Art contemporain

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L'expression « art contemporain » désigne de façon générale et globale l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.

L'expression « art contemporain » est aussi utilisée en France, avec un sens plus restreint, pour désigner les pratiques esthétiques et réalisations d'artistes revendiquant « une avancée dans la progression des avant-gardes^[1] » et une transgression des frontières entre les domaines artistiques (dépassant la frontière de ce que le sens commun considère comme étant de l'art, c'est-à-dire les arts plastiques, en expérimentant le théâtre, le cinéma, la vidéo, la littérature…)^[2], ou une transgression des « frontières de l'art telles que les conçoivent l'art moderne et l'art classique »^[3]. On parle aussi d'art contemporain pour désigner, par convention, l'art des années 1960 et d'après. Le pop art marquerait, de ce fait, une rupture par rapport à l'art moderne^[4]

Qu'est-ce que l'art contemporain ?

La notion de « contemporanéité » est d’abord une notion historique. Selon cette approche, la période contemporaine commencerait à partir de 1945^[5], avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et, par commodité, la plupart des études traitent de la période qui débute en 1945 et va jusqu'à aujourd'hui.

« Contemporanéité » signifie aussi « simultanéité ». Est contemporain ce qui est dans la même période. Le « contemporain » serait donc la manière qui se fait aujourd'hui. Appliquée à l'art, cette notion revêt une spécificité esthétique qui peut devenir polémique, puisque les acteurs n’ont pas la distance nécessaire pour effectivement apprécier les œuvres. La désignation « art contemporain » ne doit donc pas uniquement être prise de façon chronologique, car toutes les productions contemporaines n'appartiennent pas à la démarche contemporaine, ni ne se revendiquent comme telles.

De nouvelles références permettent de définir ce qu'est la méthode contemporaine. Une des premières est la transgression vis-à-vis de l'époque antérieure ; ainsi la notion d'« art contemporain » voudrait affirmer son indépendance non seulement par rapport à la notion d'arts dits « classiques », par rapport aux « beaux-arts » et à ses catégories (peinture, sculpture, etc.), mais aussi par rapport à la notion de manière « moderne ». La manière contemporaine possède donc en elle-même des exclusions. Elle s’inscrit dans la suite de l’« art moderne » et voudrait mettre, en quelque sorte, fin à celle-ci.

De surcroît, l'expression « manière contemporaine » est aujourd'hui utilisée pour des artistes encore vivants et actifs ou pouvant encore l'être, ce qui dans ce cas placerait l'origine de la méthode contemporaine dans les années 1960, avec le pop art, Fluxus, les happenings ou l'art vidéo. C'est avec ces courants artistiques que prendrait fin la période de l'art moderne et la théorie de Clement Greenberg qui la définissait comme la recherche de la spécificité de la technique.

Dans cette recherche permanente d'une définition de la contemporanéité, la critique d'art et les institutions jouent un rôle important. Ainsi sont généralement exclues de la démarche contemporaine « labellisée » les formes d'art dont les problématiques ne reflètent pas les tendances promues par la critique « contemporaine ».

D'un point de vue géographique, à partir des grandes places artistiques médiatisées, essentiellement occidentales (Paris,  Londres,  New York), et avec la chute du mur de Berlin, en 1989, puis la montée en puissance de la Chine à cette même époque, la planète de l'art contemporain s'est mondialisée, l'Afrique et l'Amérique latine n'échappant pas à cette progression.

Origines de l'art contemporain

L'apparition de la photographie a exercé une influence sur de nombreux artistes dès le XIX^e siècle, tel que Degas et permis de donner naissance à l'art moderne. L'art n'a plus uniquement pour fonction importante de représenter fidèlement le réel, la photographie est mieux à même de le faire, l'art peut désormais s'essayer à d'autres formes, casser les canons de la beauté, et proposer des expérimentations nouvelles et des idées conceptuelles.

