La consagración de la primavera

La consagración de la primavera, el título francés Le Sacre du printemps ( ruso : «Весна священная», Vesna svyashchennaya) es un ballet y obra de concierto orquestal del compositor ruso Igor Stravinsky . Fue escrito para la temporada 1913 de París Sergei Diaghilev Ballets Rusos empresa, con coreografía de Vaslav Nijinsky y escenografías y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando se estrenó el ballet, en el Teatro de los Campos Elíseos el 29 de mayo de 1913, el naturaleza vanguardista de la música y la coreografía causó casi un motín en la audiencia. Aunque se ha diseñado como una obra para el teatro, con pasajes específicos que acompañan personajes y la acción, la música logra un éxito creciente como pieza de concierto y más tarde fue reconocido como una de las obras musicales más influyentes del siglo 20. Es ampliamente realiza en la sala de conciertos, y es revivido con frecuencia en el escenario.

Stravinsky era un joven, compositor prácticamente desconocido cuando Diaghilev lo reclutó para crear trabajos para los Ballets Rusos. El rito fue el tercer proyecto de este tipo, después de la aclamada El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911). El concepto detrás de El Rito, desarrollado por Roerich de la idea de esquema de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, "Imágenes de la Rusia pagana en dos partes"; en el escenario, después de varios rituales primitivos que celebran la llegada de la primavera, una joven se elige como víctima sacrificial y ella baila hasta morir. Después de una recepción crítica mixta para su funcionamiento original y una breve gira en la ciudad, el ballet era no ejecutada hasta la década de 1920, cuando una versión coreografiada por Léonide Massine reemplazado originales de Nijinsky. Massine de fue el precursor de muchas producciones innovadoras dirigidas por destacados maestros de ballet del mundo, que ganaron el trabajo aceptación en todo el mundo. En la década de 1980, coreografía original de Nijinsky, mucho tiempo se creyó perdido, fue reconstruido por el Joffrey Ballet en Los Ángeles.

Partitura de Stravinsky contiene muchas características que estaban novedoso para su época, incluyendo experimentos en tonalidad, metro, ritmo, estrés y disonancia. Los analistas han señalado en la puntuación de una base significativa en la música popular rusa, una relación que Stravinsky tendía a negar. La música ha influenciado a muchos de los principales compositores del siglo 20 y es una de las obras más grabadas en el repertorio clásico.

Fondo

Stravinsky, esbozado por Picasso

Igor Stravinsky era hijo de Fyodor Stravinsky, el director bajo en la Imperial Opera, San Petersburgo , y Anna, nacida Kholodovskaya, un cantante aficionado competente y pianista de una ya establecida familia rusa. La asociación de Fyodor con muchas de las principales figuras de la música rusa, incluyendo Rimsky-Korsakov , Borodin y Mussorgsky, significó que Igor se crió en un hogar intensamente musical. En 1901 Stravinsky comenzó a estudiar Derecho en Universidad de San Petersburgo, al tomar clases particulares en armonía y contrapunto. Tener impresionado Rimsky-Korsakov con algunos de sus primeros esfuerzos compositivos, Stravinsky trabajó bajo la dirección del compositor más. En el momento de la muerte de su mentor en 1908 Stravinsky había producido varias obras, entre ellas una Sonata para piano en fa sostenido menor (1903-1904), un Sinfonía en mi bemol mayor (1907), que catalogó como "Opus 1", y en 1908 una pieza orquestal corto, Feu d'artifice ("Fuegos artificiales").

En 1909 Feu d'artifice se realizó en un concierto en San Petersburgo. Entre aquellos en la audiencia fue el empresario Sergei Diaghilev, quien en ese momento estaba planeando introducir la música rusa y el arte para el público occidental. Al igual que Stravinsky, Diaghilev había estudiado inicialmente ley, pero había gravitado a través del periodismo en el mundo teatral. En 1907 comenzó su carrera teatral mediante la presentación de cinco conciertos en París; en el año siguiente se presentó la ópera de Mussorgsky Boris Godunov. En 1909, todavía en París, se puso en marcha el Ballets Russes, inicialmente con Borodin de Danzas Polovtsian de Príncipe Igor y Rimsky-Korsakov de Sherezade. Para presentar estas obras Diaghilev reclutó el coreógrafo Michel Fokine, el diseñador Léon Bakst y la bailarina Vaslav Nijinsky. La intención de Diaghilev, sin embargo, era producir nuevas obras en un estilo distintivo siglo 20, y que estaba buscando talento compositivo fresco. Tener oído Feu d'artifice se acercó Stravinsky, inicialmente con una petición de ayuda en la orquestación de la música de Chopin para crear el ballet Las sílfides. Stravinsky trabajó en la apertura "Nocturne" y el cierre "Valse Brillante"; su recompensa fue un encargo mucho más grande, para escribir la música para un nuevo ballet, El pájaro de fuego (L'oiseau de feu) para la temporada 1910.

Stravinsky trabajó durante el invierno de 1909-1910, en estrecha asociación con Fokine que fue coreografiado El pájaro de fuego. Durante este período Stravinsky conoció a Nijinsky que, aunque no bailar en el ballet, era un agudo observador de su desarrollo. Stravinsky era poco halagüeño al grabar sus primeras impresiones de la bailarina, observando que parecía inmaduro y torpe para su edad (tenía 21 años). Por otro lado Stravinsky encontró Diaghilev una inspiración, "la esencia misma de una gran personalidad". El pájaro de fuego fue estrenada el 25 de junio de 1910, con Tamara Karsávina en el papel principal, y fue un gran éxito de público. Esto aseguró que la colaboración Diaghilev-Stravinsky continuaría, en primera instancia, con Petrushka (1911) y luego La consagración de la primavera.

Sinopsis y estructura

Stravinsky ha descrito La consagración de la primavera como "una obra musical-coreográfica, [que representa] Rusia pagana ... unificado por una sola idea: el misterio y la gran oleada del poder creativo de la primavera". El trabajo no tiene ningún argumento o narrativa específica, pero debe ser considerada como una sucesión de episodios coreografiadas.

