidale.

Pilier et piédestal, le peuple, dont la misère est sublimée par l'action héroïque, y est représenté comme un élément actif de la révolution. Cette lecture des événements de 1830 a, d'ailleurs, indisposé le premier public bourgeois, qui reprocha à la Liberté et aux protagonistes leur « saleté »^[10].

Delacroix joue sur un registre patriotique en restreignant volontairement sa palette de couleur et disséminant dans le tableau par un « motif conducteur » (leitmotiv) les trois couleurs du drapeau national. Il produit un effet d'identification : le public se sent appelé, sent qu'il fait partie du peuple – même si ce dernier est dépeint sous des traits ambigus.

Delacroix compose la scène à l'encontre des principes de la peinture de guerre auxquels les scènes de combats des révolutions de 1830 et 1848 se sont conformés^{[note 3]}. Les insurgés font face au spectateur, le dominent et marchent sur lui. Au milieu à droite de la toile, on peut voir les tours de la cathédrale de Notre-Dame, donc la scène se passe à Paris. Au reste, les adversaires ne sont que peu visibles, perdus dans les fumées de l'arrière-plan. Enfin, les assaillants forment une troupe disparate, dont chaque membre semble emprunter plusieurs directions.

Réception de l'œuvre

Le lyrisme et la violence à l'œuvre dans la toile ont tout d'abord surpris le public. Mais c'est surtout l'image qu'il est donné du peuple et plus généralement de combattants des journées de juillet qui a scandalisé la critique. « Vraiment, M. Delacroix a peint notre belle révolution avec de la boue^[11]. » Les détails morbides, les représentations sans concession du sale choquent les partisans d'un nouveau régime qui souhaite apaiser les classes populaires et donner une image idéalisée des combats.

Louis-Philippe en fait cependant l'acquisition en octobre pour la somme de 3 000 francs, l'expose quelque temps musée Royal, alors au palais du Luxembourg avant de la rendre au peintre qui obtient la permission de la faire figurer à l'exposition universelle de 1855. De nouveau présentée au Luxembourg, la toile est finalement accueillie au Louvre en 1874.

Postérité de l'œuvre

Au recto du billet de banque 100 francs Delacroix, l'autoportrait d'Eugène Delacroix tenant au premier plan, sa palette et ses pinceaux devant un détail du tableau, La Liberté guidant le peuple.

La scène a probablement inspiré à Victor Hugo sa barricade dans Les Misérables et plus particulièrement son personnage de Gavroche^[12].

La Liberté guidant le peuple figure parmi les œuvres du XIX^e siècle les plus mobilisées au XX^e siècle que ce soit pour un usage officiel, publicitaire ou scolaire^[13]. En France, elle prend valeur d'emblème. Son ancrage patriotique lui vaut de devenir un symbole républicain, voire une icône de la République. L'œuvre illustre les billets de banque de cent francs de 1978 à 1995. La Liberté se meut en Marianne pour la série de timbres d'usage courant gravé par Pierre Gandon, « Liberté » de 1982 à 1990.

L'œuvre incarne l'idéal révolutionnaire et le combat pour la liberté et pour cela a suscité de nombreuses relectures, appropriations, citations et imitations. Sa forte charge politique lui vaut d'être mobilisée pour envoyer des messages forts. En 1936, John Heartfield l'insère dans son photomontage, La liberté même se bat dans leurs rangs. Le photographe français Gérard Rancinan en propose son interprétation contemporaine et photographique – La Liberté dévoilée (2008) – sous une forme volontairement provocatrice. Dans le domaine politique et médiatique, la silhouette allégorique a inspiré les logos du groupe politique Debout la République ainsi que celui de l'hebdomadaire politique Marianne. En 2009, l'affiche de la fête de l'Humanité comporte, au premier plan, la Liberté noire, porteuse d'un drapeau rouge et d'une guitare électrique, avec la poitrine couverte^[14].

Sa valeur patrimoniale lui vaut d'inspirer de nombreuses caricatures de presses et la rend sujettes aux détournements publicitaires. L'œuvre est ainsi pastichée en 1999 par le collectif La Brigade sur la pochette du maxi Libérez. En 2008, elle illustre la pochette du quatrième album de Coldplay, Viva la Vida or Death and All His Friends, référence au tableau de Frida Kahlo.

L'œuvre a pu être considérée comme « undignified or improper » par essence (« manquant de dignité ou indécent »). Elle illustre l’étiquette de la bière des Sans-Culottes (brasserie La Choulette) et sa commercialisation a donné lieu à un débat sur la liberté d'expression dans le Maine et dans quatre autres États des États-Unis ^[15],[16].

Déplacements

Située dans la salle Mollien, au musée du Louvre, l'œuvre est plusieurs fois déplacée pour être prêtée à des expositions temporaires : une première fois à Tokyo (Japon) en 1999 et une autre à Strasbourg en 2004.

En 1956, une tournée de l'œuvre dans le bloc de l'Est avait été projetée, notamment à Varsovie, Moscou et Leningrad ; ce projet n'a pas abouti.

En 2012, le tableau est prêté à l'antenne du musée à Lens, pour l'exposition La Galerie du temps. Le 7 février 2013, une visiteuse inscrit « AE911 » au marqueur sur la toile^[17] ; le tableau est restauré sans encombre dès le lendemain^[18]. Le tableau est retourné dans les murs du musée du Louvre le 11 décembre 2013^[19].

Notes

Références

Annexes

Articles connexes

• Liste des œuvres d'Eugène Delacroix
• La Galerie du temps, exposition du Louvre-Lens

Liens externes

• Site du Louvre : analyse de l'œuvre
• Présentation de l'œuvre par Malika Dorbani-Bouabdellah sur le site « L'histoire par l'image »
• « Notice n^o 000PE000957 », base Joconde, ministère français de la Culture
• « Notice n^o 22746 », sur la base Atlas du musée du Louvre

Bibliographie

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

• T.J. Clark, Le Bourgeois absolu - Les Artistes et la politique en France de 1848 à 1851, Art édition, 1992. (Chapitre I - (en) « The picture of the Barricade » consultable en ligne).
• Nicos Hadjinicolaou, « La Liberté guidant le peuple de Delacroix devant son premier public », Actes de la recherche en sciences sociales, 1979, vol.  28.
• Lee Johnson et Michèle Hannoosh (ed.), Eugène Delacroix, Les Nouvelles Lettres, Bordeaux, William Blake & Co., 2000.
• Hélène Toussaint, La Liberté guidant le peuple, les dossiers du Département du Louvre n^o 26, RMN, 1982.
• Jörg Traeger, « L'épiphanie de la Liberté. La Révolution vue par Eugène Delacroix », Revue de l'Art, 1992, vol.  98, p. 9-28.
• Myriam Tsikounas, « Le Gamin et la Liberté à la conquête des beaux quartiers », Imaginaires urbains. Du Paris romantique à nos jours, Paris, Le Manuscrit, janvier 2011, p. 247-250.

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