L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne (début XX^e siècle), et notamment le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l'art perd peu à peu de sa fonctionnalité représentative. La création contemporaine demeure un miroir pour une réalité baignée des conflits et des prises de pouvoir qu’occasionnent ces attaques contre la rationalité. L'art reflète les crises de la société et demeure le lieu d'expression des valeurs. Les rapports de l’art à l’histoire ne s’évaluent ni qualitativement ni quantitativement, mais ils débouchent sur une conception plus institutionnelle de l'art : collectionneurs, sièges sociaux, galeries, musées, etc. pour s'ouvrir à un plus large public. Cependant, les acteurs de l'art moderne dans leur volonté d'exprimer leur opinion artistique hors des cadres institutionnels pour s'adresser au public, restent liés aux institutions ; leur démarche était de s'opposer à une idéologie (Heartfield envers le nazisme) ou au contraire de participer à la propagation d'une pensée politique.

Malgré la fin des idéologies imposées dans l'art moderne, les artistes actuels reprennent cet héritage à leur compte en exprimant leur engagement profond par rapport aux institutions. Notamment, lorsque leur sensibilité y est perturbée.

Aujourd'hui, l'art contemporain subit le déclin des idéologies du moderne (dans les années 1960, puis à partir de 1990 avec la chute du communisme). Il se fonde sur de nouveaux comportements : renouveau stylistique, brassages artistiques, origines diverses, arts technologiques (accès à la puissance mathématique des ordinateurs et ergonomie des logiciels), mode d'approche de la réalité. Les technologies ont toujours apporté des outils à l'art. Aujourd'hui, l'artiste s'en sert comme d'un instrument de médiatisation, et en invente de nouveaux. Il se base sur la culture historique, répertoriée; lit, visite, comprend, cherche, se spécialise, focalise son sujet et dépasse ce qui a été fait. Il prend position parfois, se veut démonstratif ou choquant, en tout cas il cherche la médiatisation.

Des « beaux-arts » aux arts plastiques

L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne, et revendique régulièrement la brèche ouverte par Marcel Duchamp, et d'autres qui avaient libéré la pratique de l'art des contraintes classiques de représentation.

La pensée postmoderniste a formulé la plupart des problématiques inhérentes à l'art contemporain, affranchi des courants idéologiques (communisme et capitalisme), sans toutefois empêcher des artistes engagés de critiquer les abus politiques ou idéologiques.

En France, la création des facultés d'arts plastiques constitue une base de contestation de l'enseignement académique des beaux-arts ; des matières autrefois étrangères au champ de l'enseignement de l'art, sociologie, ethnologie, esthétique et autres, orientent la recherche artistique au diapason de ses évolutions récentes.

À la recherche formelle du Beau succèdent des voies de recherche esthétiques nouvelles, dont les plus radicales, art conceptuel, minimalisme, performance, art corporel, modifient durablement la signification et la perception de l'art, qui s'oriente parfois dans des voies à première vue hermétiques aux non-initiés.

Certains courants, tels les nouveaux réalistes, la figuration libre et la trans-avant-garde, ainsi que certains francs-tireurs, ne quittent toutefois pas les médiums classiques, tout en modifiant radicalement leurs démarches créatives.

L'éclatement des types de médium (la peinture est souvent délaissée au profit d'installations, de performances ou autres) et du contenu des œuvres modifie en profondeur les réseaux de médiation d'art ; à de nouvelles galeries s'ajoutent des contextes d'exposition nouveaux et l'apparition de nouveaux médiums de diffusion.

À Paris, le Salon Comparaisons, au Musée d'art moderne de la ville de Paris, constitue dès 1954, le point de rencontre de tous les exposants de ces courants, confrontés, dans le même espace, aux peintres figuratifs et abstraits de la peinture sur chevalet.

L'art contemporain à l'ère de la globalisation

À partir des années 1980, les arts à forte composante « technologique » font leur apparition, avec l'art vidéo, l'esthétique de la communication, l'art informatique puis, par la suite, l'art numérique, le bio-art, etc. La liste est non exhaustive et suit de très près les avancées de la recherche industrielle.

Dans les années 1990, l'art contemporain occidental a accordé son « label » à de nombreux artistes issus des pays dits « en voie de développement », à peu près absents autrefois. Les paradigmes de la globalisation et la perte des repères spatio-temporels classiques ont valorisé les modes d'approche personnels, ou les composantes biographiques, sociologiques, voire religieuses, sont valorisées au sein des démarches de travail.