Los títulos franceses de piezas y movimientos se dan en la forma establecida en 1913. Ha habido numerosas variantes de las traducciones al inglés; los que se muestran son de la edición 1967 de la partitura.

Creación

Concepción

Sergei Diaghilev, director de los Ballets Rusos 1909-1929, como pintado por Léon Bakst

Stravinsky dio versiones contradictorias de la génesis de El Rito. En un artículo de 1920 que había hecho hincapié en que las ideas musicales habían llegado primero, que el ajuste pagana había sido sugerida por la música en lugar de al revés. Sin embargo, en su autobiografía 1936 que describe el origen de la obra de este modo: "Un día [en 1910], cuando estaba terminando las últimas páginas de L'Oiseau de Feu en San Petersburgo, tuve una visión fugaz ... Vi en mi imaginación un rito pagano solemne:.. ancianos sabios, sentados en círculo, mirando a una chica joven baila hasta morir Ellos estaban sacrificando su propiciar el dios de la primavera Tal fue el tema de la Sacre du Printemps ". En 1969 Stravinsky produjo otra cuenta de la evolución de El Rito, en la que reconoció que su anterior "memoria defectuosa". En 1907 y 1908 Stravinsky con música dos poemas de Gorodetsky. Un tercer poema de la misma antología respecta a la elección de una doncella por un viejo mago que ser sacrificado para Yarila, dios de la primavera.

En cualquier caso, al 05 1910 Stravinsky estaba discutiendo la idea con Nicholas Roerich, el experto ruso ante todo en el arte popular y los rituales antiguos. Roerich tenía una reputación como artista y místico, y había proporcionado las escenografías para 1909 la producción de Diaghilev de las Danzas Polovtsian. La pareja estuvo de acuerdo rápidamente sobre un título de trabajo, "El Gran Sacrificio" (en ruso: Velikaia zhertva); Diaghilev dio su bendición a la obra, aunque la colaboración se dejó en suspenso durante un año, mientras que Stravinsky estaba ocupada con su segundo gran encargo de Diaghilev, el ballet Petrushka.

En julio de 1911 Stravinsky visitó Talashkino, cerca Smolensk, donde Roerich se alojaba con la Princesa Maria Tenisheva, un patrón observado de las artes y un patrocinador de la revista de Diaghilev Mundo del arte. Aquí, durante varios días, Stravinsky y Roerich finalizaron la estructura del ballet. Thomas F. Kelly, en su historia de la premier Rite, sugiere que el escenario pagana de dos partes que surgió fue ideado principalmente por Roerich. Stravinsky explicó más tarde a Nikolai Findeyzen, el editor de la Gaceta Musical Rusa, que la primera parte de la obra se llama "El beso de la Tierra", y consistiría en juegos y danzas rituales interrumpidos por una procesión de sabios, que culminó en una danza frenética como las personas abrazaron la primavera. La segunda parte, "El Sacrificio", tendría un aspecto más oscuro; juegos nocturnos secretos de doncellas, que conducen a la elección de uno de sacrificio y su eventual danza a la muerte antes de los sabios. El título de trabajo original fue cambiado a "manantial sagrado" (en ruso: Vesna sviashchennaia), pero el trabajo adquirió notoriedad general por la prestación francés Le Sacre du Printemps, con el subtítulo "Tableaux de la Russie païenne en deux parties", o su Inglés equivalente La consagración de la primavera, con las "Imágenes de la Rusia pagana en dos partes" de subtítulos.

Composición

Clarens, Suiza (fotografía moderna), donde la mayor parte de La consagración de la primavera fue compuesta

Cuadernos de dibujo de Stravinsky muestran que después de regresar a su casa en Ustilug en Ucrania en septiembre de 1911, trabajó en dos movimientos, los "augures de Primavera" y la "primavera Rondas". En octubre se fue Ustilug para Clarens en Suiza, donde en una pequeña y escasamente amueblada habitación y ocho metros cuadrados, con sólo un piano, una mesa y dos sillas, trabajó durante todo el invierno 1911-1912 en la puntuación. En marzo de 1912, según la cronología cuaderno de bocetos, Stravinsky había completado la Parte I y había redactado gran parte de la segunda parte. También preparó una versión para piano a dos manos, posteriormente perdido, que él pudo haber utilizado para demostrar el trabajo de Diaghilev y el Ballet Russes conductor Pierre Monteux en abril de 1912. También hizo un arreglo para piano a cuatro manos que se convirtió en la primera versión publicada de El Rito; él y el compositor Claude Debussy jugó la primera mitad de este conjunto, en junio 1912.

Tras la decisión de Diaghilev para retrasar el estreno hasta 1913, Stravinsky puso El Rito de lado durante el verano de 1912. Disfrutó de la temporada de París, y acompañó a Diaghilev a la Festival de Bayreuth para asistir a una actuación de Parsifal. Stravinsky reanudó su trabajo en El Rito en el otoño; los cuadernos de dibujo indican que había terminado el contorno de la danza final de sacrificio el 17 de noviembre de 1912. Durante los meses restantes del invierno trabajó en la partitura orquestal completa, que firmado y fechado como "completar en Clarens, 08 de marzo 1913". Colaborar en Clarens en el tiempo con Maurice Ravel en una adaptación de Mussorgsky Khovanshchina, mostró el manuscrito a Ravel, que estaba muy entusiasmado con ella y predijo en una carta a un amigo que la primera actuación de la Sacre sería tan importante como el estreno de Debussy Pelléas et Mélisande. Después de los ensayos de orquesta comenzaron a finales de marzo, Monteux llamó la atención del compositor para varios pasajes que estaban causando problemas: cuernos inaudibles, un solo de flauta ahogada por metales y cuerdas, y múltiples problemas con el equilibrio entre los instrumentos en la sección de metales durante episodios fortissimo. Stravinsky modificado estos pasajes, y todavía en abril todavía estaba revisando y reescribiendo los compases finales de la "Danza de sacrificio". Revisión de la puntuación no terminó con la versión preparada para el 1913 estreno; más bien, Stravinsky continuó haciendo cambios para los próximos 30 años o más. Según Van den Toorn, "[n] o cualquier otra obra de Stravinsky se sometió a una serie de tales revisiones post-estreno".