La communication liée à l'internet joue un rôle de plus en plus important dans la réception et la médiation de l'art contemporain, en amont des expositions elles-mêmes, qui intègrent de plus en plus les structures de médiation étatiques.Elle donne la place à des conseillers en Art Contemporain, en anglais "The Contemporary Art Consultants", qui conseillent gratuitement sur les valeurs à venir. Les changements survenus au sein des pays les plus développés (notamment la part grandissante du tertiaire) ont suscité un besoin de plus en plus généralisé d'art, ce qui ne rend pas la tâche des artistes, crise oblige, plus facile pour autant.

L'art contemporain, souvent obscur et provocant aux yeux du grand public, est considéré bien souvent comme l'émanation d'un art officiel. Il est cependant aujourd'hui bien plus accepté et répandu qu'auparavant ; un déferlement de travaux de qualités inégales le rend déroutant et requiert le plus souvent un investissement personnel de la part du public. (Voir Les théories modernes de l'art)

Cotées sur l'internet, les œuvres d'art contemporain sont aussi une manne financière potentielle, qui n'excluent pas les effets de mode au détriment des travaux réellement originaux.

Entre médium et médiation

En plus des médiums classiques (peinture à l'huile, pastel, sanguine, bronze, marbre, etc.), l'art contemporain est particulièrement friand de médiums nouveaux, voire de « non médiums ». Notamment, la vocation éphémère ou « en cours » de nombre d'œuvres questionne la notion même de médium, qui devient souvent un simple vecteur de médiation plutôt qu'un support stable. Cela rejoint la mutation des supports d'information entamée dans les années 1980, qui se dématérialisent progressivement au profit d'une logique de « relation » :

• Médiums « tangibles »
  • Déchets (Un petit déjeuner de Daniel Spoerri), matériaux divers (béton, terre, sable, etc.)
  • Excréments (Merde d'Artiste de Piero Manzoni), urine, sang
  • Polystyrène, polyuréthanne, silicone, plastique, etc. (expansions de César)
  • Objets divers plus ou moins transformés ou dégradés (accumulations d'Arman et de Gérard Deschamps)

• Médiums « intangibles »
  • Environnement (notamment pour le Land art, lumière James Turrell)
  • Situations hic et nunc (Collectif d'art sociologique)
  • Projets en cours (work in progress de Roman Opałka)
  • Expérience de presse (Space Media Fred Forest)

• Médiums « technologiques »
  • Logiciels informatiques
  • Net.art
  • Systèmes mécaniques (Stelarc)
  • Gènes vivants (bio-art)

Rajoutons que certains médiums, comme la photographie — qui devient « plasticienne » (Joel-Peter Witkin) — le cinéma — qui devient « expérimental » (série des Cremaster de Matthew Barney) — ont acquis le statut d'art à part entière (au même titre que la peinture, la sculpture ou la musique), et constituent aujourd'hui des catégories autonomes.

La notion d'art multimédia, largement remise en cause aujourd'hui, interroge le statut d'œuvres issues d'installations, de performances souvent mêlées, tels qu'elles sont apparues dans les années 1950.

Limites de l'art et « babélisation »

La pulsion « provocative » de l'art, si elle est loin d'être morte, n'est plus un sine qua non de la création.

Dans les années 1970, à la suite de mai 68 et des révoltes étudiantes dans le monde, la vertu provocatrice de l'art a été remise au goût du jour, du moins aux yeux du grand public. Le body art et la performance ont notamment mis à mal les limites extrêmes des valeurs tolérées par les sociétés occidentales. Les crucifixions de cadavres d'animaux de Hermann Nitsch, le boudin de Michel Journiac fait à partir de son propre sang, les mises en scène rituelles de Gina Pane, apparaissent toujours comme des provocations à l'encontre de l'ordre établi et visant à déstabiliser le spectateur.