Stravinsky reconoció que fagot apertura melodía de la obra se deriva de una antología de canciones populares lituanas, pero sostuvo que esta era su única endeudamiento de dichas fuentes; si otros elementos sonaban como música tradicional aborigen, dijo, que se debió a "una cierta memoria 'popular' inconsciente". Sin embargo, el erudito Stravinsky Lawrence Morton ha identificado varios más melodías en la parte I que tienen sus orígenes en la colección de Lituania. Más recientemente Richard Taruskin ha descubierto la transposición a la obra de uno de los "Cien Canciones nacionales rusos" de Rimsky-Korsakov. Taruskin señala la paradoja de que el rito, generalmente reconocido como el más revolucionario de las primeras obras del compositor, es en realidad enraizada en las tradiciones de la música rusa.

Realización

Nijinsky en 1911, representado por John Singer Sargent en traje por su papel en Ballet de Nikolai Tcherepnin Le Pavillion d'Armide.

Taruskin ha enumerado una serie de fuentes que Roerich consultó la hora de crear sus diseños. Entre ellas se encuentran La Crónica de Néstor, un compendio de costumbres paganas de principios del siglo 12, y El estudio de Alexander Afanasiev del folklore campesino y la prehistoria pagano. Colección de trajes de la princesa Tenisheva fue una de las primeras fuentes de inspiración. Cuando los diseños se completaron, Stravinsky expresó su satisfacción y los declaró "un verdadero milagro".

La relación de Stravinsky con la otra principal colaborador, Nijinsky, fue más complicado. Diaghilev había decidido que el genio de Nijinsky como bailarina se traduciría en el papel de ballet-master; él no fue disuadido cuando el primer intento de Nijinsky en coreografía, Debussy L'après-midi d'un faune, causó controversia y casi escándalo a causa de los nuevos movimientos estilizados del bailarín y su gesto abiertamente sexual al final de la obra. Se desprende de la correspondencia contemporánea que, al menos inicialmente, Stravinsky visto talentos de Nijinsky como coreógrafo con su aprobación; una carta que envió a Findeyzen alaba "apasionado celo y humildad completa" del bailarín. Sin embargo, en sus 1.936 memorias Stravinsky escribe que la decisión de emplear Nijinsky en este papel le llenaba de aprensión; aunque admiraba Nijinsky como bailarina que no tenía confianza en él como coreógrafa: "... el pobre muchacho nada de música sabía que no podía leer ni tocar cualquier instrumento.". Más tarde aún, Stravinsky ridiculizaba doncellas danzantes de Nijinsky como "patizambo y trenzado largo Lolitas". Stephen Walsh, analista líder de Stravinsky, ha sugerido que la desmentida tardía de la coreografía de Nijinsky, junto con el rechazo de las influencias de la música folk, fue parte de un intento por parte del compositor, a continuación, en el exilio, de restar importancia a las raíces e influencias rusas de la música.

Relato autobiográfico de Stravinsky se refiere a muchos "incidentes dolorosos" entre el ballet-master y los bailarines durante el periodo de ensayos. A principios de 1913, cuando Nijinsky fue mal retrasado, Stravinsky fue advertido por Diaghilev que "a menos que usted venga aquí inmediatamente ... Sacre no tendrá lugar". Los problemas fueron superados lentamente, y cuando se celebraron los últimos ensayos mayo 1913 los bailarines parecían haber dominado las dificultades del trabajo. Incluso el director de escena escéptico de los Ballets Rusos, Serge Grigoriev, tuvo palabras de elogio por la originalidad y el dinamismo de la coreografía de Nijinsky.

El director de orquesta Pierre Monteux había trabajado con Diaghilev desde 1911, y que había estado a cargo de la orquesta en el estreno de Petrushka. La primera reacción de Monteux a El Rito, después de escuchar Stravinsky jugar una versión para piano, era dejar la habitación y encontrar un rincón tranquilo. Aunque iba a desempeñar sus funciones con la profesionalidad de conciencia, que nunca llegó a disfrutar de la obra; casi cincuenta años después del estreno, dijo a las solicitudes de información que lo detestaba. El 30 de marzo Monteux informó Stravinsky de modificaciones que pensaba eran necesarias, y tal vez sólo recibió la puntuación completado final hacia finales de abril de 1913. La orquesta, elaborado principalmente a partir de la Conciertos Colonne en París, contenía 99 jugadores. La primera parte del ballet recibió dos ensayos orquestales completos en marzo, antes de Monteux y la compañía se fue a realizar en Monte Carlo. Ensayos reanudado cuando regresaron, Stravinsky sólo llegar a París el 13 de mayo, por lo que el número inusualmente grande de ensayos, diecisiete exclusivamente orquestales y cinco con los bailarines, tuvo que instalarse en la quincena antes de la apertura, mientras que las actuaciones y ensayos de otra música continuado.

La música contenía tantas combinaciones de notas inusuales que Monteux tuvo que pedir a los músicos para dejar de interrumpir cuando pensaban que habían encontrado errores en la puntuación, diciendo que iba a decirles que si algo se jugó de forma incorrecta. "Los músicos pensaron que absolutamente loco" ;. En un momento, una de bronce culminante fortissimo, la orquesta se disolvió en risas nerviosas ante el sonido, causando Stravinsky intervenir airadamente.

El papel de la víctima del sacrificio era para haber sido bailado por la hermana de Nijinsky, Bronislava Nijinska; cuando se quedó embarazada durante los ensayos fue reemplazada por el entonces relativamente desconocido Maria Piltz.

Historia y recepción Rendimiento

Estreno

El New York Times informa que el estreno Rito sensacional, nueve días después del evento

París de Teatro de los Campos Elíseos era una nueva estructura, que había abierto el 2 de abril 1913, un programa de la celebración de las obras de muchos de los principales compositores de la época. El gerente del teatro, Gabriel Astruc, estaba decidido a albergar la temporada 1913 Ballets Russes, y pagó Diaghilev la gran suma de 25.000 francos por rendimiento, el doble de lo que había pagado el año anterior. La venta de entradas para la noche, los precios de las entradas se duplicaron para un estreno, ascendieron a 35.000 francos. El programa para el 29 de mayo 1913 también incluyó sílfides, Weber Le espectro de la rosa y Polovtsian Danzas de Borodin.

En ese momento, un público de ballet parisino normalmente consistía en dos grupos diversos: el conjunto rico y de moda, que estarían esperando ver un espectáculo tradicional con música hermosa, y un "Bohemian" grupo que, el poeta-filósofo Jean Cocteau afirmó, sería "la aclamación, bien o mal, todo lo que es nuevo debido a su odio a las cajas". Los ensayos finales se celebraron el día antes del estreno, en presencia de miembros de la prensa e invitados variados. Según Stravinsky todo ha ido en paz. Sin embargo, el crítico de L'Écho de Paris, Adolphe Boschot, previó posibles problemas; se preguntó cómo el público recibe la obra, y sugirió que podrían reaccionar mal si pensaban que estaban siendo burlaban.

En la noche del 29 de mayo, el teatro estaba lleno: Gustav Linor informó: "Nunca ... ha sido tan completa, tan resplandeciente o la sala; las escaleras y los pasillos estaban llenos de espectadores deseosos de ver y oír". La velada comenzó con sílfides, en la que Nijinsky y Karsavina bailaron los roles principales El rito siguió.; hay un acuerdo general entre los testigos y comentaristas que los disturbios en la audiencia comenzaron durante la introducción, y se convirtieron en un crescendo cuando se levantó el telón en los bailarines de estampado en "augures de la primavera". Marie Rambert, que trabajaba como asistente de Nijinsky, recordó más tarde que era antes imposible escuchar la música en el escenario. En su relato autobiográfico, Stravinsky escribe que la risa burlona que recibió a los primeros compases de la introducción le repugnaba, y que abandonó el auditorio para ver el resto de la actuación de las alas de la etapa ("Nunca he sido más que enojado") . Las manifestaciones, dice, se convirtieron en "un alboroto terrible" que, junto con los ruidos en el escenario, ahogó la voz de Nijinsky que estaba gritando los números de paso a los bailarines. El periodista y fotógrafo Carl Van Vechten registró que la persona detrás de él se dejó llevar por la emoción, y "comenzó a latir rítmicamente en la parte superior de mi cabeza", aunque Van Vechten no se dio cuenta de esto al principio, su propia emoción es tan grande.

Bailarines en trajes originales de Nicholas Roerich. De izquierda a derecha, Julitska, Marie Rambert, Jejerska, Boni, Boniecka, Fiel

Monteux cree que el problema comenzó cuando las dos facciones en la audiencia comenzaron a atacar a los demás, pero su ira mutua pronto fue desviada hacia la orquesta: "Todo disponible fue lanzado en nuestra dirección, pero continuó jugando en". Alrededor de cuarenta de los peores delincuentes fueron expulsados, ya sea por la policía o por la dirección. A través de todas las perturbaciones del rendimiento continuó sin interrupción. Cosas crecieron notablemente más tranquilo durante la segunda parte, y según algunas versiones representación de María Piltz de la final "Danza de sacrificio" se observaron en silencio razonable. Al final hubo varias llamadas de cortina para los bailarines, para Monteux y la orquesta, y de Stravinsky y Nijinsky antes siguieron el programa de la noche.

Entre los más hostiles revistas de prensa fue el de Crítico de Le Figaro 's, Henri Quittard, quien llamó a la obra "una barbaridad laborioso y pueril" y agregó "Nos duele ver a un artista como M. Stravinsky involucrarse en esta aventura desconcertante". Por otro lado Gustav Linor, escribiendo en la revista teatral líder Comoedia, pensó que el desempeño fue excelente, especialmente la de María Piltz; los disturbios, mientras que deplorable, no eran más que "un debate ruidoso" entre dos facciones maleducados. Emile Raudin, de Les Marges, que apenas había oído la música, escribió: "¿No podríamos pedir M. Astruc ... dejar a un lado una actuación para los espectadores bien intencionados ... Nosotros al menos podría proponer para desalojar al? elemento femenino ". El compositor Alfredo Casella cree que las manifestaciones estaban dirigidas a la coreografía de Nijinsky en lugar de en la música, una opinión compartida por la crítica Michel-Dimitri Calvocoressi, quien escribió: "La idea era excelente, pero no se llevó a cabo con éxito". Calvocoressi no observó ninguna hostilidad directa a la diferencia de compositor, dijo, el estreno de Debussy Pelléas y Mélisande en 1902. De los informes posteriores que el veterano compositor Camille Saint-Saëns había asaltado fuera del estreno, Stravinsky observó que esto era imposible; Saint-Saëns no asistió. Stravinsky también rechazó la historia de Cocteau que, después de la actuación, Stravinsky, Nijinsky, Diaghilev y el propio Cocteau tomaron un taxi para el Bois de Boulogne, donde un Diaghilev llorosa recitaba poemas de Pushkin . Stravinsky se limitó a recordar una cena de celebración con Diaghilev y Nijinsky, a la que el empresario expresó su entera satisfacción con el resultado. Para Maximilien Steinberg, un ex condiscípulo bajo Rimsky-Korsakov, Stravinsky escribió que la coreografía de Nijinsky había sido "incomparable: con la excepción de unos pocos lugares, todo era como yo quería".

Ejecución inicial y Joffrey renacimiento

Después del estreno hubo otras cinco actuaciones de La consagración en París, el último el 13 de junio. Aunque estas ocasiones fueron relativamente pacíficas, algo del estado de ánimo de la primera noche se mantuvo; el compositor Puccini, quien asistió a la segunda presentación el 2 de junio, se describe la coreografía tan ridículo y la cacophonous- música "la obra de un loco El público silbó, se echó a reír -. Y aplaudió". Stravinsky, confinado a su cama por la fiebre tifoidea, no se unió a la empresa cuando se fue a Londres para cuatro presentaciones en el Teatro Drury Lane . Revisión de la producción de Londres, El crítico del Times se impresionó cómo los diferentes elementos de la obra se unieron para formar un todo coherente, pero fue menos entusiasta sobre la música en sí, opinando que Stravinsky se había sacrificado por completo melodía y armonía para el ritmo: "Si M. Stravinsky había deseado ser realmente primitivo, habría sido prudente ... anotar su ballet para nada más que los tambores ". El historiador del ballet Cyril Beaumont comentó sobre los "movimientos toscos lentos" de los bailarines, la búsqueda de estos "en completa oposición a las tradiciones del ballet clásico".