La provocation en art est rarement gratuite, elle met à nu les complexes psychiques en œuvre au sein d'une société ou d'un groupe d'individu donné. Fred Forest avec son Mètre carré artistique et ses fausses publicités dans le journal Le Monde dans ses rubriques des pages économiques, dénonce la spéculation du marché de l'art en en faisant l'amalgame parodique avec le marché de l'immobilier. Hans Haacke, qui au contraire, il faut le noter, participe sans réticence à ce marché, quand il a été invité à représenter l'Allemagne au pavillon allemand de la Biennale de Venise, a cassé les dalles du pavillon pour rappeler l'origine de la fondation du pavillon, sous les nazis. Les exemples abondent en ce sens et invitent le public à essayer de connaître le contenu des œuvres, a priori opaque dans bien des cas.

Le « bon goût » n'existe pas en art contemporain, parce que l'artiste a cessé d'être un simple exécutant d'œuvres commanditées par un mécène, qui définissait son statut avant la Renaissance.

Critique de l'art contemporain

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Les quatre extraits ci-dessous résument l'essentiel des critiques formulées à l'égard de l'art dit « contemporain » :

• la vision pamphlétaire de Jean Monneret, qui y voit essentiellement un art d'État soutenu par des fonctionnaires irresponsables dilapidant l'argent du contribuable ;
• l'analyse de Philippe Lejeune, qui va jusqu'au bout de la dialectique des tenants de l'art contemporain en démontrant leur négation de l'idée de Beauté ;
• Fred Forest qui est passé à l'acte pour défendre des convictions proches de celles de Jean Monneret en attaquant l'État devant les tribunaux administratifs.
• Le plasticien Daniel Buren constate la faillite de la pensée dans l'art contemporain d'un art vide de sens.

Jean Monneret

Dans le catalogue raisonné du Salon des indépendants de 1999, le président du Salon, Jean Monneret, lance un violent pamphlet contre la définition convenue de l'art contemporain, après avoir longuement critiqué les fonctionnaires qui régissent l'enseignement des arts plastiques et le choix des œuvres achetées par l'État et les collectivités locales (p. 51) :

« L'art contemporain ? Tous les artistes vivants font partie de l'art contemporain. Ce sont les artistes qui font l'art. Tous les artistes. Librement !
Or, l'État veut faire croire au public qu'il n'y a qu'un art digne d'intérêt, l'art dit « contemporain », c'est-à-dire l'art d'État. Comme si l'installation, la performance ou l'art inculte – pour peu que la légende qui l'accompagne relève de la logorrhée – soient, à eux seuls, la suite historique, linéaire, indiscutable de la tradition artistique. Il est vrai qu'en art dit « contemporain », moins il y a à voir, plus il y a à dire ! Dans une exposition d'art contemporain, une gaine d'aération, le matériel de secours ou le carrelage des sanitaires se confondent souvent avec les œuvres présentées. La question alors est, où est l'œuvre ? Tant l'harmonie est parfaite entre le contenant et le contenu.
En réalité, l'art d'État emprunte une voie unique qui écarte arbitrairement l'art des meilleurs artistes des salons historiques. La démocratie exigerait que l'État, soucieux de l'argent du contribuable, rendît compte de la réalité contemporaine dans toute sa diversité, sans exclusion… »

Philippe Lejeune

Dans le rapport moral de Taylor de juillet 2006 (p. 6 et 7), revue de la fondation du baron Taylor, le vice-président, le peintre et journaliste Philippe Lejeune, distingue la notion de beaux-arts de celle d'art contemporain.

« […] Nous autres, pratiquons un art nommé « la peinture », cette activité était autrefois considérée comme faisant partie des Beaux-Arts […]. Soucieux de modernité, désireux surtout de se débarrasser d'un impératif aussi lourd à porter que la beauté, la querelle des anciens et des modernes que nous vivons consiste tout simplement à supprimer la référence à la beauté. Ne pouvant plus altérer davantage les valeurs traditionnelles de l'art après les expériences de la moitié du siècle dernier, ils se sont avisés, toujours avec la même étiquette apparente, de fournir une marchandise totalement différente. Ils ont eu l'honnêteté, reconnaissons-le, de changer de nom. Les salons contemporains ne sont plus des salons de peinture, ce sont des salons d'art contemporain […].

L'art contemporain expose dans des lieux où on exposait « la peinture », ce qui entretient naturellement une confusion. Mais plutôt que de définir une nouvelle forme d'art, on lui applique les règles d'une autre discipline, comme un joueur, lassé du bridge, adapte les règles de la belote… L'art contemporain refuse toutes règles, excepté celle de l'exclusion. Vous savez qu'un slogan fameux était d'interdire tout interdit. L'art contemporain ne vit que d'ukase. N'importe quoi sauf la représentation […].