Después de las actuaciones de Londres y París, eventos conspiraron para impedir nuevas puestas en escena. La coreografía de Nijinsky, que Kelly describe como "tan sorprendente, tan escandalosa, tan frágil en cuanto a su conservación", no volvió a aparecer hasta que se hicieron intentos para reconstruirlo en la década de 1980. El 19 de septiembre 1913 se casó con Nijinsky Romola de Pulszky mientras los Ballets Russes estaba de gira sin Diaghilev en América del Sur. Cuando Diaghilev se enteró de que estaba angustiado y furioso de que su amante se había casado, y desestimó Nijinsky. Entonces Diaghilev se vio obligado a volver a contratar a Fokine, que había dimitido en 1912 debido a Nijinsky se había pedido a coreografiar Faune. Fokine puso como condición de su nuevo empleo que ninguno de coreografía de Nijinsky se llevaría a cabo. En una carta al crítico de arte e historiador Alexandre Benois, Stravinsky escribió: "[L] a posibilidad ha ido por algún tiempo de ver nada de valor en el campo de la danza y, aún más importante, de volver a ver este descendiente mío".

El estallido de la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914 interrumpió el circuito de giras establecido, que incluía países ahora en lados opuestos, y causó un número de bailarines, incluyendo Fokine, para regresar a sus propios países. Diaghilev se reconcilió con Estrechando los vínculos Nijinsky ya que tanto la bailarina y coreógrafa, pero Nijinsky había sido puesto bajo arresto domiciliario en Hungría como un ciudadano ruso enemigo. Su liberación fue obtenida por Diaghilev en un intercambio de prisioneros con los Estados Unidos en 1916, para una visita allí, pero su salud mental disminuyó de manera constante y que dejó de participar en el ballet profesional después de 1917. En 1920, cuando Diaghilev decidió revivir El Rito , se encontró con que ya nadie se acordó de la coreografía.

El 30 de septiembre de 1987, el Joffrey Ballet en Los Angeles el rito basado en una reconstrucción de 1913 la coreografía de Nijinsky, hasta entonces creía perdido sin remedio. El rendimiento fue resultado de años de investigación, principalmente por Millicent Hodson, que reconstruyó la coreografía juntos de los libros originales prontas, bocetos y fotografías de la época, y los recuerdos de Marie Rambert y otros sobrevivientes. La versión de Hodson desde entonces ha sido realizado por el Kirov Ballet, en el Mariinsky Theatre en 2003 y ese mismo año en el Covent Garden. El Ballet Joffrey está planeando una actuación conmemorativa marzo de 2013, en Austin, Texas, para conmemorar el centenario de la obra.

El Rito con otras coreografías

Léonide Massine, quien coreografió el renacimiento 1920

Stravinsky pasó la mayor parte de los años de guerra en Suiza, y se convirtió en un exilio permanente de su patria después de la 1917 Revolución Rusa . Cuando terminó la guerra retomó su asociación con Diaghilev. En diciembre de 1920 Ernest Ansermet realizó una nueva producción, en París, con coreografía de Léonide Massine, con la Nicholas Roerich diseños retenido; el bailarín principal era Lydia Sokolova. En sus memorias, Stravinsky es equívoca sobre la producción Massine; el joven ballet-master, escribe, mostró "incuestionable talento", pero había algo "forzado y artificial" en su coreografía, que carecía de la necesaria relación orgánica con la música. Sokolova, en su cuenta más tarde, recordó algunas de las tensiones en torno a la producción, con Stravinsky, "con una expresión que habría asustado a cien vírgenes escogidas, pranc [ing] y por el pasillo central" mientras Ansermet ensayaba la orquesta.

El ballet fue mostrado por primera vez en Estados Unidos el 11 de abril de 1930, cuando la versión de Massine 1920 se llevó a cabo por el Orquesta de Filadelfia en Filadelfia bajo Leopold Stokowski, con Martha Graham bailar el papel del Elegido. La producción se trasladó a Nueva York, donde Massine se sintió aliviado al encontrar el público receptivo, una señal, pensó, que los neoyorquinos fueron finalmente empezando a tomar en serio el ballet. La primera producción de diseño americano, en 1937, fue el de la Moderno exponente de la danza Lester Horton, cuya versión sustituye el ajuste de Rusia pagana original con un Wild West fondo y el uso de Danzas nativas americanas.

El Teatro Bolshoi de Moscú, donde la producción de 1965 de El Rito fue descrito por un crítico como "propaganda soviética en su mejor momento"

En 1944 Massine comenzó una nueva colaboración con Roerich, quien antes de su muerte en 1947 completó una serie de bocetos para una nueva producción que Massine llegar a buen término en La Scala de Milán en 1948. Esto anunció una serie de producciones europeas de posguerra significativos. Mary Wigman en Berlín (1957) siguió Horton en destacar los aspectos eróticos de sacrificio de una virgen, al igual que Maurice Béjart en Bruselas (1959). Representación Béjart 's reemplazó al sacrificio que culminó con una representación de lo que el crítico Robert Johnson describe como "coito ceremonial". La 1962 la producción del Royal Ballet, con coreografía de Kenneth MacMillan y diseñado por Sidney Nolan, se realizó por primera vez el 3 de mayo y fue un triunfo crítico. Ha permanecido en el repertorio de la compañía por más de 50 años; después de su renacimiento en mayo de 2011 el Crítico Daily Telegraph Mark Monahan lo llamó uno de los mayores logros de la Royal Ballet. Moscú por primera vez a El Rito en 1965, en una versión coreografiada para el Bolshoi Ballet por Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliev. Esta producción se muestra en Leningrado cuatro años más tarde, en el Maly Teatro de la Ópera, y presentó un argumento que proporciona el Elegido con un amante que da rienda suelta a la venganza de los ancianos después del sacrificio. Johnson describe la producción como "un producto de ateísmo de estado ... la propaganda soviética en su mejor momento".

En 1975 Pina Bausch, que se había hecho cargo de la Wuppertal compañía de ballet, causó un gran revuelo en el mundo del ballet con su cruda representación, juega en una etapa de la tierra cubierto, en la que el Elegido se sacrifica para gratificar la misoginia de los hombres de los alrededores. Al final, de acuerdo con The Guardian 's Lucas Jennings, "el elenco es sudor-rayado, sucio y audible jadeo". En Estados Unidos, en 1980, Paul Taylor utilizó a cuatro manos versión para piano de Stravinsky de la puntuación como fondo de un escenario basado en asesinatos de niños y cine gángster imágenes.En febrero de 1984 Martha Graham, en su 90o año, reanudó su relación conEl Ritode la coreografía de una nueva producción en la de Nueva YorkTeatro del Estado. El New York Timesel crítico declaró el rendimiento "un triunfo ... totalmente elemental, como primordial en la expresión de emoción básica como cualquier ceremonia tribal, como inquietantemente organizó en su desolación deliberada, ya que es rico en implicaciones ".

Los editores de música Boosey y Hawkes han estimado que desde su estreno, el ballet ha sido objeto de al menos 150 producciones, muchas de las cuales se han convertido en clásicos y que han sido llevadas a cabo en todo el mundo. Entre las interpretaciones más radicales es 1974 versión de Glen Tetley, en el que el elegido es un varón joven. Más recientemente ha habido una versión solo de danza ideado por Javier de Frutos, una interpretación del punk rock de Michael Clark, y Ritos (2008), de la Australian Ballet junto con Bangarra Dance Theatre, que representa las percepciones aborígenes de los elementos de la tierra, aire, fuego y agua.

Conciertos

Los comentaristas están de acuerdo en términos generales que, tras recepciones entusiastas de conciertos en Moscú, París, Londres y Filadelfia, la obra ha tenido un mayor impacto en la sala de conciertos que en el escenario. Muchas de las revisiones de Stravinsky a la música han estado en la sala de conciertos más que el teatro en mente.

El 18 de febrero 1914 El Rito recibió su primer concierto (la música sin el ballet), en San Petersburgo bajo Serge Koussevitzky. El 5 de abril de ese año, Stravinsky experimentó por sí mismo el éxito popular de La consagración como una obra de concierto, en el Casino de París. Después de la actuación, de nuevo bajo Monteux, el compositor fue llevado en triunfo de la sala sobre los hombros de sus admiradores. El Rito tuvo su primer concierto británica el 7 de junio de 1921, en ​​el Salón de la Reina en Londres bajo Eugene Goossens. su estreno americano se produjo el 3 de marzo 1922, cuando Leopold Stokowski lo incluyó en un programa de la Orquesta de Filadelfia. Goossens también fue responsable de la introducción de El Rito de Australia en 1946, como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Sydney.

Stravinsky primero llevó a cabo el trabajo en 1926, en un concierto de la Orquesta Concertgebouw de Amsterdam; dos años más tarde lo llevó a la Salle Pleyel de París para dos actuaciones bajo su batuta. De estas ocasiones, escribió más tarde que "gracias a la experiencia que había ganado con todo tipo de orquestas ... yo habíamos llegado a un punto en el que podía obtener exactamente lo que quería, como yo quería". El trabajo se ha convertido en un elemento básico en los repertorios de todas las principales orquestas y ha sido citado por Leonard Bernstein como "la pieza más importante de la música del siglo 20".

(88 a continuación, años) En 1963, 50 años después del estreno, Monteux acordaron llevar a cabo una actuación conmemorativa en Londres Royal Albert Hall. De acuerdo a Isaiah Berlin, un amigo cercano del compositor, Stravinsky le informó que no tenía ninguna intención de escuchar su música que se está "asesinado por que carnicería espantosa ". En cambio él arregló entradas para la actuación de esa noche particular de Mozart ópera 's Las bodas de Fígaro , en Jardín Del Convento. Bajo la presión de sus amigos, Stravinsky fue persuadido para abandonar la ópera después del primer acto. Llegó en el Albert Hall al igual que la actuación de El Rito se termina; compositor y director compartieron un cálido abrazo frente al inconsciente, el público animando salvajemente. El biógrafo de Monteux John Canarina proporciona un punto de vista diferente en esta ocasión, la grabación que a finales de la tarde Stravinsky había afirmado que "Monteux, casi el único entre los conductores, nunca se abarató Rite o buscó su propia gloria en él, y él continuó a jugar a lo toda su vida con la mayor fidelidad ".

Música

Carácter general y de instrumentación

Portada de la reducción para piano a cuatro manos 1913 deLa consagración de la primavera, la primera versión publicada de la obra

Los comentaristas han descrito a menudo El Rito ' s de música en términos vivos; Paul Rosenfeld, en 1920, escribió de él "libra [ing] con el ritmo de motores, remolinos y espirales como tornillos y matamoscas ruedas, muele y chillidos como trabajando de metal". En un análisis más reciente, The New York Times el crítico Donal Henahan se refiere a "gran crujido, gruñendo acordes del latón y atronador golpea desde el timbales". El compositor Julius Harrison reconoció la singularidad de la obra negativa: se demostró "aborrecimiento de Stravinsky de todo para que la música ha resistido todos estos siglos ... todo quehacer humano y el progreso están siendo barridos a un lado para dejar espacio a los sonidos horribles ... "

En El pájaro de fuego , Stravinsky había empezado a experimentar con bitonalidad (el uso de dos claves diferentes a la vez). Tomó esta técnica aún más en Petrushka , pero reservó su efecto completo de El Rito donde, como el analista EW White explica, que "empujó [lo] a su conclusión lógica". White también observa carácter métrica compleja de la música, con combinaciones de duple y triple de tiempo en el que un fuerte latido irregular se enfatiza por la poderosa percusión. El crítico musical Alex Ross ha descrito el proceso irregular por el cual Stravinsky adaptado y se absorbe material folclórico tradicional rusa en la partitura. Él "procedió a pulverizar ellos en bits motívicas, amontonarlos en capas, y volver a montar en los collages cubistas y montajes".