L'art contemporain se dit conceptuel, c'est-à-dire que, partant d'un concept, on arrive à procurer une sensation.
Les Beaux-Arts se donnent un tout autre but, ont un programme bien différent. Partant de l'éprouvé, ils le confrontent à la mémoire collective pour arriver précisément à une idée, c'est-à-dire à un élément que l'on peut comparer […]. »

Fred Forest

Après son procès^[6] contre le MNAM (centre Georges-Pompidou), Fred Forest écrit en dernière de couverture de son livre Fonctionnement et dysfonctionnements de l'art contemporain (L'Harmattan, Paris, 2000) :

« Ce livre tend à révéler les limites et les contradictions d'un système qui ne peut plus perdurer sous la forme élitaire actuelle au profit d'une poignée de privilégiés, toujours les mêmes, qui bénéficient de la complaisance et de la manne publique. Lutte du pot de terre contre le pot de fer, il s'agit de la description par le menu de mon procès jusqu'en Conseil d'État contre le centre Georges-Pompidou, et à travers lui, contre les institutions publiques de l'art contemporain pour leur refus de transparence sur les acquisitions et leur manquement au respect de la loi de 78 sur la comptabilité publique. Au-delà de l'art, la démarche engagée ici se veut avant tout une démarche citoyenne posant la vraie question de l'utilisation des fonds publics, et celle de la culture dans une démocratie. »

Daniel Buren

En septembre 2011, Daniel Buren dans la revue L'Œil constate, au cours d'un long interview^[7], l'incapacité, la confusion et la faillite de l'expression « art contemporain » :

« En règle générale, je dirais que la santé ébouriffante qu'on lui prête — biennales dans le monde entier, foires à tous les tournants et salles de ventes débordées — sont des aspects quelque peu paradoxaux d'un domaine qui, sur le plan de la pensée, est au bord de la faillite. Ce n'est plus un moment de l'histoire, mais la mode au jour le jour. "Contemporain" est un terme complètement dénué de sens, mais c'est l'une des trouvailles les plus performantes jamais trouvées afin d'annihiler dans l'œuf tout ce qu'un artiste pourrait présenter d'un tant soit peu neuf et dérangeant^[8]. […] »

Mouvements artistiques en art contemporain

L'après-guerre : la transition entre moderne et contemporain

• Art figuratif : jeune peinture de l'École de Paris, Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Jean-Pierre Alaux, Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz, André Hambourg, Paul Collomb, Émile Frandsen
• Art brut : Jean Dubuffet, Gaston Chaissac
• Automatisme : Paul-Émile Borduas, Jean-Paul Riopelle, Fernand Leduc, Pierre Gauvreau, Marcelle Ferron, Marcel Barbeau, Jean-Paul Mousseau
• Expressionnisme abstrait : Willem de Kooning, Jackson Pollock
• Figuration européenne : Francis Bacon, Alberto Giacometti, René Iché, Marino Marini, Henry Moore, Roger Somville

• Lettrisme : Isidore Isou, Gabriel Pomerand, Maurice Lemaître
• Non figuration - Jean Bazaine, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier, Jean Dubuffet

Lieux d'exposition

Grands événements d'art contemporain

Sites Internet

• The Contemporary Art Consultants
• Mécénat d'art contemporain, Londres, Genève, New York
• Musée d'Art Moderne (MOMA), New York
• Centre Georges Pompidou, Paris, Metz

Grands musées

Lieux institutionnels qui ont pour mission de conserver des œuvres, ils achètent de l'art contemporain et montrent les collections ainsi réalisés. Ils réalisent aussi des expositions en empruntant des œuvres à d'autres collections publiques ou privées.

Afrique

• Algérie :
  • Musée public national d’art moderne et contemporain d’Alger

Amériques

• Canada :
  • Musée d'art contemporain de Montréal
  • Musée d'art contemporain des Laurentides
  • Musée d'art de Joliette
  • Musée des beaux-arts de Montréal
• États-Unis :

Asie

• Chine (sites)
  • (en) Beijing Museum Of Contemporary Art (MOCA Pékin)
  • (en) National Art Museum of China (NAMOC), Pékin
  • (en) Today Art Museum], Pékin, 2002
  • (en) Shanghai Museum Of Contemporary Art (MOCA Shanghai)
  • (zh) Zendai Museum of Art, Shanghai, 2005
  • (en) Zendai Museum of Art, Shanghai,
  • (en) Taipei Fine Arts Museum (TFAM), Taipei
  • (en) Square Gallery of Contemporary Art, Nankin

Europe

• Allemagne :
  • Hamburger Bahnhof, Berlin
  • Neue Nationalgalerie, Berlin
• Belgique :
  • Musée royal d'art moderne à Bruxelles
  • MAC's : musée des arts contemporains, Grand-Hornu, Hornu
• Espagne :
  • Le musée Guggenheim de Bilbao
  • Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
• France :

• Grande-Bretagne :
  • Tate Modern
• Grèce :
  • Musée national d'art contemporain d'Athènes
• Italie :
  • MAXXI - Musée national des arts du XXIe siècle (Rome)
• Suisse :
  • Musée d'Art moderne et contemporain (Genève)

Centres d'art contemporain

Les centres d'art contemporain ont pour objectif de présenter le travail d'artistes contemporains. Ils se différencient des musées dans le sens où ils ne conservent pas les œuvres qu'ils présentent. De ce fait, ils ne constituent pas de collections. Ils montent des expositions en fonction de leurs choix éditoriaux, propres à chaque lieu, l'objectif étant la diffusion et la promotion de l'art contemporain. On trouve de tels centres de plus ou moins grande importance dans le monde entier.

Amériques

• Canada : Laboratoire d'Art (Labo), à Toronto
• Équateur : Centre équatorien d'art contemporain

Asie

• Chine : Ullens Center for Contemporary Art, Pékin

Europe

• Belgique : Wiels, Bruxelles
• France :
  Article détaillé : Liste des centres d'art contemporain en France.
• Suisse : Centre d'art contemporain (Genève)

Les FRAC (France)

Les FRAC ou fonds régionaux d'art contemporain sont des institutions culturelles, créées en 1981, qui visent à promouvoir l'art contemporain. Leur mission est avant tout de constituer un patrimoine, de soutenir la création et de diffuser largement le fonds constitué en sensibilisant le public aux démarches artistiques contemporaines.

Marché de l'art contemporain

Prix moyen

• 1990 : base 100
• 1991 : 120 (plus haut)
• 1992 à 1997 : autour de 40
• 1998 à 2001 : progression jusqu'à 60
• mi-2001 : mini-crise à 49
• 2002 : remontée à 60
• 2003 : 65
• 2004 : 70
• mi-2005 : 75

Part des pays dans le marché mondial

Chiffres à partir des ventes du 1^er octobre 2004 au 30 septembre 2005 : États-Unis 58 %, Royaume-Uni 27 %, France 3 %, Italie 2 %, Allemagne 2 %, autres 8 %

• Évolution de la part de la France : 35 % en 1990, 9 % en 1995, 5 % en 2003, 3 % en 2004
• Évolution de la part du Royaume-Uni : 4 % en 1990, 27 % en 2004

Grandes foires

Pavillon d'Art Basel en 2011.

Les foires d'art contemporain sont le lieu où les grandes galeries présentent à leur clientèle internationale une sélection parmi les artistes qu'elles représentent.

Grandes galeries et marchands

• • Ares Collection
  • Gagosian
  • Carpenter
  • Gagosian
  • Koller
  • Phillips et de Pury
  • Saatchi
  • Serpentine
  • Sotheby's
  • White Cube

Grands acheteurs influants la cote des artistes en ventes publiques

En France

• État français : 653 œuvres achetées en 2004, hors dons et commandes publiques, 43542 œuvres achetées en 2011; hors dons
• Fonds régionaux français : plus de 18 000 œuvres ont été acquises depuis 1983 réalisées par 3 800 artistes (dont 60 % de Français)
• Grands collectionneurs :
  • Bernard Arnault
  • Laurent Fabius ,actionnaire majoritaire de Piasa
  • Gilles Fuchs^[9]
  • Antoine de Galbert
  • Daniel et Florence Guerlain^[10]
  • Alain-Dominique Perrin
  • François Pinault, propriétaire de Christie's
  • Jean-Marc Salomon
  • Agnès Troublé (Agnès b.)