La duración de la obra es de unos 35 minutos. La puntuación exige un piccolo , tres flautas (tercera duplicando segundo piccolo), una flauta alto, cuatro oboes (cuarto doblando segundo cuerno Inglés), cuerno Inglés, tres clarinetes en B ♭ y A (tercera duplicar segundo clarinete bajo), clarinete piccolo en E ♭ y D, uno clarinete bajo, cuatro fagotes (cuarto doblando segundo contrabassoon), uno contrabassoon; ocho cuernos (séptimo y octavo tenor duplicación Wagner tubas), cuatro trompetas en C, pequeña trompeta en Re, trompeta baja en E ♭, tres trombones , dos graves tubas ; una sección de percusión con 5 timbales (que requiere dos jugadores), bombo, gong, triángulo, pandereta, platillos , címbalos antiguos en A ♭ y B ♭, güiro; y cuerdas. A pesar de la gran orquesta, gran parte de la puntuación está escrito cámara de la moda, con instrumentos individuales y pequeños grupos que tienen funciones distintas.

Parte I: La adoración de la Tierra

La melodía de apertura es interpretado por un fagot solista en un registro muy alto, lo que hace que el instrumento casi no identificable; poco a poco otros instrumentos de viento suenan y son finalmente unidos por cuerdas. El sonido se acumula antes de parar de repente, Colina, dice, "del mismo modo que está estallando en éxtasis en la floración". Hay, pues, una reiteración de la apertura solo de fagot, ahora desempeñado un semitono más bajo.

El primer baile, "augures de la primavera", se caracteriza por un acorde estampado repetido entre los cuernos y cuerdas, con base en mi bemol superpuesta a una tríada de E, sugiere sol sostenido y B. Blanca que esta combinación bitonal, que Stravinsky considerado como el punto focal de toda la obra, fue ideado en el piano, ya los acordes constituyentes son cómodas ajustes para las manos en un teclado. El ritmo de la estampación se ve perturbado por la constante desplazamiento de Stravinsky del acento, dentro y fuera del ritmo, antes del baile termina en un colapso, como si por el cansancio. El "Ritual del Secuestro", que sigue se describe por Hill como "la más aterradora de cacerías musicales". Llega a la conclusión de una serie de trinos de flauta que marcará el comienzo de las "Rondas de Primavera", en el que un tema lento y laborioso se eleva gradualmente a una disonante fortissimo, una "caricatura espantosa" de tono principal del episodio.

Cobres y percusiones predominan como el "Ritual de las tribus rivales" comienza. Una melodía surge el tenor y bajo tubas, líder después de mucha repetición para la entrada de la procesión del Sabio. La música, entonces se detiene virtual "blanqueado libre del color" (Hill), como el Sabio bendice la tierra. La "Danza de la Tierra", entonces comienza, con lo que la parte I a su fin en una serie de frases de la mayor energía que se terminó abruptamente en lo Colina describe como un "contundente y brutal amputación".

Parte II: El Sacrificio

Bocetos de María Piltz realizan la danza de sacrificio

Parte II tiene una cohesión mayor que su predecesor. Colina describe la música como siguiendo un arco que se extiende desde el comienzo de la Introducción a la conclusión de la danza final. Viento Madera y trompetas silenciadas son prominentes en toda la Introducción, que termina con un número de aumento de las cadencias de cuerdas y flautas. La transición a los "Círculos Mystic" es casi imperceptible; el tema principal de la sección ha sido prefigurado en la Introducción. Un acorde repetido en voz alta, que Berger compara con una llamada al orden, anuncia el momento de la elección de la víctima del sacrificio. El "glorificación del Elegido" es breve y violento; en el "Evocación de los Antepasados" que sigue, frases cortas se intercalan con redobles. La "Acción Ritual de los Antepasados" comienza en silencio, pero poco a poco se acumula a una serie de clímax antes de remitir de repente en las frases tranquilas que comenzaron el episodio.

La transición final introduce el "Sacrificio de la danza". Esto se escribe como un ritual más disciplinado que el baile extravagante que terminó la parte I, aunque contiene algunos momentos salvajes, con la sección de percusión de la orquesta grande dado plena voz. Stravinsky tuvo dificultades con esta sección, sobre todo con los compases finales que concluyen los trabajos. El final abrupto desagradó varios críticos, uno de ellos escribió que la música "de repente se cae de su lado". El propio Stravinsky refiere el acorde final despectivamente como "ruido", pero en sus diversos intentos para modificar o reescribir la sección, era incapaz de producir una solución más aceptable.

Influencia y adaptaciones

Las tres piezas escritas para Diaghilev a realizar como ballets, La consagración de la primavera , Petrushka y El pájaro de fuego , se han vuelto más populares como piezas de concierto que cualquiera de las obras de Stravinsky destinados a ser música no acompañado. El rito ha sido descrito como "el más famoso composición de principios del siglo XX "; el académico y crítico Ene Smaczny, haciéndose eco de Bernstein, lo llama una de las composiciones más influyentes del siglo 20, que proporciona "la estimulación sin fin para los intérpretes y oyentes". Según Kelly el 1913 estreno podría ser considerado "el momento más importante en la historia de la música del siglo 20", y sus repercusiones siguen reverberando en el siglo 21. Ross ha descrito el rito como una obra profética, presagiando la "segunda vanguardia" era en la composición de música clásica del cuerpo más que de la mente, en el que "[m] Elodies seguirían los patrones del habla; ritmos coincidiría la energía de la danza ... sonoridades tendría la dureza de la vida tal como es realmente vivió ".