À l'étranger

• Grands collectionneurs :
  • Charles Saatchi (Grande-Bretagne)
  • Marlo Guerry^[11] (Suisse), Ares Collection

Sources

Bibliographie

• 1986 : L'Art au présent, Jean-Luc Chalumeau, Paris, Christian Bourgois, coll. 10/18.
• 1990 : Etienne Souriau et Anne Souriau (dir.), Vocabulaire d'esthétique, Paris, Presses universitaires de France, coll. « Quadrige »,‎ 1999, 1415 p. (ISBN 2130504450 et 9782130504450, OCLC 43930258).
• 1996 : Face à l'Histoire 1933-1996, Paris, Flammarion et Centre Pompidou (ISBN 2858508984)
• 1997 : L'art contemporain exposé aux rejets: études de cas, Nathalie Heinich, Jacqueline Chambon
• 1998 : Le Triple Jeu de l'art contemporain, Nathalie Heinich, Paris, Minuit.
• 1999 : Les Mouvements artistiques depuis 1945, Edward Lucie-Smith, London, Thames & Hudson.
• 2000 : Fonctionnement et dysfonctionnements de l'art contemporain : un procès pour l'exemple, Fred Forest, Paris, L'Harmattan.
• 2002 : L’Art contemporain international : entre les institutions et le marché, Alain Quemin, Nîmes, Jacqueline Chambon, (ISBN 2-877-11245-4)
• 2004 :
  • L'Art contemporain, mode d'emploi, Élisabeth Couturier, Paris, Filipacchi.
  • Nouveau Dictionnaire des artistes contemporains, Pascale Le Thorel-Daviot, Paris, Larousse.
  • L'Art contemporain dans les lieux de culte, Lara Blanchy, Ed. Complicités.
  • (en) Money, Katy Siegel & Paul Mattick jr, éd. Thames & Hudson^[12].
• 2005 : Les Mirages de l’art contemporain, Christine Sourgins, Paris, La Table Ronde (ISBN 2710327910).
• 2007 :
  • L'Art caché : les dissidents de l'art contemporain, Aude de Kerros, Paris, Eyrolles (ISBN 978-2212539332).
  • Denis Gielen (préf. Laurent Busine), Atlas de l'art contemporain à l'usage de tous, Hornu, Musée des arts contemporains au Grand-Hornu en France,‎ 2007, 400 p. (ISBN 978-2-9303-6818-4 et 2930368187, OCLC 470753315)
• 2008 : Pour un art postcontemporain, Laurent Danchin, Paris, Le Livre d'art (ISBN 978-2355320279).
• 2009 : Les musées d'art moderne et contemporain : une exploration conceptuelle et historique, Jesus Pedro Lorente, Paris, L'Harmattan (ISBN 978-2296108202)
• 2010 : L'avenir de l'art, Hervé Fischer, VLB, (ISBN 978-2-89649-118-6)
• 2013 : Sensibiliser à l'art contemporain?, revue Atala, n^o 16, lycée Chateaubriand
• 2014 : Le paradigme de l'art contemporain. Structures d'une révolution artistique, Nathalie Heinich, Gallimard (ISBN 978-2-07013-923-1)

Filmographie

• 2003 : Série télévisée (6 × 52 minutes) Place à l'art contemporain ! de Jacques Bouzerand et Thierry Spitzer, diffusée sur France 5

Voir aussi

Articles connexes

• Le « 1 % » artistique
• Art contemporain africain
• Art chinois contemporain
• Art contemporain japonais
• Art moderne
• Art officiel
• Arts plastiques
• Centre d'art contemporain
• Glossaire de l'art contemporain
• Liste des centres d'art contemporain en France
• Musique contemporaine
• Otto, émission télévisée consacrée à l'art contemporain
• Peintres grecs aux XIX^e et XX^e siècles

Liens externes

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• Délégation aux arts plastiques du ministère de la Culture
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Notes et références

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