Entre los compositores del siglo 20 más influenciados por The Rite es Stravinsky casi contemporáneo, Edgard Varèse, que había asistido al estreno de 1913. Varèse, según Ross, fue particularmente atraídos por las "armonías crueles y estimulando ritmos" de El Rito , que empleó a pleno efecto en su obra Concierto Amériques (1921), anotaron para una orquesta enorme, con añadido efectos de sonido, incluyendo el rugido de un león y una sirena de lamentos. Aaron Copland, a quien Stravinsky fue una inspiración particular del ex días de estudiante, considera El Rito una obra maestra que había creado "la década del acento desplazados y el acorde politonal". Copland adoptó la técnica de Stravinsky de componer en pequeñas secciones que luego arrastrando los pies y se han reorganizado, en lugar de trabajar a través de principio a fin. Ross cita la música de ballet de Copland Billy the Kid como proveniente directamente de la sección de "Primavera Rondas" El Rito . Para Olivier Messiaen El rito era de especial importancia; analizó constantemente y expuso sobre el trabajo, que le dio un modelo perdurable para la unidad rítmica y montaje de material.

Tras el estreno del escritor León Vallas opinó que Stravinsky había escrito la música 30 años delante de su tiempo, apto para ser escuchado en 1940. Coincidentemente, fue en ese año que Walt Disney lanzó Fantasia , una película de animación basada en la música de El Rito y otras composiciones clásicas. El Rito segmento de la película representa la prehistoria de la Tierra, lo que lleva a la extinción de los dinosaurios. Entre los que impresionado por la película era Gunther Schuller, más tarde, un compositor, director de orquesta y estudioso del jazz. La consagración de la primavera de secuencia, dice, lo abrumó y determinó su futura carrera en la música: "Espero que [Stravinsky] apreciarse que cientos, tal vez miles de músicos se convirtieron en La consagración de la primavera ... a través de Fantasia, músicos que pueden de otra manera nunca han escuchado el trabajo, o al menos no hasta muchos años después ". En la vida más tarde Stravinsky afirmó disgusto por la adaptación, aunque como señala Ross, no dijo nada crítico en el momento; según Ross, el compositor Paul Hindemith observó que "Igor aparece a encantar".

Grabaciones

Antes de las primeras grabaciones de discos de gramófono de El Rito se emitieron en 1929, Stravinsky había ayudado a producir una versión pianola de la obra para la empresa eólica. También creó un acuerdo mucho más amplio para los franceses empresa pianista Pleyel, con quien firmó un contrato en 1923 en virtud del cual muchas de sus primeras obras fueron reproducidas en este medio. La versión Pleyel de La consagración de la primavera se publicó en 1921; el pianolist británico Rex Lawson registró el trabajo en esta forma en 1990

En 1929 Stravinsky y Monteux competían entre sí para llevar a cabo la primera grabación gramófono de El Rito . Mientras Stravinsky dirigió L'Orchestre des Concerts Straram en una grabación para el sello Columbia, al mismo tiempo, Monteux estaba grabando para el sello HMV. La versión de Stokowski siguió en 1930. Stravinsky hizo dos grabaciones más, en 1940 y 1960. De acuerdo con el crítico Edward Greenfield, Stravinsky no era técnicamente un gran director, pero, dice Greenfield, en la grabación 1960 con la Orquesta Sinfónica de Columbia el compositor inspirado una actuación con "extraordinario empuje y la capacidad de recuperación". En conversaciones con Robert Craft, Stravinsky revisó varias grabaciones de El Rito hecho en la década de 1960. De Herbert von Karajan 1963 la grabación 's con la Filarmónica de Berlín, Stravinsky, comentó: "La grabación es buena en general, el rendimiento es ... demasiado pulido, un salvaje mascota en lugar de uno real". Pierre Boulez, con la Orquesta Nacional de Francia (1963), fue "menos bueno de lo que esperaba ... muy mal tempi y algunas alteraciones de mal gusto". Una grabación de la Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú en 1962, se felicitó por lo que la música suene de Rusia ", que es la correcta", pero el juicio conclusivo de Stravinsky es que ninguna de estas tres actuaciones vale la pena preservar.

A partir de 2012 hay más de 100 grabaciones diferentes de El Rito disponible en el mercado, y muchos más llevan a cabo en los archivos de sonido de la biblioteca. Se ha convertido en uno de los más grabados de todas las obras musicales del siglo 20.

Ediciones

La puntuación 1,913 autógrafo, utilizado en el estreno y otras actuaciones tempranas, nunca se ha publicado. La puntuación primera publicación fue el arreglo para piano a cuatro manos (edición Russe de Musique, RV196), con fecha de 1913. Publicación de la partitura orquestal completa fue impedido por el estallido de la guerra en agosto de 1914. Después de la reactivación de la obra en 1920 Stravinsky, que no había escuchado la música durante siete años, hecho numerosas revisiones a la puntuación, que se publicó finalmente en 1921 (edición Russe de Musique, RV 197 partituras / 197b. grandes y de bolsillo).

En 1922 Ansermet, que se preparaba para realizar el trabajo en Berlín, enviado a Stravinsky una lista de errores que había encontrado en la partitura publicada. En 1926, como parte de su preparación para el desempeño de ese año con la Orquesta del Concertgebouw, Stravinsky reescribió el "Evocación de los Antepasados" sección e hizo cambios sustanciales en el "Sacrificio de la danza". El alcance de estas revisiones, junto con las recomendaciones del Ansermet, convencido de Stravinsky que una nueva edición fue necesario, y esto apareció en forma grande y el bolsillo en 1929. No obstante, incorpora todas las enmiendas del Ansermet y, confusamente, llevaba la fecha y código de RV de la edición 1921, por lo que la nueva edición difíciles de identificar.

Stravinsky continuó revisando el trabajo, y en 1943 volvió a escribir el "Sacrificio de la danza". En 1948 Boosey y Hawkes publicó una versión corregida de la puntuación de 1929 (B & H 16333); 1943 enmienda de Stravinsky de la "Danza de sacrificio" no se incorporó a la nueva versión y se mantuvo no ejecutada, a la decepción del compositor. Consideró que "mucho más fácil de jugar ... y superior en el equilibrio y la sonoridad" a las versiones anteriores.

La puntuación 1929 forma la base de la mayoría de las actuaciones de El Rito . Boosey and Hawkes reeditaron su edición de 1948 en 1965, y produjo una nueva edición grabado (B & H 19441) en 1967. La firma también emitieron una reimpresión no modificada de la reducción de 1.913 piano en 1952 (B & H 17271) y una versión para piano revisado, incorporando el 1929 revisiones, en 1967.